ROLLCAMERA..........action!

2007-03-07T00:49:00.000+01:00

CASTING

Procuram-se dois homens dos 22 aos 30 anos para participar na curta-metragem "UM MOMENTO". Para tal, qualquer interessado deve dirigir-se no dia 12, das 19h às 23h, na ESAP no Largo de São Domingos e no dia 13, das 9h às 13h na ESAP noPalácio de Belmonte.

Para mais informações:

e-mail: ummomento@netcabo.pt

tlm: 965571464 / 918464540

web: http://ummomento-film.blogspot.com/

2007-02-16T21:11:00.000+01:00

Casting para a curta-metragem de ficção "Ana e a Emancipação da Alma".

Para recepção de informações e marcação de horário, por favor contactar:

e-mail: aeaproducao@blogspot.com

tlm: 936960457 - Manuel Pinto Barros / 919128851 - Ricardo Coutinho

2007-01-29T21:07:00.000+01:00

Blogue de Produção de Curta-Metragem

Está online, apartir deste momento um Blogue que dará informações sobre a Produção e o desenvolvimento de uma curta-metragem de ficção. É um projecto de um grupo de Alunos da Escola Superior Artística do Porto (ESAP) e tem como título "Ana e a Emancipação da Alma".
A criação deste blogue deve-se à necessidade de divulgar patrocinadores e também do trabalho desenvolvido.

Visitem e comentem em: http://aeaproducao.blogspot.com

2007-01-25T20:50:00.000+01:00

Sessão de Curta-Metragens

Na Sala Bebé – Cinema Batalha
às 21h 30

apresentam

"DESOLO" de Realizadores da Escola Superior Artística do Porto (17’)

"Filme rodado metricamente, em 14 Magníficos Quadros Artísticos, no Alto de Santa Justa."

"O MONSTRO" de Paulo Guilherme Caldas (4’ 20’’)

"... e essa mesma luz/ que te viu nascer/agora te ilumina/nas horas tardias de um tempo/que te vê envelhecer."

"FAIXA SONORA" de José Miguel Oliveira, Ana Maria Carneiro, Luis Carneiro e Manuel Barros (5’)

"Uma faixa sonora, uma voz, quatro olhares."

"DETAIL" de Ana Maria Carneiro (2’)

"A Mulher, ferida, prepara-se para a vingança."

"A GATA BORRALHEIRA" de Sério Fernandes (3’)
"A casa de Francelos, na poética de Sério Fernandes, fechando o filme Sissa."

"A VER O MAR" de Lukas Palha Koehnke
"Gustavo está na praia a ler um livro quando ele de repente descobre uma rapariga misteriosa, que parece ter aparecido do nada
Uma viagem por tempo e espaco à procura do amor, em que ele tenta apanhar uma coisa, que não se deixa apanhar. "

"ANIMAIS" de Sérgio Cruz (2' 39”)
"Parte de uma análise coreográfica sobre o corpo humana/animal. Trata de uma ironia sobre o corpo animal, resultante de uma semana de improvisações na área da dança, em regime de residência artística."

"O OUTRO LADO" de Jorge Bernardes (5' 31”)
"Fechada num espaço desconhecido, uma jovem revive o seu passado e confronta o seu maior medo: um antigo mas presente conflito interior. Do outro lado alguém a observa."

"VEJO-TE QUANDO LÁ CHEGARES" de Filipe Henriques (14' 12”)
"O acaso reúne Baldé e Xavier, dois homens aparentemente muito diferentes e cruza os seu caminhos aliando-os de uma forma definitiva. Ainda que o primeiro impacto desse encontro tenha resultado em hostilidade (...), surge entre os dois uma curta mas significativa relação de união e cumplicidade que lhes proporciona não a resolução dos seus problemas, mas a força e a coragem para os enfrentar e ultrapassar."

"AMBULANCE" de Joana Gaio

"O OUTRO LADO" de Nuno Portugal (5')
"A polícia prepara uma operação de captura de um perigoso criminoso. No entanto, a operação começa mal desde início e um dos inspectores vê-se envolvido num surpreendente jogo de poder. A vingança é agora a sua única arma para sobreviver."

programação sujeita a alterações

apoio: ICAM Ministério da Cultura

2007-01-18T19:22:00.000+01:00

“Fast Food Nation” de Richard Linklater

Onde está o herói do cinema Americano?

Richard Linklater, é aparentemente um realizador sem estilo, e em boa verdade talvez nem o tenha, mas a sua filmografia, mais recente como este “Fast Food Nation” ou “Antes de Anoitecer” e à mais antiga como “Antes do Amanhecer”, com “Escola de Rock” pelo meio, será possível reflectir sobre uma realidade não comercial, mas puramente “indie”, ao longo da obra de Linklater, e em que “Fast Food Nation” se assume como o estado completo de depuração de um estilo.

Linklater nunca fou um entusiasta pela narrativa simplista e académica, trabalhou com os próprios actores no processo de argumento (Julie Delpy e Ethan Hawke), preocupa-se mais com a forma do que propriamente com a narrativa (Escola de Rock), embora qualquer um dos seus filmes anteriores tivessem o seu quê de experimental e vivendo no interior da Industria Cinematográfica, Linklater possivelmente nunca se conseguiu impor completamente.

Agora ligeiramente fora da Indústria, o espírito “indie” e “maverick” parece manifestar-se de forma clara. Mosaíco de personagem e consequentemente mosaico narrativo, não pela
montagem, mas pela presença física. O suposto herói do filme, que no início parte em procura de respostas, desaparece ao fim de uma hora, os “mártires” são explorados pela superfície e o climax chega apenas formalmente. Não chega a existir o confronto físico entre bem e mal, entre o herói e o vilão, entre a verdade e a mentira, entre os explorados e exploradores. É iminentemente um filme descritivo, possivelmente dir-se-á documental, mas não de forma correcta, é uma opinião, é um complexo ponto de vista e completamente político, não unicamente sobre cadeias de fast-food, mas também de gestão política, abrindo espaço para uma reflexão sobre as leis de fronteira, leis de emprego e um pequeno piscar de olho aos atentados terroristas e ao medo vivido na América actual.

É um filme sem encanto, frio e cruel, que quando parece respirar alguma energia e esperança, num dos momentos mais geniais do filme, um grupo de jovens manifesta-se e tenta criar um futuro à sua imagem, mas apercebem-se e vêm retratado nos animais a apatia do mundo actual, todos estamos mal, mas nada fazemos para mudar e quem luta contra isso nunca é correspondido. É também cruel porque não procura solução, mas manifesta-as, mas existe sinal mais cruel que o confronto final, entre a cultura Mexicana que procura na cultura Americana uma vida melhor e a primeira manifestação é a Fast-Food, entramos no ciclo sem fim, na clara globalização.

Não é, nem poderá ser uma obra-prima, não é nem o quer ser, mas se o cinema não tiver esta coragem, também não vale a pena continuar. Corajoso e arrujado formalmente e anti-narratividade concreta, Linklater parece correr no caminho do experimentalismo formal que se vinha manifestando, resta esperar pela estreia de “A Scanner Darkly” (estreia que só deve acontecer... directamente para DVD), das quais as primeiras imagens são a prova concreta que Linklater é dos grandes realizadores éticos do seu cinema, forma e narrativa de mão dada.

2007-01-03T19:58:00.000+01:00

Os Melhores de 2006

Fim do Ano Cinematográfico, é agora época das famosas e subjectivas listas de preferências.
Sem qualquer ordem específica seguem os 15 títulos do Ano.

“O Segredo de Brokeback Mountain” de Ang Lee

A simplicidade narrativa e tecnica, aliada a uma componente dramática e sensível pouco comum no cinema Americano. Reminiscente do Western, consegue atingir um romantismo, muito para além do lirísmo ou poesia.
Magníficas interpretações, banda sonora sublime e uma direcção de fotografia que se desdobra pela narrativa, são os alicerces da Obra de Ang Lee, longe da exuberância gramática e poética de “O Tigre e o Dragão”, acaba por esconder por detrás daquilo a que muitos chamaram o “Western Gay” (nem seria o primeiro na história), está um filme brilhante.

“Boa Noite, e Boa Sorte” de George Clooney

George Clooney já havia provado em “Confissões de uma Mmente Perigosa” que dominava por completo a linguagem cinematográfica, que visualmente sabia explorar e desenrolar assuntos complexos, agora a sua mais recente obra é um filme refinado, visualmente e narrativamente, mas que acima de tudo respira para fora do ecran, é uma alerta para a sociedade, e é um documento dramatizado de uma época polémica e marcante da América e consequentemente do mundo.
O magnífico trabalho espacial e sonoro, transformam-no numa das mais estimulantes experiências vividas neste ano.

“A Criança” de Luc e Jean-Pierre Dardenne

Os irmãos Dardenne mantêm-se fieis a si mesmos. Longe das ilusões e sensasionalismo do cinema e da televisão actual, continuam a observar e a absorver o quotidiano que nos envolve. É a exploração do real? Exploração não será, será antes a observação do real pelo cinema. É o acompanhamento da personagem central, de forma fria e crua, quase documental, quase rudimentar e é aqui que nasce a força do olhar, a pureza e frieza dos acontecimentos, é acima de tudo o enfrentar de um jovem com uma condição paternal para a qual não está preparado. Assim como “A Criança” é um filme, não parado no tempo, mas à frente no tempo, que não tem “armas estilísticas” para enfrentar a condição “humana” o cinema actual.

“O Novo Mundo” de Terence Mallick

É o poema dos elementos, que constroem um novo mundo, idílico ou não, na verdade é uma experiência sensorial e nisso não existirá a minima dúvida. Narrativa do lado Inglês, linguagem sensorial do lado nativo, “The New World” é também um olhar filosófico sobre a incomunicabilidade, sobre a imposição de um ser humano em relação a outro, é a rejeição da diferença. Mas isto não é o que interessa, explorando por dentro e por fora os canones do cinema clássico, Mallick explode numa visão ainda mais lírica do que havia feito dem “Thin Red Line”. Arrisco em afirmar que o que “Thin Red Line” (sendo também uma obra magnífica”) tinha em palavras, “The New World” tem em jogo corporal, em movimentos, em espaços e cheiros.
É a grande e monumental obra de Mallick, um Museu, onde os quadros pintados juntamento com o director de fotografia, Emmanuel Lubezki, são mais do que meras imagens, são força visual bruta, explorando as características da película de 65mm.
Antes de Obra-prima será uma obra de arte.

“Miami Vice” de Michael Mann

A dualidade do cinema de Mann vem a acentuar-se de forma dramática. Em HEAT, Al Pacino e De Niro, em COLATERAL, Cruise e Fox, em MIAMI VICE, não é FARREL E FOX, mas sim Farrel e Gong Li. Aquela linha ténue entre o bem e o mal, tão presente na filmografia de Mann até mesmo em O INFORMADOR.
Temos agora e como já vinha sendo habitual, uma aproximação consumada com a noite, espaço físico, mas neste MIAMI VICE assim como COLATERAL é também espaço psicológico acima de tudo.
Temos também a exploração tecnológica, do vídeo digital de Alta-Definição (HDV), que não é mais barata nem mais fácil, como anunciam muitas vozes mercantis por todo mundo, mas sim é um instrumentos diferente, quase como pintar um fresco e pintar a carvão.
MIAMI VICE não é uma adaptação é uma reformulação a uma América negra e actual e é acima de tudo uma obra de um explendor visual, estranho, impressionista, mas muito realista.

“A Senhora da Água” de M. Night Shyamalan

Todos acreditam em Story. É a crença na narrativa que levaram Shyamalan a enfrentar estúdios e produtoras para conseguir concluir a sua mais recente e bela fábula. Longe da narrativa convencional e muito longe do “alegado” twist que todos tentavam colar como imagem de marca a Shyamalan, o realizador consegue com a sua “A SENHORA DA ÁGUA”, fazer um filme sumula de toda a sua filmografia e ainda abre portas sobre o seu futuro. Prepotência ou ingenuidade. Eu digo ingenuidade, como acto puro de concretização, com tudo de bom o que isso pode dizer, e afinal não é a ingenuidade narrativa e das próprias personagens que têm surpreendido o público? Mas agora a ingenuidade está do lado unicamente do publico e não das personagens, são ingénuas porque acreditam numa ninfa que vem de uma mundo paralelo alujadn piscina e se chama “história”, ou seremos nós publico que somos ingénuos porque não nos acreditamos numa história?
Uma palavra ainda para a direcção artística, a direcção de fotografia de Cristopher Doyle e para a capacidade icónica de Shyamalan, que naquele majestoso condomínio constroi um COOK BOOK, uma mistura sociológica, diferenciada, mas com muito em comum.

“Uma Família à Beira de Um Ataque de Nervos” de Jonathan Dayton, Valerie Faris

Road Movie, Western pouco aqui importa, a comédia mais requintada e humanizada do ano. Uma família qual caravana a atravessar o “West” Americano, parte na descoberta de tudo o de mau que se avisinha e termina no que de melhor nos tem para dar.
Uma palavra ainda para o Elenco mais brilhante do ano, dos mais pequenos ao mais graudos, tudo se conjuga de forma brilhante.
Palavra ainda para o casal realizador, proveniente dos video-clips, assumem-se como das mais interessantes descobertas Americanas do Ano.

“Marie Antoinette” de Sofia Coppola

Filme biográfico e auto-biográfico requintado à exaustão e experimental o quanto basta. Filmar pessoas estranhas em espaços estranhos é algo que Sofia Coppola vem confirmando na sua filmografia, neste caso, num estado depurado digno do cinema do seu pai, principalmente nos anos 70. É também um filme em que o espaço se transforma e degrada lado a lado com a personagem. “O Vigilante”???

“The Departed: Entre Inimigos” de Martin Scorsese

(o vídeo contém informções importantes sobre o desenvolvimento do filme)

O ciclo completa-se, e a América busca influencia no cinema asiático que tanto enfluenciou. Scorsese não o fecha, dá-lhe novo rumo ao atingir o auge da cadência maquinal da sua tecnica. Com interpretações brilhantes, uma montagem eminentemente psicológica, “The Departed” pode levar a Academia a premiar o esquecido mestre Americano. E apropriando-me de dois conceitos de um caro amigo (joseo), que referiu “ralenti” e “fúria” como dois movimentos na filmografia de Scorsese que se opondo de filme para filme, “The Departed” é sem dúvida alguma um filme de Fúria.

“Juventude em Marcha” de Pedro Costa

O cinema em bruto, a história do cinema em pequenos fragmentos de “realidade”. É possivelmente a obra mais fascinante do ano e também das mais incompreendidas e das mais badaladas. Pedro Costa igual a si mesmo, não académico como já li por aí algures, mas também não radical, simplesmente igual a si próprio, procura atingir um cinema da pureza, lirica, real, social?
Fascinante no domínio da tecnica do vídeo digital, Pedro Costa é um nome já suficientemente Grande, Grande demais para o cinema dos portugueses, assim como Oliveira e César Monteiro e porque não Teresa Villaverde.

“Transe” de Teresa Villaverde

O ensaio da Identidade e da memória. Uma fabulosa Ana Moreira, encarna até aos ossos uma mulher de lado nenhum e de todo o lado. Abrigado no realismo do tráfico europeu de mulheres, Teresa Villaverde explora o lado onírico da psicologia humana. Praticamente psicanalítico “Transe” é uma das experiências extremas do cinema moderno Português.

“Match Point” de Woody Allen

É o regresso de Woody Allen, longe de Nova York, sem os sons do jazz, Allen constrói a sua tragédia grega, uma Ópera Clássica. Narrativamente perfeito, como já é habitual, mas formalmente intrigante e lírico.

“O Espelho Mágico” de Manoel de Oliveira

Como mais ninguém filma, Manoel de Oliveira lança um olhar sobre o sagrado, uma experiência agoniante, lado a lado com uma sublime Leonor Silveira. Satírico e ao mesmo tempo cruamente puro, “O Espelho Mágico” é a manifestação de um milagre.

“História de Violência” de David Cronenberg

Algures entre o medo e a luta pela sobrevivência, caminha Cronenberg. O homem desfragmentado como ao longo da sua filmografia, o mundo adulterado. Tragicamente violento embora pulsionalmente contido, explora a resistência das suas personagens e de uma audiência paralisada no mundo do Blockbuster.

“Em Paris” de Christophe Honoré

A frescura do cinema francês, a clara mostra que do passado se constroi o cinema do presente e se criam as bases do cinema do Futuro. Novelle Vagueano sem dúvida, Pop, porque não? De Rivette a Demy e de Truffaut a Eustache, “Dans Paris” é um road movie a pé e ao telefone, magistralmente dirigido pelo olhar nostálgico de Honoré sobre a Paris Cinematográfica e uma dupla de jovens actores brilhante, Romain Duris e Louis Garrel

Manuel Pinto Barros

2006-12-31T15:07:00.000+01:00

A todos um EXCELENTE 2007

O velho ano já lá vai, aí vem um novo para melhorar o que antes se passou.
Desejo que a economia melhore, espero que nos deixemos de fascismos, quero ter orgulho nas pessoas que dão a cara pelo nosso Portugal, espero melhor futuro e condições de emprego, quero que se deixem de vedetismos e novos riquismos, espero Paz e consciência governamental, quero Alegria e tranquilidade para fazer o que gosto.

Já agora quero ver o novo filme de Manoel de Oliveira, e já agora espero que tenha sucesso.

BOM ANO

2006-12-29T00:39:00.000+01:00

“BABEL” de Alejandro Gonzalez Inarritu

Perdidos em Fragmentos pré-concebidos de Mundo.

“...o cinema possui a especificidade de retratar como nenhum outro média a realidade física. Todos os seus recursos (como, por exemplo a montagem), devem ser usados de modo a fazer fluir no écran a materialidade das coisas, na sua indecibilidade, contingência e complexidade.”

“theory of film, the redemption of physical reality”

Princeton, New Jersey: Princeton University Press,1997

Poderiamos colocar “Babel” lado a lado com a citação acima transcrita, e poderá parecer que tudo bate certo, desde a referência à montagem, a unica especificidade particular do cinema, desde a realidade, desde a referência aos restantes “média”, ao valor obtido através de uma série de observações, desde a possibilidade do imprevisível, até que chocamos na complexidade, a qualidade do que é complexo.

Mas o que é “complexo” afinal?
Utilizado como adjectivo será o “que abrange ou encerra muitos elementos ou partes”, utilizado como substântivo poderá ser “circunstâncias ou actos que têm entre si qualquer ligação ou relação” e utilizado segundo a psicanálise será segundo Freud “o conjunto de representações de forte carga emotiva que se encontram reprimidas no inconsciente do indivíduo e que influenciam a sua vida afectiva”. Tudo parece bater realmente certo com “Babel”, mas também bate certo com “The New World” de Terence Mallick, mas uma ou outra diferença.

Inarritu explora uma narrativa universal, Marrocos, Estados Unidos, México, Japão, na sua actualidade, os dramas de comunicação ou a ausencia dela, os conceito e os preconceitos. E serão os preconceitos, conceito formado antecipadamente que determinam a complexidade de Babel. A complexidade de Babel limita-se ao conceito premeditado, a uma observação superficial e algo simplista de várias pessoas de várias cultura.

O que há de diferente entre mim e o resto do mundo? Tudo, não só a moda, nem a religião nem a língua, mas também a maneira de pensar, de sentir, de sofrer ou de amar. Logo o meu “poder” de observação de “Babel” e do mundo ainda mais, limitado, assim como será o de Inarritu, diremos que será sempre subjectivo assim como será a “complexidade” e a “humanidade” no/do cinema.

A complexidade narrativa de Inarritu, nasce e muito bem na montagem, mas morre na narrativa. Narrativa não enquanto argumento, mas construção apartir de imagem e sons.
De “Babel” guardo algumas interessantes reflexões sobre a comunicação global, não tanto como língua, mas como ciência e tecnologia, num momento em que duas personagens mudas comunicam por um telemóvel por vídeo-chamada. E é a ciência e não a “humanidade” que tem de ser posta em causa, é a o constante declínio do que é a religião, à completa destruição de ideias e conceitos próprios e é a ciência que cria uma completa abstração fria e negra do Homem com o Mundo. Falta a ciência, não como ausencia física de medicamentos ou presença de qualquer tipo de droga, falta um sem numero de questóes e dificuldades de comunicação, falta um sem número de realidade, um sem número de relações da realidade e da abstracção.

Mas é certo que a espaços Inarritu foge do sensassionalismo do preconceito (nada de negativo e muito subjectivo) e em que o principal surge, a relação pai-filho, ou a incomunicabilidade de duas gerações, aqui não está em causa a língua ou as crenças, mas muita ciência escondida.

Para finalizar, e voltando ao “complexo”, a construção da montagem que é complexa como adjectivo e nunca na filmografia de Inarritu talvez fosse tão bem empregue, mas enquanto realização e acto de “pôr-em-cena” o complexo de Inarritu é em grande parte exibicionista e o show-off visual e sonoro, transformam a possivel fascinante viagem è “Torre de Babel” num ciclo de repetições anacrónicas.

“Babel” será em suma, um grupo diferenciado de personagens perdidos num mundo desfragmentado, pela visão de um homem. Mas será tudo assim? Ou há ainda espaço para a reflexão? Eu acredito que existe muito para reflectir, eticamente, tecnicamente e filosoficamente.

Mas por tanto de se falar de incomunicabilidade, não será também estimulante ver o dilema da comunicação em "The New World" de Terrence Mallick? A palavra do lado dos Ingleses e a emoção e ralação com a natureza por partes dos colonos... e não será aqui o grande confronto entre ciência e Homem?

2006-12-13T23:43:00.000+01:00

Brad Pitt careca?

Assim é. Brad Pitt muda radicalmente de visual, para participar no novo projecto de David Fincher, "The Curious Case of Benjamin Button", que se encontra em rodagem. Há que lembrar que Fincher tem para estrear "Zodiac", mas só la para 2007.

Agora para quem deseja ver Brad Pitt carequinha... AQUI

Assustadas/os??? Não é que os efeitos visuais escondem cada coisa.

2006-12-13T20:29:00.000+01:00

É Déjà Vu...?

Por: Tony Scott

Por: Spike Lee

2006-12-11T23:39:00.000+01:00

“Um Ano Mais Longo” de Marco Martins

Este ano enquanto o público português andava distraído com “Filme da Treta”, Marco Martins teve o previlégio de trabalhar com um dos grandes nomes do cinema mundial, o argumentista (talvez mais poeta que propriamente argumentista) italiano Tonino Guerra, responsável por grandes obras europeias e que partilhou experiências, palavras e visões do mundo (cinema) com nomes como, Michelangelo Antonionio (em “L’Avventura”,”Blow up”, “Deserto Rosso” e alguns mais), Vittorio De Sica (em “Amanti” e “Matrimonio all’italiana”), Federico Fellini (em “Amarcord”, “Ginger e Fred” e “ E la Neve va”), Andrei Tarkovsky (em “Nostalgia”) e Theo Angelopoulos (em “To Vlemma tou Odyssea”, “Eternity” entre outros).

E o que resulta desta junção de gerações? 30 brilhantes minutos cinéfilos à exaustão. Com as devidas diferenças respira-se um pouco de “Nostalgia” (como título e como sentimento), o espaço é mais uma vez “actor”, tal qual como Marco Martins havia feito em “Alice”, e agora existe a nostalgia do passado, do presente e do futuro. A Lisboa actual, como espaço transformado e transformador, como elemento de fragmentação e destruição, fisica e psicologicamente.

Novamente um personagem masculino, vagueia só pelas cidades de uma Lisboa estranha, ele não é daquele sítio, não parece ser aquele o seu espaço, parece regressado após longa ausencia. Novamente a personagem chama-se Mário (tal como em “Alice”), mas desta vez encontra algo, talvez não o que procura.
Mais uma vez deparamos com uma contenção narrativa e técnica que nos transportam para um filme formalmente refrescante, apoiado num sólido e destruidor under-acting de Gonçalo Waddington, “Um Ano Mais Longo” mostra-nos uma mesma Lisboa obscura, mas saindo das veias e artérias principais que percorria em “Alice” e caminhando ainda mais para o seu interior, para uma Lisboa ainda mais incognita e irreconhecível e mais uma vez sem mostrar uma identidade Lisboeta. Será que ainda existem Lisboetas?

Após estes curtos 30 minutos de deleite (apesar das más condições de exibição no Festival de Cinema Luso-Brasileiro da Feira), resta dizer que por certo Tonino Guerra não terá dado por tempo perdido a sua colaboração com o novo talento do cinema português que ao que tudo indica irá resultar num novo trabalho, neste caso no formato de longa metragem. O previlégio foi de ambos e ainda bem para nós.

Resta-me pedir encarecidamente que esta “curta-metragem” (bela obra cinematográfica), não caia no esquecimento a ganhar pó numa gaveta qualquer como tantas outras que por aí passam.

2006-12-06T23:05:00.000+01:00

Festival Internacional de Cinema de Arouca

VENCEDORES

Melhor Filme – Lousa de Ouro
Almas Congeladas
Realização: Joana Macias
País: Espanha

2ª melhor filme – Lousa de Prata
Wolf
Realização: Juraj Kubinec
País: Eslováquia

Melhor filme Ficção
37ºC
Realização: Tâmara Sulamanidze
País: Geórgia

Melhor Filme Animação
História da Borracha
Realização: Éric Blésin
País: Bélgica

Melhor Filme Documentário
Estados da matéria
Realização: Susana Nobre
País: Portugal

Melhor Filme Experimental
Lugar Comum
Realização: Verónica da Costa
País: Portugal

Melhor Realização
As Febras de Jesus
Realização: Pedro Manuel Dias
País: Portugal

Melhor Argumento
Sideway
Realização: Tomas Janco
País: Eslováquia

Melhor Fotografia
Mau Dia
Realização: Sanguenail
País: Portugal

Melhor Montagem
Detail
Realização: Ana Maria Carneiro
País: Portugal

Melhor Som
Deu no Jornal
Realização: Yanko Del Pino
País: Brasil

Melhor Representação
Actriz principal do filme Serei o teu espelho
Realização. Pedro Rocha Nogueira
País: Portugal

Melhor Filme Nacional
Estados da Matéria

Melhor Filme Internacional
No Buraco
Realização: David Martin de Los Santos
País: Espanha

Menção Honrosa
A Flor da Tela
Realização: Cinema de Poesia
País: Brasil

II Menção Honrosa
Caixa Postal
Realização: Vanderley Timóteo
País: Brasil

Prémios do Público

1º Melhor Filme
37ºC (Geórgia)

2º Melhor Filme
No Buraco (Espanha)

2006-11-27T23:45:00.000+01:00

Programação Festival Internacional de Cinema de Arouca

Cine - Estúdio BVA - 01 – 02 – 03 Dezembro 2006
AROUCAFILMFESTIVAL
4º FESTIVAL INTERNACIONAL CINEMA DE AROUCA

A 4ª edição do aroucafilmfestival – Festival Internacional Cinema de Arouca, realiza-se, no Cine - Estúdio dos Bombeiros Voluntários de Arouca, nos dias 01, 02 e 03 Dezembro de 2006. O júri de selecção do evento seleccionou 36 extraordinárias obras cinematográficas nacionais e internacionais. A atribuição dos prémios será da responsabilidade de um júri composto por sete mestres.

Sexta-feira, 01

ABERTURA 21h30
PEREGRINAÇÃO – Jaime Ribeiro – 25m
AROUCA PORTO: O FILME – João Rita - 18m

Convívio com realizadores, júris e convidados + porto de honra

Sábado, 02

Visita Turística Guiada por Arouca 14h30

COMPETIÇÃO I 21h30

A FLOR DA TELA – Cinema de Poesia – BRASIL – 7m
CAMBIO – Vanderley Timóteo – BRASIL – 4m
ESTADOS DA MATÉRIA – Susana Nobre – PORTUGAL – 14m
Ph 25 A – Ricardo Freitas – Portugal – 2m
VAMOS CANTAR – Carlos Cruz e Vítor Lopes – PORTUGAL – 2m
HISTÓRIAS A PASSO DE CÁGADO – Artur Correia – 2m
THE PLAY – Cinema de Poesia – BRASIL – 3m
WOLF – Juraj Kubinec – ESLOVÁQUIA – 4m
DEU NO JORNAL – Yanko Del Pino - BRASIL – 3m
PARA CHEGAR ATÉ Á LUA – Split Filmes – BRASIL – 10m
DESISTE – Hernâni D. Maria e Pedro Luz – PORTUGAL – 5.24´´m

Intervalo

AS FEBRAS DE JESUS – Pedro Manuel Dias – PORTUGAL – 13m
Á MÃO ARMADA – Vanderley Timóteo –BRASIL – 6m
LE BVISER - O BEIJO – Stefan Le Lay – FRANÇA – 5m
DETAIL – Ana Maria Carneiro – PORTUGAL – 2m
EN EL HOYO – NO BURACO – David Martin de Los Ssntos – ESPANHA – 24m
O CARRO – Cinema de Poesia – BRASIL – 2.31´´m
BOKOVKA – SIDEWAY – Tomas Janco – ESLOVAQUIA – 28m
SEREI O TEU ESPELHO – Pedro Rocha Nogueira – PORTUGAL – 13m

Domingo, 03

COMPETIÇÃO II 14h00

LUGAR COMUM – Verónica da Costa – PORTUGAL – 10m AS FADAS DAS GALINHAS – João Rei Lima – PORTUGAL – 2m
JE SUIS JEAN COCTEAU – Cinema de Poesia – BRASIL – 10m
MAIS UM ENCONTRO DE FAMÍLIA – Filipe Peres Calheiro – BRASIL – 15m
QUERO QUE VOLTS (ANIMADO) – João Rei Lima – PORTUGAL – 3m
BÉBÉ CHORÃO – Carla Santos – PORTUGAL – 3.30´´m
HISTÓRIA DA BORRACHA – Éric Blésin – BÉLGICA – 15m
O MAGO – Cinema de Poesia – BRASIL – 3m
A RELIGIOSA 2 – Clídio Nóbio – PORTUGAL – 2m
MAU DIA - Sanguenail – PORTUGAL – 19m
MACACOS ME MORDAM – Lumiô Filmes – BRASIL – 19m
Intervalo
PRÍSERA – MONSTRO – Michaela Ostadalova – ESLOVAQUIA – 5m
O SEGREDO – Luís António Pereira – BRASIL – 18m
CAIXA POSTAL – Vanderley Timóteo – BRASIL – 9m
ALMAS CONGELADAS – Joana Macias – ESPANHA – 14m
BERÇO DE PEDRA – Nuno Rocha – PORTUGAL – 28m
AMÉLIO O HOMEM DE VERDADE –Luís António Pereira – BRASIL – 14m
37 C – Tamara Sulamanidze - GEORGIA

PROJECÇÂO CINEMA Super 8mm 18h15

EXIBIÇÃO DA CURTA METRAGEM REALIZADA PELOS ALUNOS da Escola Secundária de Arouca 18h30

ENCERRAMENTO ENTREGA DE PRÉMIOS 18h40

Chamo a especial atenção para o Filme "DETAIL" de Ana Maria Carneiro, filme ligeiro, entre a narrativa ficcional e a materialização experimental de atenção especial ao pormenor e ao ritmo de montagem. Curto, breve, mas com uma ponta de perversidade e muito estilo.

Ficam algumas imagens que a realizadora não se deve importar.

2006-11-27T00:23:00.000+01:00

Poesia em Marcha...

Tivemos Camões e Pessoa, agora temos Pedro Costa.
Não é para levar à letra, mas vale à pena pensar nisto.

2006-11-21T22:30:00.000+01:00

O Adeus do Texano

E o termo "maverick" ficava-lhe tão bem.

Aos 81 anos, perdeu-se o grande realizador "clássico-moderno", Robert Altman um dos mais influentes realizador para o cinema "moderno" americano.

Perde-se o naturalismo e o ritmo dos planos intermináveis, perde-se o torbilhão psicológico do diálogo, perde-se a improvisação (naturalismo?) e perde-se um realizador que facilmente reunia um elenco de luxo sem grande esforço e perde-se um olhar carregado de sarcasmo e coragem como poucos teem.

Anti-Académico? Porque não.
Um grande realizador e um grande Homem? De Certeza.

Por muitos esquecido, por muitos mais ignorado (Falo da Academia), fica aqui o ADEUS sincero e que as marcas do seu cinema tão cedo não desaparecerão dos nosso ecrans.
Este é o Adeus do MAVERICK e assim deve ser lembrado.

A Praire Home Companion

Gosford Park

Kansas City

Prêt-à-Porter

Short Cuts

The Player

Popeye

Nashville

MASH

2006-11-05T16:40:00.000+01:00

"A sala de Cinema como Café sem mesas...."

É certo que o mercado fala mais alto, mas há comportamentos e atitudes que não se deviam tomar numa sala de cinema. Ou pelo menos eu até ontem julgava que não se poderiam ter.

Ontem fui ver "Maria Antonieta" de Sophia Coppola, não fui ver um blockbuster ou algo do género "Crank". Um quarto da sala cheia, num desses multiplex que invadem os arredores da cidade do Porto.
Aceito que se vendam pipocas e se comam as mesmas, mas sem fazer barulho ou cuspir o milho. Não foi esse o caso, antes todas as pessoas tivessem os carríssimos pacotes de pipocas nas mãos.
3 cadeiras ao meu lado estava sentado um "senhor", já com idade para controlar os seus instintos, que a cada acorde musical resolvia bater o pé no compasso ou fora dele, o que interessava era bater o pé. À minha frente um par de pessoas que aproveitaram o filme para pôr a conversa em dia e que freneticamente apontavam para o ecran como se pela primeira vez estivessem a ver um filme. Atrás de mim outras personagens deste mundo falava e uma voz pertinente lá ia perguntando "O que é aquilo?". Esfrega os olhos e pode ser que resulte. Pela sala 3 toque de telemóvel, um dos quais foi atendido, pela companhia do senhor "maestro", ele batia o pé e ela falava ao telemóvel.

Sim as salas são optimas, muito confortáveis e equipamento de som do melhor, projecção riscada, mas pronto. São possivelmente as mais confortaveis junto à cidade, embora eu cada vez mais diga que prefiro o ambiente de uma sala da Medeia no Cidade do Porto, ao conforto e pipocas e barulhos dos multiplex.

Onde está a magia da sala de cinema, onde está o respeito pelo trabalho dos outros, onde está o respeito pelo conforto dos outros? Ontem vi uma sala de cinema como um qualquer café, já se come (pipocas, cachorros, etc), já se bebe (cerveja, coca-cola, etc), já se bate o pé ao ouvir as muscicas que acompanham o filme projectado na "grande televisão", já se fala à vontade, já se atende o telemóvel.... já so falta o garçon e um cigarrinho para acalmar.

Ah! E quanto ao filme, que é o mais importante, fiquei satisfeito com Sophia Coppola.

2006-10-23T23:09:00.000+01:00

Todos acreditam em (STORY) histórias.

Todos acreditam na história. Assim se poderia resumir a nova obra de M. Night Shyamalan. Ora vejamos, a personagem “central” é uma ninfa, que surge na piscina de um complexo de apartamentos, e o seu nome é Story (História). Apartir desse momento todos acreditam na missão da ninfa, todos a ajudam, todos se unem e ninguém questiona a, “Story”, história.

Vejamos, um ser de outro mundo aparece, naquele micro-cosmos de Universalidade, e ninguém se atreve a questionar, o quê, porquê e para quê, limitam-se a acreditar naquela história, como se de crianças se tratem? Ou melhor como humanos. Não haverá acto mais claro de humanidade do que ajudar alguém que visivelmente necessita da nossa ajuda, sem questionar o porque... e ainda mais quando é uma história. Quantos de nós questionou a história dos nossos pais e avós?

Assim como as suas personagens, Shyamalan acredita na sua história (ou não fosse ele também uma das personagens), acredita e transforma a narrativa como o cerne de todo o seu filme, de todo o seu Universo. Se em tempos se resumia Shyamalan a “um TWIST”, agora o trabalho de resumo está mais complicado, se já não estava em “Sinais” e principalmente em “A Vila”.
E porque acredita Shyamalan na sua “Story”? Porque é ele que a conta e é ele que é narrado, porque para além de um retrato da sua filmografia é um retrato do próprio Shyamalan e até, num acto “pretencioso” longe da ingenuidade característica, Shyamalan projecta o futuro, de forma figurada, mas mesmo assim muito perto daquilo que poderia acontecer e que após a estreia de “Lady in the Water” tem vindo a acontecer.

Podiamos desde logo referir a personagem do crítico de cinema, mas se recordar-mos o diálogo entre Vick Ran (Shyamalan) e Story, na casa de banho, será fácil perceber as questões em relação ao futuro do autor e claramente aquilo que ele sente a todo o mundo que o circula. Vejamos:

"A boy, in the midwest of this land, will grow up in a home where your book will be on the shelf and spoken of often. He will grow up with these ideas in his head. He will grow into a great orator. He will speak and his words will be heard throughout this land and throughout the world. This boy will become leader of this country and begin a movement of great change. He will speak of you and your words and your book will be the seeds of many of his great thoughts. They will be the seeds of change."

A ninfa (Bryce Dallas Howard) dirige-se desta forma a Vick Ran (Shyamalan), e nada poderia ser mais curioso. Como a sua personagem Shyamalan não vê a sua obra reconhecida, mas acaba por inspirar alguém, a mudança está próxima. E assim será, se deus quiser, “Lady in the Water” estará escondido numa prateleira qualquer, devido às críticas de uma América fechada no mercantismo, mas um dia alguém se inspirará neste filme e os modelos narrativos rígidos serão postos em causa.

Shyamalan inspirará alguém, como foi inspirado pelo universo de Hitchcock e Spielberg... existem dúvidas?

2006-10-16T22:35:00.000+01:00

Treta como fenómeno cultural?!?

Não é surpresa para ninguém, "FILME DA TRETA" é o filme português mais visto no fim-de-semana de estreia, digno de notícia no Jornal da Noite da SIC, em típica notícia e contagem de Box-office à Americana.

"Zezé, depois de ter uma “visão apocalíptica” durante um espectáculo numa cabine de um Peep-Show, resolve entrar para a Ordem dos Caracolários Descalços. Tóni vai visitar Zezé que está em clausura num mosteiro. O reencontro dos velhos amigos vai fazê-los recuar no tempo e reviver as aventuras e situações cómicas que levaram Zezé a abdicar de todos os bens materiais e entrar neste retiro espiritual."

Valha-me Deus.
Esta é a sinopse deste fenomeno teatral, pos-teatral televisivo, pós teatral/televisivo/narrativo, pos-teatral/televisivo/narrativo cinematográfico (?). Resumindo um tremendo golpe de marketing que serve para alguns mamões que depois de espalharem o seu nome na mediocridade se escondem agora atrás de nomes menos visiveis e vão aproveitando para encher os bolsos e depois ainda se queixam.
O que é certo é que estamos numa crise cultural e consequentemente de identidade, não reconhecemos o país transformador de "98 Octanas", não queremos ou não sabemos ver a Europa de "sonho" de "Transe", ou pior, nem a história ou a pureza da nossa língua pelas mãos de Oliveira conseguimos ver, mas talvez mais estranho a não identificação do mundo que é o Portugal não ilusório de Pedro Costa.
Não sei se é melhor ou pior, se que é preciso existir cinema excremencial para existir o NOSSO cinema, sei que é preciso chamar publico português às salas, mas assim não resulta e vamos a continuar a ver um filme por ano a ter uma audiencia respeitável mesmo sem ser um filme respeitável, ou melhor por vezes sem ser um filme.
O problema deste país são os marcenários que existem por essas escolas foras, que anunciam sempre que têm hipótese que "procuram lutar contra o que é normal no cinema português" e depois tudo é contra, tudo é para fazer dinheiro e nada é para o público.
Não retiro mérito aos dois actores, retiro mérito a quem tem a ideia fantástica de transformar tudo em um produto de marketing.
E não não é só em Portugal, este método é utilizado também em França, só que França ainda que em dificuldades Pos-Bresson, ainda consegue manter uma pequena identidade. Nós nem a mínima.
E para aqueles que dizem que o publico português está de costas viradas com o cinema Nacional, parem de atirar areia para os olhos das pessoas, o discurso já cansa, e digam-me de uma vez por todas quando é que o publico português esteve de mãos dadas com o cinema Nacional???? No tempo da Ditadura??? Que optima resposta e que belo exemplo.... pois é ja estivemos mais longe.

É por TRETAS como estas que Teresa Villaverde já deve estar de malas feitas para trabalhar no estrangeiro! O patriotismo não dura para sempre, Manoel de Oliveira cá vai continuar a lutar pela pureza do seu cinema, e espero que Pedro Costa continue a colocar pedrinhas nas botas de muitos Intelectuais do Marketing e graças a Deus, João Pedro Rodrigues continua em activo.

Não, não sou conservador, não, não sou um amargurado, não, não sou um frustrado, sou apenas um gajo farto de tretas de X e Y, que com as mãos nos bolsos se vão rindo e gozando com a cara de cada um de nós.

2006-10-09T20:26:00.000+01:00

«TERRÍVEL PALAVRA É UM NON...» Padre António Vieria

"Terrível palavra é um NON, não tem direito nem avesso, por qualquer lado que a tomeis, sempre soa e diz o mesmo, lido do princípio para o fim ou do fim para o princípio, sempre é NON."

Filosofia dizem os mais críticos e os perguiçosos. Visão crítica e pessoal sobre uma história enraizada no Mundo, digo eu.
Comentário político dizem uns. Pureza de sentidos, digo eu.

Assim é “Non, ou a vã glória de mandar” de Manoel de Oliveira , pensamento sobre a nossa história “derrotista” à qual o 25 de Abril deveria por termo. Assim não aconteceu, mas a Utopia de Oliveira fica, marca e é actual. E afinal de contas, Utopia? Não é isso o 5º Império.
Para os mais cepticos, para aqueles que dizem que Manoel de Oliveira é “parado” e que apenas viram 5 minutos de um filme qualquer, fica a noção, Manoel de Oliveira é um nome que se estende para além da História do Cinema, estende-se por entre campos verdejantes e pelo sangue derramado na nossa história.
Haverá gesto mais patriótico que ser “odiado” no seu país e continuar a defendê-lo fora das suas fronteiras? Vã glória esta, não?

2006-10-06T19:51:00.000+01:00

Ilusões, Aparências e Mistério.

Sem me alongar demais, sem um novo visionamento ficam as primeiras marcas: ilusão, aparências e mistério. Poderão ser os adjectivos que acentam que nem uma luva a "A Dália Negra" , assim como à obra em geral de DePalma. Mas estamos perante algo excessivamente denso e indigerível, algo incomportável e ao mesmo tempo sublime.
Recuemos ao Séc. 0 (zero), o persa Manes refere-se ao universo como algo que foi criado e dominado por dois princípios opostos, o bem e o mal. Maniqueísta, assim é "A Dália Negra", onde o bem e o mal são incomportáveis, onde o "frio" e o "quente" chocam, repelem, mas nunca se anulam. É o jogo de aparências.
Os factos, a utopia, a procura da impressão da realidade, os sentidos e a inteligência. É o jogo de Ilusões.
O culto, a técnica, a cautela, o enigma, o dogma. É o jogo de Mistérios.

Gelo, Fogo e Fumo??? Poderiamos caminhar por aqui até encontrar o tortuoso caminho que é falar de "A Dália Negra".

2006-10-06T18:19:00.000+01:00

“Volver” de Pedro Almodóvar

Pedro Almodóvar será uma marca de cinema europeu pelo mundo mas em especial pela América. Mas onde está o irreverente cinema Europeu? Onde está o engenhoso, irreverente e por vezes escandaloso Almodóvar?
O cinema de Almodóvar reduz-se agora a uma formula simples, ou seja estilo e unicamente estilo. Estilo esse desgastante e gasto por si só, satira social, humor irreverente e melodrama, tudo isto estilhaçado ao longo de largos minutos e apenas resultando a espaços.

Mas há algo que Almodóvar controla na perfeição é todo aquele estilo quase “Kitsch”, a que podemos chamar caricatural, o exagero, a não identificação mas a impressão, a ilusão, a dissimulação de uma teia narrativa inconsequente, proveniente de um autor (mérito questionável) que domina e explora o seu cinema à exaustão.

E “Volver” resumir-se-á a um mero e interessante “Penélope Cruz show”, que salva e a larga escala o filme de uma mera máscara carnavalesca e melodramática de uma complexa trama familiar tratada com excessiva leviandade.

Manuel Pinto Barros

apartir de hoje este espaço deixa de contar com a limitada e muito injusta nota de 0 a 10. Fiquemos apenas pelas palavras e pensamentos.

2006-10-04T21:11:00.000+01:00

Apartir de hoje...

... há mais um espaço cinematográfico naquilo a que chamam "blogosfera".
Da autoria de José Miguel Oliveira, que contribuia a espaços com textos para o Rollcamera, agora e finalmente, terá um espaço onde colocará de forma livre os seus pensamentos e conhecimentos sobre cinema, que não são poucos e acima de tudo são concerteza um espaço em que o cinema será exposto como merece, de forma clara e directa.
Conhecendo o autor, resta-me dizer que é um cinéfilo compulsivo, com tudo de bom que a expressão tem, e leia-se cinéfilo compulsivo também como devorador de história do cinema, e logo uma grande fonte de conhecimento.
Fica aqui o novo espaço em que todo o debate terá algo de construtivo.
Eu vou lá estar

http://last-picture-show.blogspot.com

2006-10-04T15:23:00.000+01:00

“Little Miss Sunshine” de Jonathan Dayton & Valerie Faris

Uns grande olhos azuis enchem a tela, os olhos aquilo que dizemos ser o espelho da alma. Nos grandes óculos em fente ao olhos da doce menina, são reflectidas as imagens da televisão, um concurso de Miss que a menina analisa aprofundadamente. Assim não é apenas um reflexo, é uma projecção da alma, um sonho que pretende cumprir e que giará a sua família numa união de esforços para a concretização final de um sonho, tudo revelado de forma simplista, assim como será todo o filme. Mas vejamos simplista como aparência, mas denso e extravagante no interior.

Estreado em Sundance, “berço real” do cinema independente americano, tembé o independente poderia ser colocado entre aspas, já que “independente”, embora não seja um género de cinema como muitas vezes se diz, é uma questão de estilo e também não é literalmente independente, é o que é, cinema, e muitas vezes do melhor que a América nos oferece.

Mas voltando ao nucleo do filme, o que temos nós a final, uma comédia recheada de cinismo, um olhar funcional sobre uma família disfuncional, um road-movie re-inventado, uma viagem de descoberta, um dogma entre perdedores e vencedores, resumindo e talvez de forma simplista, uma viagem de diferenças que nos reune numa igualdadade.

Simplista será falar das personagens, possivelmente a mais brilhante construção de personagens do ano, cada uma com os seus defeitos e com muitas poucas virtudes aparente, mas é a parte que faz o todo e nem sempre tudo é mau como parece. Greg Kinnear, Toni Collette, Steve Carell, Abigail Breslin, Paul Dano, Alan Arkin, são os actors que dão vida às personagens, dificilmente se destecará algum, será mesmo injusto destacar algum, será mesmo difícil nos próximos tempos afastar o nome das personagens, e sim é verdade Steve Carrel não é o “Virgem de 40 anos”.

Para terminar, para não quebrar a magia daqueles que pretendem ver o filme na “big dark room”, resta-me dizer que estamos perante um dos filmes mais interessantes do ano, um filme divertido, mas contido, amargorado mas com esperança, ingénuo mas complexo e acima de tudo infantil mas com muito de adulto.

Little Miss Sunshine” é o nome que passará meio perdido pelas salas portuguesas sem que mereça tal coisa, assim como não merece o título em português, mas isto é apenas um desabafo.

NeTo – 9/10

2006-09-29T02:58:00.000+01:00

E o nosso candidato é...

..."Alice" de Marco Martins.
Não será surpresa nenhuma a "decisão" do ICAM ao propor "Alice" de Marco Martins como candidato nacional aos Oscares da Academia Americana.
Um juri composto por, José Pedro Ribeiro (Presidente da Direcção do ICAM), Alberto Seixas Santos (representante da Associação Portuguesa de Realizadores), José Carlos de Oliveira (representante da Associação de Realizadores de Cinema e Audiovisual), Gonçalo Galvão Teles (representante da Associação Portuguesa de Argumentistas e Dramaturgos), José Mazeda (representante da Associação de Produtores de Cinema), José Antunes João, Pedro Ribeiro, Rita Durão e Rui Pedro Tendinha, decidiu e a meu ver correctamente pela obra de Marco Martins, um filme que conquistou a crítica e em especial o público português.
Com a conquista de enumeros prémios entre os quais o Regard Jeune em Cannes, acredito que "Alice" de Marco Martins, possa ser um digno representante nesta campanha a caminho dos Oscars e porque não ser o primeiro representante na noite mágica de Hollywood... afinal sonhar não custa.
Se há dois anos atrás "O Delfim" foi um forte candidato, este ano "Alice" será ainda mais forte, embora com toda a certeza um dos 5 lugares a Melhor Filme de Língua não Inglesa, já esteja de antemão ocupado por "Volver" de Almodovar, que só por um golpe de teatro estará de fora.

Mas como referi anteriormente, se a escolha de "Alice" não é surpresa, da lista de filmes estreados entre 1 de Outubro de 2005 e 30 de Setembro de 2006 (todos eles poderiam ser seleccionados) encontravam-se, "O Crime do Padre Amaro" de Carlos Coelho da Silva, "Lavado em Lágrimas" de Rosa Coutinho Cabral, "Manô" de George Felner, "O Fatalista" de João Botelho, "Odete" de João Pedro Rodrigues, "Coisa Ruim" de Tiago Guedes e Frederico Serra "Espelho Mágico" de Manoel de Oliveira, "Vanitas" de Paulo Rocha, "Pele" de Fernando Vendrell e "98 Octanas" de Fernando Lopes.

Alguns destes nomes estariam automaticamente fora da decisão, sendo que apenas 3 ou 4 mereceram alguma atenção, Manoel de Oliveira tudo indica que terá a sua candidatura com o próximo "Belle Toujours", "O Fatalista" de João Botelho é um belo filme mas não alcança a plenitude de "Alice" e neste leque a minha duvida, antes da decisão, apenas se mantinha entre a "dupla feminina", "ALICE" e "ODETE" de João Pedro Rodrigues, mas a temática e a relação obra/publico e crítica terão decidido.

Assim resta aguardar pela decisão da Academia.

Fica ainda o apontamento, 11 filmes portugueses estreados em 12 meses... este numero já foi menor, mas o caminho será por aí, aumentando o numero de filmes portugueses na sala e criar uma ligação mais consistente com o publico.

2006-09-28T00:53:00.000+01:00

"World Trade Center" de Oliver Stone (2006)

por: José Miguel Oliveira

Pode-se, á entrada ou á saída, do filme de Oliver Stone ter-se, em princípio, uma de duas atitudes.
Pode-se, á entrada ou á saída, do filme de Oliver Stone ter-se, em princípio, uma de duas atitudes.
A primeira é ver-se o filme em relação com a restante obra de Stone.
A segunda é olhar para ele como “só um filme”, justamente um filme, experiência que se pretende de catarse e necessária, e que teria de acontecer mais ano menos ano.
No caso de se escolher a primeira atitude muito dificilmente alguém se demarcará de ideais políticos, prós ou anti americanismos, do lado de Stone ou contra Stone.
Durante o visionamento haverá com certeza o “raccord” mental dos gestos iconoclastas e provocatórios que o cineasta americano tantas vezes praticou: a militância “louca” da personagem de Tom Cruise em Nascido a 4 de Julho, a monumental teia de conspiração erguida em JFK, a ultra violência de Assassinos Natos.

Poder-se-á, e o próprio Stone têm confirmado esta hipótese, reconhecer que o cineasta mudou, de ideais, de atitude, de vida, que escolheu opor a provocação e a desmontagem a um cinema pacificado, reconciliado com a dor da sua América, trabalhar num humanismo clássico que sempre fez parte da história de Hollywood, de Ford a Spielberg por exemplo.
E aqui teremos que ver o filme, por assim dizer, do lado do cinema, de um modo de fazer que se quer justo e emocionante.
E se quisermos por tudo isto de lado, assistir então ao filme como uma peça que teria obrigatoriamente de ser produzida, uma peça que soubesse lidar com o maior acontecimento do presente puro ainda.

Neste caso estamos também do lado do cinema obviamente, e com tudo o que ele pode despoletar em termos humanistas, sociológicos, na sua condição de arte maior.
Em todos os casos existe ainda uma obra na carreira de Stone que poderemos considerar singular e rimável em certa medida com WTC, os Bravos do Plutão com que Stone quis fazer a sua propina catarse e a de uma América em relação ao Vietname.
Desde logo Stone teria que ter em conta uma série de questões fulcrais para resgatar o seu filme da banalidade e por fim da mediocridade: como escapar á monumental proliferação das imagens do lado do “real” que a televisão produziu; como escapar ás imagens-cliché do “real” e do próprio cinema; enfim, como encontrar novas imagens – emoções – num filme que se quer ficcional a partir do real.

Poderemos começar por dizer que o filme é dos mais lúcidos que alguma vez Stone realizou, formalmente “calmo” e justo, sempre resguardando uma distância integra em relação ás personagens e ao desconhecido, ás suas emoções e aos eventos puramente ficcionados.
A sequência inicial é prova cabal disso mesmo: um acordar como qualquer outro, os movimentos citadinos, a tragedia, o espanto geral.
E nesta sucessão progressiva de acontecimentos Stone consegue com uma economia de meios que muitos julgariam impossível – ficam de fora o formalismo brutal que tantas vezes pareceu descabido e imaturo, como um mestre da manipulação áudio visual a mostrar a sua singularidade – para fazer imergir ao mínimo a banalidade das imagens gastas – nesse sentido a sombra na torre é um achado – logo nos lançando para um clássico e tocante intimismo de grupo, os bombeiros, a policia, as pessoas como um todo.
Seco e desencantado até o filme atingir ao seu centro – enfim aparecerão ecos pontuais de uma maneira de fazer não totalmente revertida – os dois bombeiros e a sua luta pela sobrevivência, o paralelismo centrado na família.Ou seja: o escuro e o claro, a “noite” e o dia, (escuro-claro/claro-escuro, …) tudo envolto em tom eminentemente trágico – é uma dialéctica interessante que o filme não conseguirá suster na plenitude

E chega a ser notável a maneira como o filme tem coragem de ficar tanto tempo no escuro, na claustrofobia, testando a paciência de muita gente sedenta de puro espectaculo (“que seca” tantas vezes se ouviu na projecção do filme), o realizador não receou a falta de luz, é talvez a maior vitoria do seu filme.
Se o filme explana um conceito interessante de tratar as matérias, é em termos puramente cinematográficos que o filme não atinge grande brilhantismos, não se transcende.
Se Oliver Stone foi notável em termos de dramaturgia, e já agora em termos de montagem e de “mise en scene”, em JFK, filme em tudo contrario a WTC, o Stone provocador, sempre disposto a por o dedo na ferida estava por assim dizer no seu auge, é evidente que aqui algo se perdeu, no modo de fazer, na convicção e na paixão de segurar e de elevar uma narrativa, em termos puramente criativos, etc.
E não se trata de defender o Stone convencionado, ou seja, não existe mal algum, como é óbvio, em ser patriota, em fazer um cinema que não vá no sentido de questionar os mecanismos e atitudes politicas do seu país, mas que antes funcione como um canto de amor por uma América ferida, dos seus heroísmos e da sua capacidade de se unir e reconciliar por uma causa, é um Stone harmonizado e também ele ferido que trabalha em WTC.

E se dispensarmos todos os maniqueísmos que nos fazem querer ser necessários para seguir e nos identificarmos com uma obra, esquerda/direita, etc., como se não tivesse existido nomes como Leni Riefenstahl, como Griffith, ou como Ford ou Spielberg, mais uma vez, mesmo assim temos que conceder que é um Stone tocado pela mediania, sem grande desenvoltura nem capacidade para levar aos limites o potencial que a sua corajosa dialéctica pedia.
Isso sente-se nos diálogos entre os dois bombeiros, por demais trabalhados numa lógica demasiado reconhecível, não acreditamos naquela conversa, sobretudo, e o realizador parece também não estar seguro, daí nasce uma sensação bizarra: depois de o filme se escapar virtuosamente de muitas imagens-cliché deixa-se cair nas armadilhas de transpor para o intimismo mais cru e radical sinais desse mesmo academismo anteriormente declinado.
Falta coragem para ir ao fundo da dor, dai os diálogos demasiado reconhecíveis e dispersivos, o trabalho sobre o claro, quando estamos com as mulheres destroçadas ser tão normalizado e indistinguível, preso a numa imagem de tele-filme de puxar á lágrima, de melodrama menor – falta sentir a singularidade da tragédia.
E na coerência e justeza formal que Stone na generalidade atinge surgirão sinais antagónicos e desnecessários que abalam a poética da sua materialização – num grande achado, João Lopes considerou os fragmentos dos dois bombeiros enclausurados, de poética Bressoniana – isto aparece por exemplo no plano em que a câmara sobe sobre os fragmentos da tragedia, do intimo para o geral, laivos de desajustamento formal e de traição.

E depois existe na personagem que se faz passar por marine, que quer ajudar e que logo proclama vingança um discurso e uma caracterização que roça o ridículo, que parece sair de outro filme, tal os sinais contraditórios que ostenta e que lança para o filme, laivos de um programa e de retórica fácil que o resto do filme parece rejeitar orgulhosamente.
E é nesta flutuação, entre o conceito francamente interessante, com momentos conseguidos e sobretudo com alguma coragem e paradoxalmente não se deixar afundar nos seus abismos e de Stone não ter o brilhantismo dos grandes mestres humanistas que o filme fica como o primeiro momento interessante sobre o 11 de Setembro propriamente dito.

José Miguel Oliveira - 6/10

2006-09-25T23:53:00.000+01:00

"98 Octanas" de Fernando Lopes

"O Moderno e o Arcaico" por José Miguel Oliveira

Assistimos a 98 octanas – titulo tão dispersivo como sugestivo – e deparamo-nos com o paradoxo mais fascinante com que alguns dos grandes mestres do passado e do presente souberam lidar com inigualável mestria, a saber: a coexistência dentro de um todo filmico de algo que poderemos considerar eminentemente contemporâneo ao mesmo tempo que sentimos estar presente uma maneira de fazer inegavelmente clássica, “desusada”, anacrónica mesmo.
No ultimo Fernando Lopes a forma vem dos grandes clássicos, de Nicholas Ray por exemplo, mas claro passam por lá como fantasmas Antonioni ou Bergman e sempre o espírito rebelde e libertário da Nouvelle Vague francesa – "je m´apelle Ferdinand" dizia Belmondo a Anna Karina no “Pierrot Le Fou” de Godard, entre Rogério Samora e Carla Chambrel haverão tiradas idênticas.

E estas evidências aparentemente antagónicas não estão de modo algum separadas, não caminham num paralelo distanciado, antes cruzam-se, atropelam-se, sobrepõem-se uma á outra, como secantes que se atraem e repelam…
É o que mais impressiona por exemplo em Clint Eastwood nos últimos filmes – e não só, poderemos dizer – em que o seu classicismo “Fordiano” é rasgado por temáticas urgentes e claro contemporâneas.

O Velho e o novo, Samora e Chambrel, a forma e os temas, a conformação e a rebeldia.
Se a personagem de Samora – o “velho” – se encontra resignado pelo novo, pelo contemporâneo, espécie de alienação nascente precisamente deste nosso “novo mundo”, perdido nos novos mapas das relações e da vivência moderna, á deriva num espaço e num tempo que parece fugir-lhe e esmaga-lo, sentem-se laivos niilistas, já a personagem de Chambrel – “a nova” – é ao mesmo tempo tocada pela rebeldia da juventude, pela fome de viver, mas esconde em si um espectro de medo enraizado num passado…e por vezes estes contrários vão ser ambíguos, de fronteiras difíceis, impossíveis de delimitar e de reconhecer.

E é ora pelas estradas, pelas estações de serviço e hotéis, pelas zonas em que o tal “trânsito moderno” se desloca alucinantemente, ora pelos interiores desertos onde a população já passou que o par em fuga vai querer que algo aconteça – qualquer coisa aconteça, apetece dizer.
São todos estes movimentos – geográficos e humanos – e pulsões que fazem o filme vibrar, que o carregam de vida e de sinais proximamente assustadores.
E todo o artificial que o filme produz, a luz divina, os cenários estáticos, como nos clássicos, mesmo a dimensão policial incutida pela perseguição, tudo vai no sentido de melhor convocar o deslocamento das personagens.

E é evidente que Fernando Lopes não realiza contra os novos riquismos cinematográficos ou televisivos, não vai contra a América nem contra o dinheiro, o filme contem esta forma e este ritmo – que o lugar comum dirá lento e cansativo, mas que sem duvida caminha á velocidade da luz tal o afloramento dos sentimentos – porque só pode ser mesmo assim para o realizador, a sua visão é tão definitivamente autoral e que só a ele lhe diz respeito o trabalho sobre as matérias em questão.
Isto é evidente na cena em que Lopes aparece na pele de um falsário desconfiado e comoventemente pacificado, com a clarividência e lucidez de um “velho”, precisamente, que já nada tem a justificar ou a temer, que aceitou o seu ser, o seu cinema fluí com aquela pureza luminosa e crepuscular que só depois de muita pedra partida é possível atingir – e vem-nos ai á cabeça Eastwood mais uma vez, mas também João César Monteiro seu velho comparsa, sem duvida.

“Lá Fora” foi o filme anterior de Fernando Lopes. Neste 98 octanas já estamos quase sempre lá fora e os dois filmes funcionam como as duas faces de um mesmo tempo. Em “Lá Fora” estávamos cercados pela imponência do betão e das câmaras de vigilância, em 98 octanas já estamos a céu aberto, mas a densidade e o ar deste tempo continuam carregados e a assombrar irremediavelmente as relações.
O desespero e o pessimismo de Antonioni, o arrebatamento lírico de Nicholas Ray, mas o filme nunca se reduz a mero gesto cinéfilo ou a citação inconsequente, a liberdade e abstracção do argumento de João Lopes e de Fernando Lopes tratam de elevar o percurso a algo de essencial e necessário, espécie de roteiro pelas flutuações interiores – a viagem valeu a pena.
Têm-se dito, com a altivez de quem tudo quer saber, que o filme é completamente fechado em si mesmo, auto-indulgência artística de quem se toma por artista – mas é o filme mais livre e aberto do mundo, não vende nada a ninguém, nada impinge a ninguém e cada um compra o que quiser.

Que o filme pareça ir a lado nenhum e a todo o lado ao mesmo tempo poderá ser o mais imediato paradoxo a que a “demarche” se propõe e que o dialogo final poderá explicitar, mas no fluxo acelerado e calmo de todo o filme não será seguro termos alguma certeza.
O amor ainda pode acontecer a estes ritmos? Perguntaria o realizador, o filme não se atreverá a responder. Que alternativa? Ficarmos com estas sensações e com estas imagens que são magníficas.

por: José Miguel Oliveira

2006-09-13T20:38:00.000+01:00

Porque ser PORTUGUÊS não é só ver futebol e saber o Hino Nacional...

Estreia amanha dia 14 de Setembro, é certo que em poucas salas como é normal acontecer a um filme português, mas a nova colaboração Fernando Lopes/João Lopes (realizador/argumentista), "98 Octanas" é um road-movie onírico a relembrar os clássicos americano e vale concerteza uma passagem por uma sala escura.

http://www.clapfilmes.pt/98octanas/

2006-09-03T21:05:00.000+01:00

"United 93" de Paul Greengrass (2006)

“United 93” assumia-se como o primeiro filme a abordar directamente os acontecimentos de 11 de Setembro de 2001, era anunciado como a dramatização em tempo real do voo United 93 que foi sequestrado e se dirigia supostamente para Washington e que só com a intervenção dos passageiros foi impedido de chegar ao local pretendido acabando por se despenhar na Pensilvânia.
È certo que a ficção tende sempre a documentar algo, seja uma época, sejam costumes, sejam relações ou apenas uma história, mas sempre com uma noção dramática com algo para além do que é o objecto a “documentar”, veja-se o caso de “25th Hour” de Spike Lee, em momentos “documenta” ou regista uma realidade de Nova York após os incidentes do 11 de Setembro, facto esse que não o impede de ser uma sublime obra de ficção. Pelo contrário “United 93” é um objecto “híbrido”, não se assume como uma ficção, como uma dramatização nem se assume como documentário, embora esteja muito mais perto do segundo registo, numa espécie de docu-drama digno de qualquer investigação ou biografia da BBC ou do National Geographic.

Ou seja, se inicialmente se dizia ser uma dramatização dos ultimos momentos vividos a bordo do United 93, então que se assuma como tal e não a um registo frio e rígido unicamente com base em gravações ou relatórios. É certo que o tema está bem fresco nas memórias de todos e que a ética e a moralidade por vezes são adversários à criacção seja artística seja outra qualquer, mas neste caso Paul Greengrass queria um relato fiel, mas como poderia isso ser feito? Existia material para afirmar-se como um retrato fiel? É impossível que aquilo que vimos seja o que se viveu naquele voo, é impossível que aquilo seja uma realidade credível, é claro que Paul Greengrass e os seus argumentistas fizeram um enorme trabalho de pesquisa, mas nem tudo o que vemos estará documentado, apenas chamadas telefónicas gravadas, apenas os contactos via rádio do avião e as autoridades, e possivelmente todo o clima que envolvia todas as infrastruturas da segurança americana, assim sendo algo terá sido acrescentado, algo terá sido acelerado e nunca se poderia querer recrear uma realidade de forma tão rígida sem qualquer tipo de certeza que tal tivera acontecido.

O momento escandalo acontece junto ao final, um dos passageiros reza, é claramente católico e do outro lado um dos terroristas reza, é claramente muçulmano, o que pode argumentar Greengrass em relação a isto? Foi isto que realmente aconteceu? Claro que não há registo de que o terrorista rezou, não há registo que o terrorista telefonou para casa. Foi este um dos poucos momentos que Greengrass tentou acrescentar algo ao seu exercício de estilo frio e rude, mas acabou por errar em todos os sentidos, se era ficcional é completamente incompreensível que as duas orações sejam filmadas de igual maneira, ou não se tratasse de uma oração para viver e ser salvo e outra oração unicamente para matar. Terá sido uma questão ética de não querer tomar partidos ou não assumir claramente um ponto de vista, mas essa insegurança funciona de forma insultuosa para todos aqueles passageiros que rezavam para viver e são colocados ao mesmo nível de quem rezava para matar. É claro que tal acontecimento só ocorreu por questões religiosas e até seria um ponto interessante a explorar, mas não teria toda a lógica assumir claramente um ponto de vista? O que ali interessava eram aquelas pessoas que lutavam e rezavam pelas suas vidas, e isso é o que menos atenção nos merece, é preferível andar às voltas e reviravoltas com torres de control aéreo e a segurança nacional, do que olhar para dentro de cada uma das personagens, é preferível perder tempo na dúvida e na espera do terrorista para encontrar o melhor tempo de ataque, do que realmente olhar as personagens nos olhos e prestar-lhes a merecida homenagem. Para quem vê todos os rostos que percorrem o ecran, aquele que mais facilmente se lembrará é do líder dos terroristas.

É revoltante olhar para a ineficácia narrativa e emocional, é incompreensível a ausencia de um ponto de vista eficaz para documentar o indocumentável e é aborrecido pensar que o que Greengrass comentava como sendo um olhar sobre a sobrevivência, não passa de uma abordagem pseudo ficcional e mais documental em que por momentos só falta os comentários dos familiares ou de membros do governo.
Não há nada para além de todas as informações que nos foram dadas por qualquer canal televisivo e por incrível que pareça, são as imagens da BBC que têm maior impacto no filme de Greengrass. Isto não é o 11 de Setembro, é uma visão simplista e incrivelmente fria, para quem não se lembre a arte ainda funciona como explosão de ideias e manifestação social, o 11 de Setembro não merece obras de braços cruzados.

NeTo – 2/10

2006-09-02T04:49:00.000+01:00

Carta aberta à Medeia Filmes

Insatisfeito com os serviços prestados pela MEDEIA, decidi pedir alguns esclarecimentos, envolvendo a diferença da distribuição e condições entre Porto e Lisboa, diferença essa que não se faz sentir nos preços do KING KARD. Assim fica aqui o e-mail enviado à MEDEIA.

«Venho por este meio transmitir o meu desagrado e ao mesmo tempo tentar obter algumas respostas em relação ao serviço King Kard e ao seu actual preço.
Começo então por referir que sou portador do Cartão King Kard nº10000971 e vivo na cidade do Porto, qual o meu espanto quando recentemente vejo um pequeno "papelinho" afixado na bilheteira dos cinemas MEDEIA Cidade Do Porto, no Centro Comercial Bom Sucesso, que referia a subida da mensalidade do "serviço" de 13 euro para 15 euro. Desde já neste processo o que mais me aborreceu não foi a subida de 2 euro, mas antes a forma como a informação foi divulgada, lembro que a quando da inscrição para adquirir o King Kard, disponibilizei um sem número de dados pessoais, entre os quais a morada, o telemóvel ou o e-mail, sendo assim, penso que essa informação não deveria ser transmitida num "papelinho" na parede, mas através de uma carta, ou até de um e-mail modelo para todos os que assinavam o "serviço". Defendo esta questão não apenas por uma questão pessoal ou de interesse, mas antes como uma questão ética.

Assim sendo agora pago 15 euro pelo King Kard, mas quando me propus a adquirir o "serviço" o preço era 13 euro, não estou aqui a reclamar a subida do preço por si só, reclamo o serviço em comparação a outros que me são iguais.
Sem grande surpresas vejo o número das salas Medeia a reduzir, assim como o numero de localidades que serve, sendo que actualmente só Castelo Branco, Crato, Idanha-a-Nova, Lisboa, Porto e Setubal, tenham salas da Medeia disponiveis.
Na cidade do Porto, após o encerramento do cinema Nun'Alvares, restam apenas 5 salas de cinema, 4 no Centro Comercial Bom Sucesso e "Cinema" do Campo Alegre. Indo concretamente ao ponto que pretendo chegar, por 5 filmes semanais (lembro que o Campo Alegre fecha em Agosto e só tem duas sessões diárias), pago exactamente o mesmo que paga um assinante do King Kard em Lisboa, que actualmente contam com 26 filmes em exibição (se não me engano e segundo o site) repartidos entre o cinema Fonte Nova, King, Monumental, Nimas e Alvaláxia. É esta situação que me leva a questionar o aumento do King Kard, será este preço realmente justo? É certo que com o King Kard tenho acesso com os mesmos "previlégios" a todas as salas Medeia do país, mas como é claro não vou deslocar-me a Lisboa para ver um filme que não estreie aqui no Porto.
É certo que podem sempre argumentar que fazem reposições aqui no Porto, como o caso do filme "A Lula e a Baleia" que estreou a 15 de Junho de 2006 e que só agora no final do mês de Agosto é que está em exibição nas salas Medeia do Porto, podem também argumentar com o facto que o preço tem que ser igual para todos os assinante por uma questão de "igualdade" e não diferenciação, mas neste caso a diferenciação existe e é enorme se não mesmo escandalosa, se imaginarmos que por alguma situação a cada semana estrearem 5 filmes diferentes nas 5 salas Medeia na cidade do Porto (o que não acontece, estreiam 1 ou 2 filmes por semana) no final do mês tinahm estreado 20 filmes pela Medeia na Cidade do Porto, o que não chegaria aos filmes em exibição numa semana em Lisboa. Claro que existe a diferença de salas, diferença de publico, mas isso deveria notar-se nos preços, não unicamente em argumentações. Podemos ainda pensar que no Porto nenhuma das salas tem as condições das salas do ALVALAXIA.
Relembro que falo aqui apenas numa questão ética, será justo estar a pagar tanto por um serviço quanto outras que tiram maior rendimento do mesmo? Não sou entendido em questões juridicas, mas não será muito perceber que algo de estranho está a passar-se neste caso.

Peço que repensem os critérios e os preços, já que no meu ponto de vista e de outros assinantes não são correctos, penso que o King Kard é uma boa forma de cativar publico, mas em Lisboa, já que no Porto se torna muito complicado rentabilizar o "serviço", até porque tendo em conta o que estreia nas salas Medeia aqui no Porto se torna ainda mais incomportável, pois são poucas as novidades em relação às outras salas da cidade, dos filmes actualmente em cartaz apenas "A Lula e a Baleia" não se encontra em exibição por outras salas.
Claro que não tou a ver as coisas pelo lado negativo e não esqueço que actualmente estão a exibir no Campo Alegre diversos filmes do ano anterior.

Deixo assim as minhas questões, esperando que sejam claras e compreendidas. Aguardo assim por algum esclarecimento de vossa parte.

Os meus cumprimentos.»

2006-09-01T00:57:00.000+01:00

Depois de Lisboa é a vez do Porto receber “Um Ano de Cinema(s)”, uma iniciativa da MEDEIA FILMES e EUROPA CINEMAS, que permitirá uma nova revisão de alguns dos filmes que marcaram o ano transacto, claro que existem títulos mais importantes que outros, mas o essencial será mesmo a hipótese de rever, ou ver aqueles títulos que por inumeras razões não tivemos hipotese de acompanhar devidamente.
Com o preço único de 3,50€, são 27 os filmes a exibir em duas sessões diárias (18h30 e 22h), no cine-Teatro do Campo Alegre.
De dia 1 a 27 de Setembro as obras que poderão ser vistas ou revistas são:

1 DE SETEBRO
“Closer- Perto Demais” de Mike Nichols

2 DE SETEMBRO
“Vera Drake” de Mike Leigh

3 DE SETEMBRO
“Temporada de Patos” de Fernando Eimbcke

4 DE SETEMBRO
“As Bonecas Russas” de Cédric Klapisch

5 DE SETEMBRO
“De Tanto Bater o Meu Coração Parou” de Jacques Audiard

6 DE SETEMBRO
“Mar Adentro” de Alejandro Amenábar

7 DE SETEMBRO
“Os Psico-Detectives” de David O. Russel

8 DE SETEMBRO
“Os Edukadores” de Hans Weingartner

9 DE SETEMBRO
“Brokeback Mountain” de Ang Lee

10 DE SETEMBRO
“Alice” de Marco Martins

11 DE SETEMBRO
“O Castelo Andante” de Hayao Miyazaki

12 DE SETEMBRO
“Last Days” de Gus Van Sant

13 DE SETEMBRO
“Aurora” de F.W. Murnau

14 DE SETEMBRO
“A Marcha dos Pinguins” de Luc Jacquet

15 DE SETEMBRO
“Broken Flowers” de Jim Jarmush

16 DE SETEMBRO
“A Noiva Cadáver” de Tim Burton

17 DE SETEMBRO
“Saraband” de Ingmar Bergman

18 DE SETEMBRO
“O Pesadelo De Darwin” de Hubert Sauper

19 DE SETEMBRO
“Match Point” de Woody Allen

20 DE SETEMBRO
“O Leopardo” de Luchino Visconti

21 DE SETEMBRO
“Três Enterros de um Homem” de Tommy Lee Jones

22 DE SETEMBRO
“Transamerica” de Duncan Tucker

23 DE SETEMBRO
“Capote” de Bennet Miller

24 DE SETEMBRO
“Syriana” de Stephen Gaghan

25 DE SETEMBRO
“Coisa Ruim” de Tiago Guedes e Frederico Serra

26 DE SETEMBRO
“Memórias de uma Gueixa” de Rob Marshall

27 DE SETEMBRO
“Uma História de Violência” de David Cronenberg

Sessões: 18h30 & 22h
Preço Único: 3,50€

2006-08-29T15:12:00.000+01:00

CINEMA E JANTAR POR 7€?

Pois parece que assim é. O Centro Comercial PARQUE NASCENTE em Gondomar, aposta nesta campanha para atrair visitantes, assim como os cinemas apostam em conseguir mais espectadores.
Tentei confirmar esta informação no site (www.parquenascente.pt), mas o site encontra-se em actualização, resta-me deixar a informação com base no cartaz colocado na zona industrial do porto.
É sem qualquer tipo de dúvida uma boa campanha, as salas são boas, penso que ainda se encontram sobre a alçada de CASTELO LOPES, e tendo em conta que um bilhete de adulto custa em média 5,20€ e um jantar no Centro Comercial outro tanto, acredito que é uma aposta acertada, até para um estudante a promoção compensa, bilhetes de cinema a 3,50€ ou 4€ e um jantar a 5€.
Parece-me ser uma informação util a todos os que vivem na zona do grande Porto, fica aqui o aviso.

P.S. - Não posso adiantar muitos detalhes sobre esta "promoção", mas a proposta de cinema e jantar por 7€ parece-me interessante

2006-08-18T15:28:00.000+01:00

Graças ao file sharing e pelo YOU TUBE, agora é mais fácil observar o que muito se faz pelo mundo, desde trailers, intrevistas, ou meramente videos caseiros ou curtas metragens. (embora muitas questões contra possam ser levantadas)
Assim deixo aqui algumas propostas de visionamento.

De David Lachapelle, fotografo e realizador (principalmente de Videoclips e Publicidade, embora também tenha no curriculo RIZE documentário que estreou entre nós) fica um pequeno e curioso clip publicitário à série LOST.

Também de David LAchapelle, mas destas vez DESEPERATE HOUSEWIFES.

M. Night Shyamalan no DAILY SHOW com Jon Stewart http://www.youtube.com/watch?v=-C3bw5c-ZB4

LADY IN THE WATER dá que falar.... embora muitas das acusações ao realizador e á forma/formula sejam desajustadas

MAD TV e uma genial paródia a TERMINATOR 3

Curta-metragem de Ricardo Costa Pinho (http://www.costapinho.typepad.com) com António Reis.

DAVID FINCHER fala de ZODIAC mas em especial do software de edição FINAL CUT

PETER BOGDANOVICH a falar de cinema... é fantastico

Cumprimentos e até breve

2006-08-13T20:46:00.000+01:00

There will be a bold man

Apresento-vos Daniel Day Lewis, no set de rodagem de "THERE WILL BE BLOOD" o novo filme de Paul Thomas Anderson ("Magnolia").

"There Will Be Blood" é baseado no romance »Oil», escrito em 1927 por Upton Sinclair (1878–1968). «Oil» narra as intrigas na indústria petrolífera e de escândalos políticos que partem da Califórnia corrumpendo toda a América. Ou seja talvez algo mais realista e mais afastado do mundo surreal e algo onirico que PTA explorou anteriormente, mas pouco se sabe adiantar. Segundo a Variety, P.T.A. adaptou de forma livre tendo apenas como referencia a obra de Sinclair, em que tudo decorre como uma nova corrida ao ouro, mas desta vez o ouro negro, petróleo.

Day-Lewis interpretará um prospector que compra os direitos de extração do rancho de uma família e acaba por encontrar o que tanto queria, Petróleo. Depois são apenas golpes de cobiça, inveja, fé e esperança, não é facil de imaginar mas é PTA que toma as redeas.

Esta é a primeira vez que o realizador/argumentista trabalha sobre um texto que não é de sua autoria.

Por curiosidade Sinclair foi vencedor de um Pullitzer mas foi também um socialista atuante e crítico do capitalismo que denunciou em reconhecidos livros-reportagens.

As filmagens ocorrem no Texas e no Novo México. A produção é de Scott Rudin, Paramount Classics e Miramax.

2006-08-13T12:50:00.000+01:00

For your consideration...

"GRIND HOUSE" já dá que falar.

2006-08-13T01:22:00.000+01:00

“Miami Vice” de Michael Mann (2006)

Para compor um comentário a “Miami Vice” de Michael Mann, há que tocar em alguns pontos cruciais, o contexto histórico em que nasce a série televisiva e em que nasce a adaptação cinematográfica, o contexto cinematográfico e tecnico, e claro tratar-se de Michael Mann o realizador, sendo que estes dois ultimos aspectos estão claramente de mãos dadas.

O risco da adaptação cinematográfica é muitas vezes as redeas presas a um naturalismo frio que por tantas vezes invade o nosso ecran, a linguagem televisiva que cada vez mais domina o panorama do “publico médio”, e tudo o de redutor que essas imagens expressam uma irrisão quando se fala ou tenta alcançar o real, a adaptação cinematográfica “Miami Vice” de Michael Mann caminha no sentido oposto.
Estavamos nos meados dos anos 80, na televisão surgia “Miami Vice”, produzido por Michael Mann, poderiamos dizer que se tratava de o olhar natural sobre uma Miami turistica, o paraíso, onde as festas as mulheres de bikini e o sol invadiam cada segundo da série. Lembro que estavamos em meados dos anos 80, agora na segunda metade da primeira década do século XXI, Michael Mann adapta a série ao cinema, e será adapta a palavra correcta?

De forma alguma; da série ficam apenas os nomes e o conceito de dois polícias a lutarem contra o crime, por que apartir daqui Mann desconstroi, reinventa e experimenta. Experimenta o seu cinema (ou uma nova vaga do cinema em geral) tenta transportar-se para algo mais profundo do que aquilo que vem alcançando e procurando desde “Ali”, já que “Heat-Cidade sobre pressão” deve ser deixado descansado no altar de obras memoraveis dos anos 90, sendo que o cinema de Mann já implode nesse momento. Digo implode porque Mann, qual expressionista filma a sua realidade apartir da sua sensibilidade, parte da sua subjectividade para alcançar uma objectividade extrema. Tudo isto parte do autor e das tecnicas, não será ao acaso o surgimento do vídeo de alta definição (HDV/CAM), tenha impulsionado Mann para um novo patamar, para um novo espaço físico e psicológico, a noite. Em “Ali” já havia feito a pequena experiência de filmar algumas cenas durante a noite, apoiado no Vídeo, em “Colateral” a importância do vídeo é clara, transformando, a cidade de Los Angeles, mais que um mero espaço, num componente dramático. Agora em “Miami Vice” o choque tecnológico é extremo, a tecnica está dominada, podendo ir ainda mais longe no extremismo, mas o essencial está conseguido, desconstruir a “Miami Vice” turistica e luminosa da série de TV, transformando-a numa realidade obscura, suja e seca, que não será nada mais a realidade retratada dos Estados Unidos aos olhos e ao cuidado da novas convicções sensiveis que Mann trouxe ao cinema.

Será fácil colocar a sensibilidade dramática de Mann em causa especialmente neste “Miami Vice”. No cinema actual ainda vivemos agarrados a formas e convicções existentes há mais de 40 anos e poucos são aqueles que agarram com mão dura nas convicções clássicas do cinema e as reinventam, as tentar contornar e modelar de forma correcta, sendo que para isso tenham de as conhecer ao detalhe. Pergunto, alguém faz filmes de acção (drama) como Michael Mann? Porque não filma como Michael Bay? Mann tem a sua formação na Europa rodeado por cinema europeu, e filma na América, como nenhum Americano pode filmar, tem no seu olhar rude e seco sobre uma sociedade, tem uma abordagem tecnica crua e energica, qual Novelle Vagueano e não filma nada mais que a objectividade do real, sempre aliado ao lirismo, qual neo-realista.

“Miami Vice” é o caso extremo da sua filmografia, utilizando a tecnologia de topo da Viper FilmStream™ (http://www.thomsongrassvalley.com/products/cameras/viper/) , Mann explora, formas, movimentos, ritmos e dramáticos. Colocar em causa o argumento de “Miami Vice”, pode ser um erro, é certo que o argumento não vive por si só, mas vive antes de todo o conteudo formal que o envolve e que Mann tão bem explora, mas o que é mais que certo é que o argumento é o necessário para consolidar as duas personagens principais, sendo toda a envolvencia tecnica que acrescenta o que supostamente falta em palavras no argumento.
Repare-se que a noite desde “Colateral” ganha uma nova importância e uma nova expressão. Lembram-se da série televisiva? O sol de Miami, os sorrisos dos dois protagonistas, os fatos brancos, os corpos em bikini? Na Miami Vice de Mann tudo desaparece, a noite dura e crua, o olhar massacrado dos protagonistas, os corpos vestidos de escuro, Miami é agora uma cidade sombria, uma cidade fantasma, que tal como acontece na América geral o choque cultural é o motivo para o conflito.

Outra questão, existe realmente Miami? Miami é o ponto de partida e o ponto de chegada de uma viagem que atravessa América do norte, América do sul e Central.
O que sobra da série televisiva? Nem o genérico, Miami Vice está mais cruel que nunca... ou será real?
Detective James 'Sonny' Crockett e Detective Ricardo Tubbs, Collin Farrel e Jamie Foxx, substituem Don Johnson e Philip Michael Thomas, e em boa verdade esqueçam Johnson e Thomas, pois Farrel é impressionante na sua presença corporal e vocal, com um olhar pesado e um estilo incomparável e Jamie Foxx no papel de “Rico”, se quisermos, aquele que na série de televisão era o mais contido emocionalmente e divertido no seu dia a dia, é agora para Foxx um homem duro, integro e extremamente agressivo... o que mudou? Mudou a América, mudou o mundo.

Mas o que ressalta de toda esta Miami é mesmo Michael Mann, podem-no acusar de ter feito um mero exercício de estilo, podem dizer que esqueceu o conteudo, mas não será parte do seu estilo parte do conteudo que falta? Ouvi recentemente na televisão o Sr. Mário Augusto (SIC), dizer que Mann utilizou câmara ao ombro, que é uma tecnica muito proxima da televisão... mas porque temos de ouvir tamanha barbaridade? A câmara de Mann é a rudeza que faltam as palavras é o escurecer de um olhar, é o “fuck you all” que não ouvimos, lembrem-se de como Mann filma as cenas de amor, ou como filma a personagem “Rico” quando este prepara um dos salvamentos mais importantes da sua vida, para quê as palavras, se se domina uma tecnica que poucos dominam, pelo menos da forma e com o objectivo que Mann quer. Michael Mann caminha a passos largos do realismo extremo, seja na sua imagem e componente plástica, seja no excelente trabalho de som, que no final do filme é absolutamente cruel, assim como toda a imagem, é a conjugação sublime.

Querem filmes bonitos, querem regras, querem choro e palavrinhas mansas, querem movimentos de câmara suaves? Então esqueçam, “Miami Vice” é o maior passo de Mann em direcção ao “seu” realismo, à sua abstracção objectiva e de bonito tem muito pouco... mas em boa verdade, é Mann um autor ou não? É isto que faz do cinema algo tão especial ou não? Quero lá saber dos sentimentos que estão no papel do argumento, quero é ver essas emoções na tela....
“Miami Vice” é incomparável com qualquer outro objecto, nem que seja pelo simples facto de dar um importante passo em direcção ao cinema digital que tem neste proximo ano um momento decisivo, e não é por ser mais “fácil”, ou mais “barato”, ou mais criativo como por aí se diz... é por ser diferente.
Tal como as taglines dos posters do filme, “Miami Vice” é um objecto sem regras nem leis.

NeTo - 10/10

P.S. - Ana Cristina Oliveira tem uma pequena participação no filme, onde no inicio dialoga com Colin Farrel, onde se apresenta como sendo de Lisboa, Portugal. Curiosidade será o facto da actriz actualmente fazer parte do elenco de dois filmes em exibição nos EUA, "Miami Vice" e "Two Drifters - ODETE".

2006-07-29T13:28:00.000+01:00

Colin Farrell é irlandês, diz asneiras , bebe cerveja, e gosta de andar com muitas miudas ao mesmo tempo.
O mundo apressa-se a apelida-lo de bronco e que não tem talento nenhum, mas a brincar a brincar, o homem acaba por ser um dos melhores actores da sua geração a trabalhar no cinema actualmente. Ora então vejamos ele passou pelas mãos de: Steven Spielberg, Joel Schumacher, Oliver Stone,Michael Mann e Terrence Malick ( que ja o chamou de novo para o seu proximo projecto ), sendo que está indicado para o próximo projecto do Woddy Allen.

A verdade é que nem todos os filmes que fez são bons ("Daredevil") mas a verdade é que ele trabalha com o realizador norte americano mais excepcional que é Terrence Malick.
A verdade é que Joel Schumacher fez "Batman Forever", mas a verdade é que juntos participaram em três projectos , dos mais inventivos do realizador: "Tigerland", "Veronica Guerin" e "Phone Booth".
No projecto de Oliver Stone em que faz de "Alexandre, o Grande", o falhanço do filme não lhe pode ser apontado.
De "Minority Report" não é preciso falar . Falo agora de "Miami Vice", seu próximo filme em estreia. Com o trailer , só consigo vislumbrar um filme cheio de testosterona, com um Colin Farrell cheio de poder e força bruta, numa interpretação que penso ,nós deixará em transe, quase tanto como ao seu capitão Smith , num poema ludico , totalmente opostos, ams brilhantemente bem representados espero.
Referencias a Woody Allen e Terrence Malick que o querem nos seus próximos projectos, e não vejo estes a enganarem-se muitas vezes.

Quanto a mim ,resta-me esperar por dia 3 de Agosto, num "Miami Vice" que se tornará quase de certeza o filme do Verão.

a_Pupila

2006-05-07T21:50:00.000+01:00

"007 - Casino Royale" - BOND COM ESTILO

por: a_Pupila

E lá saiu o primeiro trailer de Casino Royal.
E confirmou o que eu ja sabia à muito tempo. O Daniel Craig será um excelente Bond.
Nem que seja pela campanha negativa que foi feita contra ele sem nunca terem visto sequer a sua performance. ( e não me venham com a historia de que ele em certos filmes parecer o Bill Murray, porque o Pierce Brosnan fez cada um e com cada aspecto...)
O trailer está bom, retoma o espirito que se havia perdido pelos gadgets e “tipas boas” , o espirito de acção com classe. E Daniel Craig contribui para isso . Mais que os olhos sexys e as pernas jeitosas de Eva Green.
Eu por mim fico a espera, achando que sairá daqui talvez o melhor Bond de sempre.

Trailer

2006-04-24T02:32:00.000+01:00

"3ª Mostra Internacional de Escolas de Cinema"

26 a 30 Abril de 2006

WORKSHOPS

27/28/29 Abril – Estúdio de Cine-Vídeo ( Rua do Infante 131 )
10.00 – 18.00H – WORKSHOP
“PERSONAL REALITY/UNIVERSAL FICTION”
Marc Didden
Hogeschool Sint-Lukas Brussel, Bélgica

27 Abril – Sala de Actos ( Largo S.Domingos nº 80, 2ºandar)
10.00 – 18.00H – WORKSHOP
“SCREENWRITING”
Devin Peter Crowley
New York Film Academy, EUA

TEATRO RIVOLI

26 Abril – Pequeno Auditório

21.30H – Sessão Abertura
Apresentação das Escolas pelos seus representantes

22.00H – Filmes – 1ª sessão
# 2, Real. Mathieu Choux, experimental - ESAV, França, 10’
Words and Thoughts in RGB, Real. Eduardo Morais de Sousa, doc. - ESAP, Portugal, 6’
Programa 2018, Real. Jorge Correia, ficção – Universidade Moderna – IAT, Portugal, 21’
Volare, Real. …, ficção - New York Film Academy, EUA, 6’
Maria Mãe de 2, Real. Paulo Martins, ficção – Instituto Politécnico do Porto, Portugal, 12’
Entre Linhas, Real. Telmo Vicente, ficção – Universidade Lusófona, Portugal, 24’
Forever, Real. Jonas Govaerts, ficção – Hogeschool Sint-Lukas Brussel, Bélgica, 10’
Pé de Feijão, Real. Catarina Afonso, ficção – Universidade Católica, Portugal, 10’
Arquivo Geral, Real. Manuel Matos, ficção – Escola Superior de Teatro e Cinema, Portugal, 7’

27 Abril – Pequeno Auditório

15:00H.Debate.
A Arquitectura das Cidades o e Cinema
(Participação: Arquitecto Nicolau Brandão - Moderador, Prof. Doutor Carlos Melo Ferreira, Arquitecto António Dias Ferreira, Realizador Marco Martins)

18.00H – Filmes – 2ª sessão
Le Premier Pas, Real. Bernard August Kouemo, – ESAV, França, 28’
Rui e Filipe, Real. Tiago Almeida, ficção – Escola Superior de Teatro e Cinema, Portugal, 10’
As Febras de Jesus, Real. Pedro Azevedo Dias, ficção – ESAP, Portugal, 13’
Eu não quero morrer hoje, Real. Rita Teles, ficção – Universidade Moderna – IAT, Portugal, 24’
Sunflyers, Real. Tim Mielants, ficção - Hogeschool Sint-Lukas Brussel, Bélgica, 15’
Control Alt Fly, Real. Victor Santos, ficção – Instituto Politécnico do Porto, Portugal, 4’
Your Smile, Real. Gustavo Fernandes, vídeo-clip – ESAP, Portugal, 5’

22.00H – Filmes – 3ª sessão
Speculum, Real. Andreia Pinto, ficção – Universidade Moderna, Portugal, 27’
Rasgo D’ Olhar, Real.: Colectiva, experimental – ESAP, Portugal, 12’
29-41, Real. J. Ricardo Costa Martins, ficção – Universidade Católica, Portugal, 18’
Falling, Real. Hélder Silva, video-clip – ESAP, Portugal, 5’
ACHT, Real. … – New York Film Academy, EUA, 13’
Processo 11923, Real. Bernardo Viterbo, Rui Tavares, José Miguel Moreira, ficção – ESAP, Portugal, 11’

28 Abril – Pequeno Auditório

15:00H. Debate.
As Escolas de Cinema face a Bolonha
(Participação dos representantes das escolas))

18.00H – Filmes – 4ª sessão
Berço de Pedra, Real. Nuno Rocha, ficção – Instituto Politécnico do Porto, Portugal, 29’
Miauzoléu, Real. Ana Pinto, Daniela Silva, animação – ESAP, Portugal, 2’
História de Papel, Real. André Badalo, ficção – Escola Superior de Teatro e Cinema, Portugal, 13’
Bushido, Real. …- New York Film Academy, EUA, 21’
O resto são sombras de árvores alheias, Real. Rita Pinto, Mafalda Leão, Paulo Lage, animação – ESAP, Portugal, 1’22’’

22.00H – Filmes – 5ª sessão
Le coeur dans l´épaule, Real. Romaní Carcanade, – ESAV, França, 15’
Life on Mars, Real. Isabelle Nouzha, - Hogeschool Sint-Lukas, Bélgica, 10’
Uroboro, Real. Luís M. Gomes, ficção – Universidade Moderna, Portugal, 13’
Mutações, Real. Yuki Rastilho, doc. – ESAP, Portugal, 8’
A Morte foi de férias, Real. Simone Pereira, comédia – Universidade Lusófona, Portugal, 7’
Uma Informação, por favor, Real. André Costa, Carlos Sá, Pedro Brochado, animação – ESAP, Portugal, 1’

29 Abril – Pequeno Auditório

15:00H. Debate
O Documentário como Género Cinematográfico
Antestreia do documentário “António”, de José Alberto Pinto
(Participação: José Alberto Pinto - Moderador, Jorge Campos, Manuela Penafria, Leonor Areal, Pedro Sena Nunes)

18.00H – Filmes – 6ª sessão
J’ai pás tué Saddam, Real. Guillaume Bordier, doc. – ESAV, França, 51’
Made in Italy, Real. Fabio Wuytack, doc. – Hogeschool Sint-Lukas Brussel, Bélgica, 30’
Preto&Branco, Real. João Rodrigues, doc. – Universidade Católica, Portugal, 12’
Bom dia, noite, Real. Rui Costa, doc. – Instituto Politécnico do Porto, Portugal, 15’

22.00H – Filmes – 7ª sessão
S. Tomé e Príncipe, Real. Sílvio Pinto, doc. – ESAP, Portugal, 45’
Lithium, Real. Pedro Homem, doc. – Escola Superior de Teatro e Cinema, Portugal, 9’
Lusco-Fusco, Real. Ricardo Freitas, doc. – Universidade Católica, Portugal, 18’
Tudo Vai Acabando, Real. José Fernandes, Ricardo Martins, doc. – Universidade Lusófona, Portugal, 28’
The Triumvirate, Real…, doc. - New York Film Academy, EUA, 14’

30 Abril – Pequeno Auditório – 11.00H
Projecção dos filmes preferidos pelo público
Almoço de Encerramento

2006-04-14T14:35:00.000+01:00

"Brokeback Mountain" de Ang Lee

por: José Miguel Oliveira

Em “Brokeback mountain” existe uma sublime realização de Ang Lee, e que se leia sublime não no sentido gratuito da palavra ou do elogio fútil sobre as imagens e os sons mas primeiro que tudo – e é recorrente, e impressionante ao longo da sua obra, o ponto máximo anterior era sem dúvida “The Ice Storm”, de 1997 – pela forma como Lee se apodera e reinventa todos os códigos mais tradicionais e puristas de um género americano, o Western mais clássico, o Western lancinante, poético e crepuscular da mais nobre tradição de Hollywood, de John Ford a Howard Hawks.

Ang Lee o cineasta de Taiwan com a sua visão externa e distanciada, não americana para simplificar, consegue agarrar de forma “ditatorial” os grandes espaços, a melancolia e toda a mística que o género sempre conteve…mas há um nome decisivo para que Ang Lee, os actores e o próprio espaço – sem duvida uma personagem – consigam ter tamanha força e nos façam sentir que estamos a ver um filme que não é deste tempo…que não pode ser deste tempo, onde a velocidade e a saturação das imagens ficam de fora…onde o tele-filme – que é o que costuma sobrar quando se quer ser anacrónico – é completamente revertido, é anti tele-filme…o nome é Larry Mcmurtry argumentista de outro filme que nos vem constantemente á cabeça durante “BrokeBack Mountain”, o clássico “The Last Picture Show” realizado em 1971 por Peter Bogdanovitch…o mesmo pudor, a mesma força dos gestos e do não dito, a mesma profundidade na caracterização e evolução das personagens e no tratamento e inserção destas num espaço – se no filme de Bogdanovitch elas eram inseridas numa pequena vila tradicional americana, já sem os índios nem os cowboys, mas sentíamos em todos os momentos que estávamos a ver um Western insólito, “Red River” de Hawks andava subliminarmente e também literalmente por lá, em Brokeback essas personagens já percorrem e habitam nas mesmas paisagens mitológicas que celebrizaram o Western…as montanhas, o gado…a nostalgia…é o prolongamento do universo de Macmurtry.

Mas falar destas marcas é falar de muito pouco, porque existe outro factor no filme que é porventura o mais esmagador, a par das personagens: o tratamento sobre o tempo, que é de perder de vista…como em “The Last Picture Show” os anos passam e isso sente-se nos rostos, nos ossos dos personagens atormentados pelos fantasmas e pela impossibilidade de um regresso, sente-se o ferimento agudo de desolação perante a fatalidade do tempo e a não verbalização dos sentimentos.
E nesse universo de pudor e de melancolia existe sempre um infindável espaço de manobra para as personagens e aqui elas são magnificamente caracterizadas e interpretadas, acima de tudo a personagem de Heath Ledger, incapaz de verbalizar e de expressar o desejo e a vontade, parado no tempo, esmagado pela impossibilidade das tradições e dos códigos que não o deixam libertar-se, e isso sente-se e é brutal…mas ainda Jake Gyllenhaal, o lado feminino e mais frágil da relação, que apesar de evoluir mais que a personagem de Ledger e de ter o lado mais rebelde e aberto ao corte é igualmente comovente e incapaz da eclosão…
E é indispensável esvaziar todos os apêndices incompreensivelmente colados, esquecer todos os rótulos e sentir o ardor de uma obra aparte de um tempo…

José Miguel Oliveira

(P.S. - Este texto do nosso colaborador José Miguel Oliveira, está publicado também no blog Matiné)

2006-04-08T12:16:00.000+01:00

"Brokeback Mountain" de Ang Lee

por: a_Pupila

Resolvi escrever sobre "Brokeback Mountain" porque depois de ser dita muita coisa resolvi esperar um tempo para construir uma “crítica” que possa exprimir tudo o que tenho a dizer sobre o filme.

Confesso que me é dificil entender o odio que se gerou em alguns sitios em relação a este filme. Quanto a "Brokeback Mountain" não consigo ser tolerante. É o melhor filme do ano e um dos melhores deste inicio de século em que nos inserimos.

O odio , a meu ver, surgiu quando o filme teve um acolhimento fora do normal comparável ao de "Million Dolar Baby" ( do qual gosto menos) ; mas ao mesmo tempo que foi considerado uma historia profunda sobre o amor “impingiram-lhe “ uma bandeira que ele claramente não tinha intenção de içar.
Penso que a bandeira gay surgiu porque este ano é o ano dos filmes politicos e sociais.

Temos "Crash", com um argumento muito bem escrito mas com uma clara intenção social, temos "Munich" uma tentativa de Spielberg politizar-se e talvez com isso dizer que apesar de fazer guerras dos mundos e isso sabe o que se passa no mundo ( uma tentativa a meu ver um pouco frustrada), temos o "Syriana", um jogo politico com um swing rapidíssimo, e finalmente um exercicio de estilo, forma , fotografia e cinematográfico de umas das maiores promessas dos EUA, George Clooney sobre o macarthysmo.
É dificil que uma obra se torne independente a esta onda politica e consiga sobreviver por si só quando relata uma história de amor sim, mas uma historia de amor entre dois homens.

Brokebak Mountain é uma obra cinematográfica por excelencia, porque não sobrepõe qualquer assunto social à sua importancia visual, sonora e sentimental,e isso é natural sendo nos oferecido pelo realizador mais sensivel do panorama actual.
É de uma sensibilidade arrebatadora, concluindo ao espectador que o amor pode nascer em qualquer lado.

Nos primeiros 10 minutos não há qualquer diálogo. E isto explica–nos que hoje , apesar de muitas vezes o argumento se sobrepor à imagem e ao seu poder, com "Brokeback Mountain" respira cinema. Existe uma fotografia fabulosa, ignorada por mentes mais fechadas onde a natureza comunga-se com a arte.
Uma banda sonora simples e tão poderosa que por assim ser perfeita, coadunando-se com os seus personagens, tão basicos mas tão complexos ao mesmo tempo.
Interpretações excelentes onde o personagem principal é interpretado de tal forma intensamente que a sua performanece foi comparada ao mitico Marlon Brando.

Ao ver Brokebak Mountain, vejo harmonia, vejo uma pureza na imagem que me era rara hoje em dia.
É surpreendente que tenha sido tão achincalhado quando é talvez a mais pura obra de arte dos ultimos anos.
Ao vê-lo fico arrepiada. Ao sair da sala, tenho a esperança que mais como estes possam ser feitos.
Ao pensar nele, sinto-me pequena mas ao mesmo tempo sortuda de o ter acompanhado na sua comtemporaneadade.

a_Pupila - 10/10

2006-03-20T22:02:00.000+01:00

"O Espelho Mágico" de Manoel de Oliveira

Manoel de Oliveira aos 96 anos de vida, respira cinema e vive cinema. Falar no “mestre” portuense e português do cinema é falar num longo percurso quer tecnico quer narrativo, baseado na experiência apenas devido à sua longa longevidade, e este não será o seu ultimo filme.

Se pensarmos no seu primeiro filme, “Douro, Faina fluvial” de 1931, facilmente nos apercebemos nas influencias exercidas pela escola russa de montagem assim como um pouco do cinema centro-europeu, onde a montagem exercia o verdadeiro caracter filmico do autor.
Mas o anos passaram e o cinema de Oliveira benbe influencias do cinema nordico, por isso falar em Dreyer e Oliveira na mesma poderá ser um lugar comum, mas não será motivo de negação.

O estilo de Manoel de Oliveira não será unico, mas há que reconhecer todo o mérito de Oliveira quer em Portugal (esquecendo para isso todas as questões institucionais), mas acima de tudo o papel de Oliveira no cinema Mundial, onde o reconhecimento é muito e não apenas pela idade, mas por tudo o que significa para o cinema, ou poderemos dizer, para “um cinema” anti-corrente.

Em “Espelho Mágico”, Manoel De Oliveira filma a obsessão religiosa (religião é constante na sua obra) banhado por um intenso lirismo e teatralidade, é claramente um filme de época com personagens modernas, onde a critica à aristocracia é mais que evidente nem que seja pela obsessão da rica Dona Alfreda (Leonor Silveira) em querer presenciar a anunciação de Nossa Senhora. Tal obsessão é o golpe perfeito para dois ex-presidiários interpretados por Ricardo Trêpa e Luis Miguel Cintra.

O elenco é extremamente competente, as presenças habituais de Trêpa, Cintra e Silveira, preenchem cada complexo e denso plano desta narrativa, repleta de introspecção filosófica sobre o tempo e de um peculiar humor que a espaços resulta na perfeição.

A cinematografia é algo que não se descuida num filme de Oliveira, em boa verdade será um dos aspectos mais importantes na sua obra actual, ou não seja cada um dos seus planos ter a necessidade de ser fortemente apelativo quer visual quer narrativamente, e para isso Manoel de Oliveira conta mais uma vez com o contributo de Renato Berta, que conta no seu historial com quase 100 filmes “fotografados” ao lado de nomes como Alain Resnais, Claude Chabrol e Jean Luc Godard.

Na verdade cada imagem de “Espelho Mágico” é um verdadeiro deleite, cada plano é o “espelho” do tempo, é a reflexão das personagens, do publico (?), ou será apenas o reflexo de um cinema que Oliveira respira e o publico rejeita apenas argumentado “é o mal do cinema português... a realização é muito parada”.

Não é o ultimo é apenas mais um, e venha “Belle Toujours” e seja feito o tributo a Luis Buñuel e Jean-Claude Carrière, e claro que seja mais um tributo a um cinema cada vez mais distante.

NeTo – 7/10

"O Espelho Mágico" de Manoel de Oliveira

por: Luís Carneiro

“[…] quem se encontrou na terra com algum espírito tem o dever de o usar e tanto melhor exercerá a sua missão quanto mais desinteressadamente o fizer; toda a grande obra supõe um sacrifício; e no próprio sacrifício se encontra a mais bela e a mais valiosa das recompensas” – Agostinho da Silva - Glossas [1945].

A evidência do tempo materializa a ineficácia do perfil autoral do Cineasta. Os condicionalismos espaço-temporais limitam a projecção fílmica de um determinado sujeito intelectual ou empírico num campo aberto à clarividência hipócrita embora a reprima no sentido da criação fictícia ou documental.

Manoel de Oliveira abstrai-se do tempo e do espaço e, como António Reis, multiplica as capacidades de recriação estrutural e de normalização cénica. Aqui o tempo do cineasta move o espectador para o seio do significado da obra, que participa de um acontecimento cine-teatral da colocação dos corpos, vozes e movimentações cinéticas. O espaço off da plateia que assiste torna-se então o espelho consciente das personagens. Esta ambiência catapulta o raciocínio, da tela para a multidão liliputiana dos vulgos receptores da significação imagética que desfila perante o seu olhar.

Oliveira realiza para o grande ecrã. Os seus filmes esmagam as ilusões de quem os experiencía. Os seus filmes vagueiam, hoje, involuntariamente, através do marasmo da vulgaridade mental das massas acometidas ao conforto da insistência em matérias já vezes sem conta referenciadas.
Em “O espelho mágico” a lucidez espiritual do patamar secular alcançado pelo realizador exacerba a argumentada contrafacção de imagens a ritmo de marcha. A maratona do sagrado à volta do mundo, tanto físico como abstracto, e a obsessão que daqui advém concentra as forças sob a esfera de um concentrado do quotidiano bonacheirão, mas perspicaz de uma classe mais baixa.

A insistência na busca do transcendente magnetiza o trabalho do autor, trilho latino de Dryer ou de Pasolini benevolente. O protagonista passeia-se no vértice do ser uno. Mas quem é então este personagem? Embora altivo, a música eleva-o e envolve-o como o vento ou um gesto no manto azul da Virgem.

Daqui o concretizar é trágico e fatal.

Luís Carneiro

2006-03-17T22:44:00.000+01:00

Sente-se hoje em dia uma necessidade crescente de se autovalorizar para não parecer mal. Porque acha-se que se sabe tudo quando na verdade não se sabe nada.
No cinema , o gosto é tão relativo como em qualquer coisa, sei disso tão claramente porque gosto de filmes que pessoas muito mais cultas cinematograficamente do que eu odeiam e odeio filmes que são unanimente adorados.

É como em tudo. No entanto, hoje em dia , cai-se no facilitismo de achar que por se ter visto meia duzia de filmes se pode falar de cinema como se soubessemos tudo sobre ele. É o problema da massificação, achar que Spielberg é o cinema americano, Luc Besson o francês , Manoel de Oliveira o português, porque não se conhece mais nada. Michael Bay é mau, é sim, mas o que ele faz nem sequer chega a cinema , cinema como 7 ª arte, e discutir com pessoas que o consideram como tal é o mal desta massificação.

Cada vez me sinto mais triste com pessoas que se sentem capazes de em 10 minutos resumir a história do cinema sem qualquer noção real do que ele é. Prepotentes, arrogantes , destroem mitos e genios que transformaram o cinema tão profundamente que sem eles, o cinema não seria a arte ( pouca na verdade) que se faz hoje.

Eu não discuto história do cinema, reconheço que sei muito pouco para ser capaz de disseca-la e analisa-la ( ao contrario de carniceiros, que barbaramente assassinam a verdade) . Na verdade, de todos os meus conhecimentos de cinefilos reconheço três a cinco que considero a opinião e sei que sabem. E curiosamente nenhum deles alguma vez falou arrogantemente sobre o que sabem. Fale-se de cinema, apoio isso sem sombra de dúvidas, agora por favor não se fale do que não se sabe.
Este é um desabafo, um grito de revolta perante a libertinagem que se vive .

a_Pupila

2006-03-07T00:13:00.000+01:00

And the OSCAR goes to:

Melhor filme
Crash - no limite
O segredo de Brokeback Mountain
Capote
Munique
Boa noite, e boa sorte

Realização
Ang Lee - O segredo de Brokeback Mountain
George Clooney - Boa noite, e boa sorte
Paul Haggis - Crash
Bennett Miller - Capote
Steven Spielberg - Munique

Melhor actor
Philip Seymour Hoffman - Capote
Terence Howard - Hustle & Flow
Heath Ledger - O segredo de Brokeback Mountain
Joaquin Phoenix - Johnny e June
David Strathairn - Boa noite, e boa sorte

Melhor actriz
Reese Witherspoon - Walk The Line
Judi Dench - Sra. Henderson Apresenta
Felicity Huffman - Transamerica
Keira Knightley - Orgulho e Preconceito
Charlize Theron - Terra Fria

Melhor actor secundário
George Clooney - Syriana
Matt Dillon - Crash
Paul Giamatti - Cinderella Man
Jake Gyllenhaal - O segredo de Brokeback Mountain
William Hurt - History of Violence

Melhor actriz secundária
Rachel Weisz - O fiel jardineiro
Amy Adams - Junebug
Catherine Keener - Capote
Frances McDormand - Terra fria
Michelle Williams - O segredo de Brokeback Mountain

Argumento original
Crash
Boa noite, e boa sorte
Match point
The Squid and the Whale
Syriana

Argumento adaptado
O segredo de Brokeback Mountain
History of Violence
O fiel jardineiro
Capote
Munique

Melhor Animação
Wallace & Gromit
A noiva cadáver
O castelo andante

Filme estrangeiro
Tsotsi (África do Sul)
Paradise Now (Palestina)
Don't Tell (Itália)
Feliz Natal (França)
Uma mulher contra Hitler (Alemanha)

Direção artística
Memórias de uma gueixa
Boa noite, e boa sorte
King Kong
Harry Potter e o cálice de fogo
Orgulho e Preconceito

Fotografia
Memórias de uma gueixa
Batman begins
Boa noite, e boa sorte
O segredo de Brokeback Mountain
O novo mundo

Guarda Roupa
Memórias de uma gueixa
A fantástica fábrica de Chocolate
Sra. Henderson Apresenta
Orgulho e Preconceito
Walk the Line

Melhor Documentário
A marcha dos Pingüins
Darwin´s Nightmare
Enron: The smartest guys in the Room
Murderball
Street Fight

Melhor documentário curta-metragem
A note of triumph: The golden age of Norman Corwin
The death of Kevin Carter: Casualty of th Bang Bang Club
God sleeps in Rwanda
The Mushroom Club

Montagem
Crash
Walk the Line
Munique
Cinderella Man
O Fiel Jardineiro

Maquiagem
As crônicas de Nárnia
Star Wars: Episódio III
A luta pela esperança

Banda sonora
O segredo de Brokeback Mountain
O Fiel Jardineiro
Memórias de uma gueixa
Munique
Orgulho e Preconceito

Canção
"It's Hard Out Here for a Pimp" - Hustle & Flow
"In the Deep" - Crash
"Travelin' Thru" - Transamerica

Edição de som
King Kong
Memórias de uma gueixa
Guerra dos mundos

Mistura de som
King Kong
Memórias de uma gueixa
Guerra dos mundos
Walk the Line
As crônicas de Nárnia

Efeitos visuais
King Kong
Guerra dos mundos
As crônicas de Nárnia

Curta de animação
The moon and the son: an imagined conversation
Badgered
The mysterious geographic explorations of Jasper Morello
9
One man band

Curta-metragem
Six Shooter
Ausrersser (The Runaway)
Cashback
The last farm
Our time is up

________________________

__________________________

___________________________

E chega ao fim a 78ª Cerimónia da entrega dos Oscars da Academia Americana de Cinema e as surpresas não são muitas, não há verdadeiros derrotados e não existem verdadeiros vencedores.
Jon Stewart foi um anfitrião de qualidade, polémico e caustico, mas com todas as suas deixas e gags a funcionarem na perfeição, desde a que envolve Dick Chenney e o possivel disparo sobre Bjork enquanto esta se vestia para a Gala, até ao facto da fantástica e pertinente associação entre Martin Scorsese e os seus zero oscars, e a o grupo rap, Three 6 Mafia (Hustle & Flow) ter ontem conquistado um oscar.

E terá sido essa a real surpresa da noite, ninguém estaria à espera que a música “It´s Hard Out There for A Pimp” fosse o vencedor da noite, num grupo de temas bem fraco, onde apenas “In The Deep” do filme «Crash» se poderia considerar digna de ali se encontrar.

De resto o que já era de prever mas que muitos não queria ou fingiam não acreditar, ou seja, o conservadorismo da academia e de toda a cultura americana acabou por conquistar.

Vejamos o seguinte ponto, não será de todo errado dizer que toda a cerimónia ficou decidida logo na entrega da primeira estatueta, ao melhor actor secundário, em que George Cloney subiu ao palco afirmando que já não ganharia melhor realizador. E é verdade que apartir deste momento tudo apontava que “Good Night and Good Luck” iria sair de mãos vazias, ou apenas com Melhor Fotografia, mas nem isso.
Apartir daqui foi esperar pelo que já era previsto, tanto “Crash” como “Brockeback Mountain”, dominaram as categorias de argumento, e “Crash” venceu o importante prémio de melhor Montagem, enquanto que “Brokeback Mountain” se contentava apenas com Melhor Banda Sonora, e eis que chegavam as duas Estatuetas finais, melhor realizador e melhor filme. Estando George Clonney afastado, Ang Lee era o vencedor como realizador do ano, merecido tenho que acrescentar, e começava a ser mais que visível que melhor realizador não era sinónimo de melhor filme, pois Melhor Argumento Original e Melhor Montagem eram duas estatuetas muito fortes e que levavam “Crash” um pouco acima, e eis que Jack Nicholson chega com um sorriso de quem já previa a surpresa e “Crash” era consagrado como filme do ano.

Em relação as categorias de interpretação não há nada a dizer, era mais que previsível, também não é o meu género apontar derrotados, George Clooney é um vencedor por todas as razões, e Steven Spielberg com toda a sua carreira pode sair de cabeça erguida em qualquer situação e ninguém poderá afirmar que ele é o derrotado.

Mas o mais interessante desta cerimónia acaba por ser, mais que os prémios, toda a cnjuntura que envolveu as nomeações. Qualquer dos filmes nomeados, tal como realizadores e argumentos, eram filmes “anti-hollywood”, isto porque eram filmes de baixo orçamento tendo em quanta as fortunas gastas na produção em Hollywood, ou até o que ganham alguns actores por filme refira-se.
Assim este poderá ser um ano de reflecção, afinal há publico para todo o tipo de cinema, e fazendo mais barato a hipótese de lucro aumentará, veja-se pra isso também o caso da Melhor Animação, os três nomeados eram animação “tradicional”, desenho e stop motion, nenhum dos grandes estudios americanos conseguiu introduzir nenhum das suas “mega produções” digitais. Fica então o espaço de reflecção sobre que caminhos o cinema pode percorrer e que afinal ninguém sabe o que o público quer, nem o que o cinema realmente será amanha.

Outra marca desta Cerimónia, foi a previsível vitória do conservadorismo inerente à Academia e a toda a cultura americana, «Crash» é um grande filme, uma obra exemplar, mas dos nomeados seria o mais conservador, e até porque tudo vinha apontando “Brokeback Mountain” como vencedor e o filme de Ang Lee é superior a “Crash”, pelo facto de remar contra uma cultura e tentar modificá-la de forma sensível e poética, o que torna “Brokeback Mountain” numa obra prima absoluta. Mas Ang Lee abordou o amor com o ponto de vista não unicamente da heterossexualidade, mas também da homosexualidade, e isso os tradicionalistas não perdoaram, pois seria impensável premiar um filme em que o durões cowboys eram sensíveis e movidos por um amor “proibido” (pelo menos para os menbros da academia e muitas outras pessoas).

Conservadorismo pelo facto de também não deixarem os filmes de baixo orçamento dominarem a cerimónia, tanto “Crash” como “Brokeback Mountain” poderiam e deveriam sair da Cerimónia, com mais uma estatueta cada um, “Crash” por melhor música e “Brokeback Mountain” por melhor fotografia, mas a academia preferiu manter a igualdade pelos seus “blockbusters” mais ou menos falhados “Memórias de uma Gueixa” e “King Kong” (também podemos ver como mero golpe publicitário e de relançamento para novos lucros) com os filmes de Paul Haggis e Ang Lee, não deixando assim marcar uma distanciação entre os filmes independentes e os filmes de produção de grandes estúdios.

Sem me querer alongar demais, fica apenas a referencia que inguém foi um claro vencedor ou claro vencido, Ang Lee e Haggis são vencedores pelo trabalho desenvolvido com visões distintas do mundo, assim como e de forma igual Cloney e Spielberg são vencedores.
Mas quem acaba por sair levemente prejudicado é o cinema independente e a Academia Americana no seu interior deve largar largos e negreo sorrisos de vitória, por silenciosamente ter calado e acalmado todo o cinema “maverick” deste ano em deterimento da afirmação cada vez mais comercial do cinema.

Os Oscars são uma grande festa para quem lá está, uns optimos prémios para alguns, mas para quem assiste é apenas um belo exercício mental de descoberta das mentalidades de parte da cultura americana em que George Bush impera em silêncio.

Uma ultima palavra para o Oscar honorário a um maverick do cinema que já deveria ter vencido, mas que por muitas razões acabou enterrado e abafado por uma industria parcial, que só agora quando Robert Altman já está num estado de saude debil é que se lembram dos grandes feitos deste grande realizador.

2006-03-03T22:48:00.000+01:00

26º Fantasporto

“Coisa Ruim” de Tiago Guedes e Frederico Serra

Filme de Abertura da Secção Oficial do Fantasporto, “Coisa Ruim” conta com uma forte e interessante campanha de publicidade, para além do argumento escrito por um jornalista conhecido um pouco por todos, Rodrigo Guedes de Carvalho.

Mas apesar do nome e da figura por detrás do argumento, a verdade é que será o problema maior, é verdade que estamos perante uma obra nada típica no cinema português, não será todos os dias que temos perante nós uma argumento que explore o mundo sobrenatural com pequenos toques de terror junto com drama familiar e uma clara avaliação e diferenciação de valores sociais, mas as personagens e o excessivo recurso a falsas pistas acabam por tornar “Coisa Ruim” uma obra desiquilibrada.

Ao olhar para cada uma das personagens temos a leve sensação que não passam de corpos falantes, personagens que apenas existem da boca para fora, só corpo e pouco espírito e sendo este um filme em que o sobrenatural em que os medos e os confrontos deveriam ter maior preponderância, por momentos os excessivos detalhes falados para além de quebrar o ritmo sinistro, tornam acções em algo inverossímil. Se é verdade que o filme vive do ritmo e do suspense, claramente existia a necessidade de levar o público a acreditar em algo que não seria verdade, mas tais pistas não podem ser deixadas ao acaso e acabarem perdidas no passado e muito fica a pairar durante toda a narrativa.

O grande mérito irá na exploração do ritmo, não será um filme de montagem vertiginosa e por ventura existiram muitas vozes que dirão algo que me irrita profundamente, “a realização é o normal do cinema português... muito parada”, mas a verdade é que o ritmo existe e a espaços é explorado de forma sublime com recurso a imagen de forte impacto, típicas de quem domina a linguagem e imagem publicitária. Embora com todos os meios que tinham à disposição muito melhor seria possível alcançar.

O mais interessante será mesmo o confronto entre a ciência e o “metafísico”, ou seja o confronto entre cidade e mundo rural. Não será de todo estranho afirmar que a chegada de alguém que viva numa cidade a uma pequena aldeia seja vista de forma ameaçadora da vida pacata e tranquila, por quem habita a aldeia, e assim começa “Coisa Ruim”, uma família da cidade “invade” a calma vida de uma aldeia do interior provocando uma série de acontecimentos estranhos que terá como origem a casa que habitam, apartir daqui é a descoberta dos segredos e claro o florescer dos medos.

“Coisa Ruim” não é uma obra imaculada, mas é sem qualquer tipo de dúvida uma abordagem interessante, a espaços competente de um género nada habitual no panorama do cinema português, assim e sem grandes euforias poderemos dizer que o cinema português já passou momentos bem piores, embora muita coisa ainda esteja por fazer por exemplo a nível da escrita e da interpretação, e “coisa Ruim” sofre desse problema e tal como o a narrativa vive do confronto e desiquilíbrio de duas partes distintas, a escrita e as personagens (muito ligadas entre elas) e do outro lado as questões técnicas.

5/10

2006-02-26T23:35:00.000+01:00

26º Fantasporto

“História Trágica com Final Feliz” de Regina Pessoa

Inserida na mostra Panorama do Cinema Português, “História Trágica com Final Feliz” foi o primeiro filme mostrado e que marcou a abertura oficial do 26º Fantasporto, antecedendo a estreia de “Coisa Ruim” de Tiago Guedes e Frederico Serra.
O 2º trabalho de Regina pessoa no cinema de animação conta com uma co-produção entre Portugal, França e Canadá, e em boa verdade é uma obra bastante original e de um largo interesse.

O risco solto do desenho a preto e branco, o tenebroso trabalho de luz, sombra, texturas e movimento, criam uma estimulante atmosfera à “desenhada” Cidade do Porto, e a uma história original de uma menina, a qual tem que viver com o rápido e excessivamente audível batimento do seu coração.

Não existe muito mais para dizer desta curta-metragem, resta alertar que o cinema de animação português está em crecendo, a Casa da Animação no Porto é um claro sinal que existe quem queira explorar este tipo de cinema.

Resta esperar que “História Trágica com Final Feliz” não acabe dentro de uma qualquer gaveta, e tenha a oportunidade de chegar a um maior numero de público, seja em qualquer edição de DVD, seja pela exibição na RTP, que por acaso apoia o filme, juntamente com o ICAM.

Para mias informações visitem http://www.historiatragicacomfinalfeliz.com/

2006-02-17T00:33:00.000+01:00

Associação de Realizadores critica ministra e ICAM

«Associação Portuguesa de Realizadores (APR) criticou ontem a ministra da Cultura, Isabel Pires de Lima, e considerou "intrigante" a falta de verbas do Instituto de Cinema Audiovisual e Multimédia (ICAM) que levou à não abertura de alguns concursos aos subsídios no ano passado.
Em 2005 ficaram de fora concursos aos subsídios para as primeiras obras ou filmes de animação, quando no início do ano o ICAM anunciou que estes concursos iriam abrir. As críticas foram feitas num comunicado, que surge depois do ICAM ter anunciado, na semana passada, os concursos que vai abrir este ano e o número de obras a apoiar em cada. No comunicado, a APR, à qual pertencem realizadores como João Mário Grilo, Alberto Seixas Santos e Miguel Gomes, critica a ministra por defender a "continuidade da política do PSD [no ICAM] e do senhor ex-ministro Morais Sarmento, que nada tem que ver com as posições defendidas pelo partido do Governo quando este estava na oposição nem com o programa eleitoral apresentado para esta área", escrevem. Segundo o presidente do ICAM, José Pedro Ribeiro, os concursos de 2005 não foram lançados por falta de verbas. "Foi uma opção estratégica - disse - para poder cumprir compromissos assumidos com filmes apoiados no passado".»

in "http://cinecartaz.publico.clix.pt/noticias.asp?id=145685"

Mais uma vez a Associação de Realizadores Portugueses, lá levantam a voz, já havia ocorrido na altura da revisão da lei Audiovisual em 2004, e agora alguns dos nomes se levantam para protestar... Os protestos podem ter uma base forte, mas possivelmente nem serão estas as vozes que serão mais prejudicadas.
Mas de qualquer forma fica aqui o apelo que novas formas de financiamento e produção vão surgindo e se liberte toda a produção audiovisual unicamente do ICAM... que continue que é necessário, pois que ninguém pense em entregar o cinema unicamente à Sic.

2006-01-31T20:31:00.000+01:00

Oscars: And this year nominees are...

MELHOR FILME
BROKEBACK MOUNTAIN
CAPOTE
CRASH
GOOD NIGHT, AND GOOD LUCK
MUNICH

REALIZADOR
Ang Lee - BROKEBACK MOUNTAIN
George Clooney - GOOD NIGHT AND GOOD LUCK
Paul Haggis - CRASH
Benneth Miller - CAPOTE
Steven Spielberg - MUNICH

ACTOR
Philip Seymour Hoffman - CAPOTE
Terrence Howard - HUSTLE & FLOW
Heath Ledger - BROKEBACK MOUNTAIN
Joaquin Phoenix - WALK THE LINE
David Strathairn - GOOD NIGHT, AND GOOD LUCK

ACTOR SECUNDÁRIO
George Clooney - SYRIANA
Matt Dillon - CRASH
Paul Giamatti - CINDERELLA MAN
Jake Gyllenhaal - BROKEBACK MOUNTAIN
William Hurt - A HISTORY OF VIOLENCE

ACTRIZ
Judi Dench - MRS. HENDERSON PRESENTS
Felicity Huffman - TRANSAMERICA
Keira Knightley - PRIDE & PREJUDICE
Charlize Theron - NORTH COUNTRY
Reese Witherspoon - WALK THE LINE

ACTRIZ SECUNDÁRIA
Amy Adams - JUNEBUG
Catherine Keener - CAPOTE
Frances McDormand - NORTH COUNTRY
Rachel Weisz - THE CONSTANT GARDENER
Michelle Williams - BROKEBACK MOUNTAIN

ARGUMENTO ADAPTADO
BROKEBACK MOUNTAIN
CAPOTE
THE CONSTANT GARDENER
A HISTORY OF VIOLENCE
MUNICH

ARGUMENTO ORIGINAL
CRASH
GOOD NIGHT, AND GOOD LUCK
MATCH POINT
THE SQUID AND THE WHALE
SYRIANA

FILME ESTRANGEIRO
DON'T TELL
JOYEUX NOèL
PARADISE NOW
SOPHIE SCHOLL - THE FINAL DAY
STSOTSI

DOCUMENTÁRIO
DARWIN'S NIGHTMARE
ENRON: THE SMARTEST GUYS IN THE ROOM
MARCH OF THE PENGUINS
MURDERBALL
STREET FIGHT

FILME ANIMADO
HOWL'S MOVING CASTLE
TIM BURTON'S CORPSE BRIDE
WALLACE & GROMIT IN THE CURSE OF THE WERE-RABBIT

DIRECÇÃO ARTISTICA
GOOD NIGHT, AND GOOD LUCK
HARRY POTTER AND THE GOBLET OF FIRE
KING KONG
MEMOIRS OF A GEISHA
PRIDE & PREJUDICE

FOTOGRAFIA
BATMAN BEGINS
BROKEBACK MOUNTAIN
GOOD NIGHT, AND GOOD LUCK
MEMOIRS OF A GEISHA
THE NEW WORLD

GUARDA-ROUPA
BROKEBACK MOUNTAIN
CHARLIE AND THE CHOCOLATE FACTORY
MEMOIRS OF A GEISHA
MRS. HENDERSON PRESENTS
PRIDE & PREJUDICE
WALK THE LINE

MONTAGEM
CINDERELLA MAN
THE CONSTANT GARDENER
CRASH
MUNICH
WALK THE LINE

MAQUILHAGEM
THE CHRONICLES OF NARNIA: THE LION, THE WITCH AND THE WARDROBE
CINDERELLA MAN
STAR WARS: EPISODE III REVENGE OF THE SITH

BANDA SONORA
BROKEBACK MOUNTAIN
THE CONSTANT GARDENER
MEMOIRS OF A GEISHA
MUNICH
PRIDE & PREJUDICE

TEMA
"In the Deep" - CRASH
"It's Hard Out Here for a Pimp" - HUSTLE & FLOW
"Travelin' Thru" - TRANSAMERICA

EFEITOS VISUAIS
THE CHRONICLES OF NARNIA: THE LION, THE WITCH AND THE WARDROBE
KING KONG
WAR OF THE WORLDS

SOM
THE CHRONICLES OF NARNIA: THE LION, THE WITCH AND THE WARDROBE
KING KONG
MEMOIRS OF A GEISHA
WALK THE LINE
WAR OF THE WORLDS

EFEITOS SONOROS
KING KONG
MEMOIRS OF A GEISHA
WAR OF THE WORLDS

CURTA-METRAGEM ANIMADA
BADGERED
THE MOON AND THE SON: AN IMAGINED CONVERSATION
THE MYSTERIOUS GEOGRAPHIC EXPLORATIONS OF JASPER MORELLO
9
ONE MAN BAND

CURTA-METRAGEM
AUSREISSER (THE RUNAWAY)
CASHBACK
THE LAST FARM
OUR TIME IS UP
SIX SHOOTER

DOCUMENTÁRIO EM CURTA-METRAGEM
THE DEATH OF KEVIN CARTER: CASUALTY OF THE BANG BANG CLUB
GOD SLEEPS IN RWANDA
THE MUSHROOM CLUB
A NOTE OF TRIUMPH: THE GOLDEN AGE OF NORMAN CORWIN

http://www.oscar.com/nominees/list.html

2006-01-18T21:19:00.000+01:00

Globos de Ouro 2006

(os vencedores)

E os vencedores são... desta vez o suspense não foi muito e nas principais categorias os vencedores são os aguardados, confirmando que muito dificilmente a grande noite da Academia, os OSCARS, trarão alguma surpresa. "Brokeback Mountain" e Ang Lee, continuam imparaveis, a confirmação do duelo entre Joaquim Pheonix e Philip Seymour Hoffman prevê luta até à noite de 5 de Março, Reese Witherspoon parece em boa posição para colocar mão à estatueta, enquanto George Clooney vence como melhor actor secundário (por "Syriana"), lembro que George Clooney muito dificilmente sairá desagradado da Gala dos Oscars, ou não tenha o seu "Good Luck, good Night" em boa posição e ainda com o seu desempenho em "Syriana a ser reconhecido... de qualquer das formas é já uma figura a ter em conta.

Nas categorias de televisão, a vitória de "Donas de Casa Desesperadas" e "Lost" não é surpresa alguma, realço ainda a vitória de Steve Carrel como actor cómico pelo seu desempenho na serie "The Office" no continente americano.

Os vencedores:

-CINEMA

Melhor Filme: "O segredo de Brokeback Mountain", de Ang Lee

Melhor realizador: Ang Lee, "O segredo de Brokeback Mountain"

Actriz (drama): Felicity Huffman, "Transamerica"

Actor (drama): Philip Seymour Hoffman, "Capote"

Actriz (comédia ou musical): Reese Witherspoon, "Walk the line"

Actor (comédia ou musical): Joaquin Phoenix, "Walk the line"

Actriz secundária: Rachel Weisz, "O Fiel Jardineiro"

Actor secundário: George Clooney, "Syriana"

Melhor filme (comédia ou musical): "Walk the Line"

Melhor filme estrangeiro: "Paradise Now", Hany Abu-Assad (Palestina)

Melhor argumento: "O segredo de Brokeback Mountain", por Larry McMurtry e Diana Ossana

Canção original: "A love that will never grow old", de Gustavo Santaolalla, de "O segredo de Brokeback Mountain"

Banda sonora: "Memórias de uma Geisha", John Williams

-TELEVISÃO

Série: "Donas de Casa desesperadas"

Série (drama): "Perdidos"

Actriz (drama): Geena Davis, "Commander in Chief"

Actor (drama): Hugh Laurie, "House"

Actriz (comédia ou filme musical): Mary-Louise Parker, "Weeds"

Actor (comédia ou filme musical): Steve Carell, "The Office"

Actriz (mini-série ou filme): S. Epatha Merkerson, "Lackawanna Blues"

Actor (mini-série ou filme): Jonathan Rhys Meyers, "Elvis"

Actriz secundária (série, mini-série ou filme): Sandra Oh, "Grey’s Anatomy"

Actor secundário (série, mini-série ou filme): Paul Newman, "Empire Falls"

Mini-série ou filme: "Empire Falls"

Prémio de carreira Cecil B. DeMille: Anthony Hopkins

2006-01-15T14:27:00.000+01:00

"Jarhead - Máquina Zero" de Sam Mendes

Começa, "Jarhead" o espectador sente "Nascido para Matar" de Stanley Kubbrick. Desde o início se percebe que Sam Mendes iria percorrer a história de um género (filmes de guerra) tal como havia feito em "Caminho para a Perdição" (filmes de gangsters), sempre agarrado a uma estrutura clássica, se bem que quase nunca sem o impacto que seria pretendido.

"Jarhead" relata as vivências de um fuzileiro americano, que após a preparação militar é enviado para terrenos iraquianos durante a Guerra do Golfo, isso é extremamente claro e embora seja uma apresentação agarrada a constantes clichés, o certo é que está lançada a narrativa do filme, mas... e depois? Depois Sam Mendes aposta em explorar a psique das personagens, e é aqui que se encontra o verdadeiro problema de "Jarhead" nunca é claramente desenvolvido sobre que ponto é que se motivam aquelas personagens. Será pela ausência feminima, será pela tensão crescente e o medo da guerra, será a morte, será o amigo? Acaba por ser demasiada coisa para combinar numa sólida narração cinematográfica.

A espaços interessante e tenso, noutros excessivamente intimista, o que até não seria um aspecto negativo, não fossem os diálogos serem completamente vazios assim como a maioria das personagens.

É verdade que existe uma contenção no que diz respeito à contextualização política, como existe uma contenção em todo o filme, até no esperado momento de climax, ou seja o primeiro disparo, tudo soa a excessivamente forçado e sem motivação para tanto. Afinal o que nos diz a boca do actor é bem mais fraco do que nos diz o seu interior.

A tentativa de revisitar, ou reavivar o género dos filmes de guerra é completamente falhada, as referências aos filmes do género são muitas, mas serão referências ou meras faltas de criatividade ou medo de arriscar? O início tem o pulsar de "Nascido para Matar" assim como num dos mais bizarros e absurdos momentos do filme, a casa de banho respira do clima da obra de Stanley Kubbrick. Existe a referência directa a "Apocalipse Now" de Francis Ford Copolla (até o montador de "Jarhead" é o mesmo do filme de Coppola, Walter Murch) e "The Hunter" de Michael Cimino, sendo que tal "homenagem" acaba por acentuar a diferença de "Jarhead" para qualquer um desses títulos. "Jarhead" não é e não será um filme de guerra para recordar.

É verdade que não será um filme de guerra pura, é um filme de guerra interior, mas onde está ela, o que nos leva a acreditar nela, será o final meloso? É simples se a nossa alma não sente nada, então acreditamos nos nossos olhos, e assim "Jarhead" resume-se a um conjunto de belas imagens, fotografadas de forma vigorosa, mas que nada acrescentam ao restante vazio.

"Jarhead" é desde já uma da desilusões do ano, pois nunca agarrou um contexto com a devida força e acima de tudo tenta reformular um género, dando-lhe sangue novo, mas apostando numa estrutura clássica sem nunca ter uma eficácia plena. "Jarhead" é um fracasso em que só a imagem salva o filme da mediocridade.

NeTo - 3/10

2006-01-07T14:37:00.000+01:00

PRÉMIOS LUMIERE 2006

Projecto já desenvolvido no ano anterior pelo membros da Academia de Blogs de Cinema, este ano em novo formato, os prémios Lumiére serão entregues por 30 por trinta membros de jurí.
Projecto abraçado por Miguel Lourenço Pereira, o qual me contactou nos ultimos dias com o intuito de o ROLLCAMERA, ocupasse a vaga no jurí deixada em vago, pela saída de Duarte Oliveira. Sem muitas hipóteses, restou-me a decisão de aceitar integrar este juri composto por 30 nomes (30 Blogs), os quais conheço na sua totalidade e visito frequentemente.
Assim sendo, fica o agradecimento e a promessa que os meus votos serão entregues a tempo.
Os resultados finais serão divulgados no dia 28 de janeiro.

Lista do jurí:

Á Deriva

Mas Certamente Que Sim

Troll Urbano

Links relacionados

http://hollywood.weblog.com.pt/arquivo/2005/12/os_lumiere_esta.html
http://hollywood.weblog.com.pt/arquivo/2006/01/roll_camera_sub.html

2006-01-01T21:11:00.000+01:00

Boas Notícias para 2006

http://www.cigarettesandredvines.com/main.php?id=N01

Para começar bem o ano, nada melhor que uma boa notícia para animar. Paul Thomas Anderson ("Hard Eights", "Boogie Nights", "Magnólia" e "Punch Drunk Love") anuncia que este ano "teremos sangue" («There Will Be Blood»), o seu novo projecto, que antes tinha como título "Oil" como o livro do qual é adaptado. Não existem muitos pormenores sobre a produção ou actores, embora se fale em Daniel Day Lewis e claro nos actores que acompanha P.T.Anderson, ou seja, em 4 filmes, Philip Seymour Hoffman e em 3 filmes,John C. Reilly,Philip Baker Hall e Luis Guzman.

Podem confirmar o e-mail, no site em cima referido, como podem lê-lo já de seguida.

«thursday, december 23rd pta e-mail [for the christmas]

paul sent me a rather long e-mail this morning. some of the things he touched upon were:

his living room:"There's been lots of wonderful things in my part of the world lately and so much to be thankful for. There's a gorgeous tree in my house right now that smells so good I can barely get up to leave the living room."

new year's movie plans:"There will be a movie...Don't ask for details right now, but needless to say. this is a promise. it's very exciting and nerve-racking. it's been so long and i feel a bit rusty - but well rested. I imagine i'll come out of the starting block with way too much energy before I settle back into it. the comfort zone needs to be dismantled." »

Que P.T. Anderson volte em grande forma, é um dos desejos para o novo ano. Depois de um tempo de pausa, aguardamos mais uma lição de cinema.

2005-12-31T17:45:00.000+01:00

A Todos Um Próspero Ano de 2006

Boas entradas e que o novo ano seja bem melhor que o ano anterior.

2005-12-31T16:21:00.000+01:00

OS MELHORES FILMES

DE 2005

NeTo

- Million Dollar Baby

- Birth
- Crash

- Garden State

- Closer

- Alice

- De tanto bater o meu coração parou

- Broken Flowers

- Odete
- O Aviador

a_Pupila

- Alice

- Crash

- Million Dollar Baby

- Elizabethtown

- Longo Domingo de Noivado

- King Kong

- De Tanto bater o meu coração parou

- Garden State

- Fiel Jardineiro

- Fura Casamentos / À boleia pela Galaxia

Sir_Blackmore

- A Esposa Turca
- Alice
- Broken Flowers
- Million Dollar Baby
- Sin City
- Um peixe fora de água
- Last Days
- Odete
- A dama de honor
- Salto mortal

José Miguel Oliveira

- "Million Dollar Baby - Sonhos Vencidos" Eastwood mais negro e sombrio do que nunca na história mais comovente do ano…de uma simplicidade lancinante passa por aqui a limpeza de Howard Hawks ou John Ford, mas acima de tudo é “o filme” testamentário do ultimo dos clássicos. Crepuscular e transcendental.

- "Odete" o mais desesperadamente e romanticamente belo filme dos últimos tempos, em que a vida e a morte, os limites físicos e as fronteiras sexuais surgem diluídas para regressarmos ao amor como o mais puro do sentimentos. É a par do filme de Eastwood um filme que não pertence a este tempo. Ah…e Ana Cristina Oliveira como portentosa actriz. Sublime e corajoso.

- "Last Days — Últimos Dias" é o cume do cinema poético e de uma liberdade totalitária que Gus Van Sant vem praticando há alguns filmes.
Dispensando o aparato convencional de qualquer “biopic” fica o espírito e homenagem a um ícone e a uma geração. Arrepiante.

- "Broken Flowers — Flores Partidas" Bill Murray “on the road” américa fora na redescoberta de um passado e assombrado pelos seus ecos num dos filmes mais belos e amargos do ano.

- "Sideways" outro “road movie” a confirmar o olhar clínico e a subtileza de Alexander Payne na observação de uma américa interior e de personagens em perda.

- "Um Peixe Fora de Água" o “Weird” Wes Anderson juntou-se ao “Weird” Bill Murray e aconteceu o mais louco, inclassificável e um dos mais tocantes filmes dos últimos tempos.

- "O Aviador" Martin Scorsese mesmo inserido na máquina de Hollywood e num filme que não era seu consegue incutir na película e na figura “bigger than life” de Howard Huges as marcas e as obsessões do seu cinema… como os clássicos.

- "Guerra dos Mundos" paradoxalmente ás convenções e aos géneros Spielberg dá-nos um dos filmes mais híbridos do ano.
Remake do filme de Byron ?, adaptação do livro de Wells? Blockbuster? Mais parecia uma série-B milionária realizada com espírito clássico.

- "A Nossa Música" Godard, sempre Godard, só Godard para nos oferecer um primor de beleza, poesia e reflexão dos nossos tempos, uma obra para sentir e habitar.

- "Alice" Marcos Martins apaga tudo o que existe à volta de uma personagem em perda, um Pai obcecado em encontrar a filha perdida, para deixar deambular durante o filme todo pelas ruas de uma Lisboa como nunca a vimos uma crença e uma loucura inapagáveis.

2005-12-31T15:31:00.000+01:00

As figuras de 2005
(Técnicos e interpretação)

MELHOR REALIZADOR

Clint Eastwood (Million Dollar Baby)

Jonathan Glazer (Birth)

Jim Jarmush (Broken Flowers)

Marco Martins (Alice)

Jacques Audiard (De tanto bater o meu coração parou)

MELHOR ARGUMENTO ORIGINAL

Crash (Paul Haggis & Bobby Moresco)

I Heart Huchabees (David O. Russel & Jeff Baena)

Alice (Marco Martins) The Life Aquatic with

Steve Zissou (Wes Anderson & Noah Baumbach)

ElizabethTown (Cameron Crowe)

MELHOR ARGUMENTO ADAPTADO

Million Dollar Baby (Paul Haggis)

Millions (Frank Cottrell Boyce)

O Fiel Jardineiro (Jefrey Caine)

Closer (Patrick Marber)

Charlie e a Fábrica de Chocolate (John August)

MELHOR ACTOR PRINCIPAL

Romain Duris (De tanto bater o meu coração parou)

Nuno Lopes (Alice)

Johnny Depp (Charlie e a Fábrica de Chocolate)

Bill Murray (Broken Flowers & The Life Aquatic with Steve Zissou)

Javier Bardem (Mar Adentro)

MELHOR ACTRIZ

Hillary Swank (Million Dollar Baby)

Nicole Kidman (Birth)

Audrey Tautou (Um Longo Domingo de Noivado)

Beatriz Batarda (Alice)

Emmy Rossum (O Fantasma da Opera)

MELHOR ACTOR SECUNDÁRIO

Morgan Freeman (Million Dollar Baby)

Clive Owen (Closer)

Matt Dillon (Crash)

Michael Pena (Crash)

Mark Wallberg (I Heart Huchabees)

MELHOR ACTRIZ SECUNDÁRIA

Natalie Portman (Closer)

Cate Blanchet (O Aviador)

Kirsten Dunst (Elizabethtown)

Toni Collete (In Her Shoes)

Rachel Weisz (O Fiel Jardineiro)

CINEMATOGRAFIA

Birth (Harris Savides)

Million Dollar Baby (Tom Stern)

Alice (Carlos Lopes)

Odete (Rui Poças)

Last Days (Harris Savides)

MONTAGEM
O Aviador (Thelma Schoonmaker)

Million Dollar Baby (Joel Cox)

Birth (Sam Sneade & Claus Wehlish)

Broken Flowers (Jay Rabinowitz)

Garden State (Myron Kerstein)

BANDA SONORA
Alice (Bernardo Sassetti)

Million Dollar Baby (Clint Eastwood & Kylew Eastwood)

Charlie e a Fábrica de Chocolate (Danny Elfman)

Garden State (Vários)

Elizabethtown (Vários)

DIRECÇÃO ARTÍSTICA

Charlie e a Fábrica de Chocolate

Um Longo Domingo de Noivado

O Aviador

EFEITOS VISUAIS

Sin City

Guerra dos Mundos

StarWars III - A Vingança dos Sith

SOM

Last Days

Sin City

War of the Worlds

2005-12-31T02:09:00.000+01:00

"King Kong" de Peter Jackson

Após a adaptação da triologia “O Senhor dos Aneis”, Peter Jackson tem o seu regresso com o remake, com aquele que aponta como um dos filmes da sua vida “King Kong”, filme datado de 1933.
Esquecendo as comparações com o filme original, pois os tempos são outros, os contextos sociais também e acima de tudo as audiências são muito difeterntes, “King Kong” de Peter Jackson é um objecto feito para agradar às massas, repleto de grandes actores apelativos, efeitos especiais e sequencias de acção sem limites.

O objectivo público foi alcançado, o sucesso garantido e Peter Jackson passa a ser um dos mais aclamados e respeitados (e claro mais susceptível a críticas) nomes da indústria.

Em “King Kong” Jackson não arrisca, a fórmula tecnica utilizada na triologia “LOTR” é repetida, mas neste caso torna-se extremamente irritante e completamente despropositada.
O início do filme é sereno e coeso, são apresentadas as personagens as suas motivações e intençõesa. A viagem para Skull Island é sofocante e a cada segundo o ambiente vai ficando mais negro e denso, mas chegados à ilha somos completamente bombardeados por um festival de efeitos especiais e muitas sequências de acção filmadas (ou “digitalizadas”) com os mesmo recursos tecnicos que em “LOTR”, assim como os planos aereos, aqui em menor numero mas que demonstram a apetencia de Jackson para o «show off».

É bem verdade que Peter Jackson gosta de “show off”, é um belo publicitário, como é um realizador interessante, mas desta vez existe uma incoerência no tratamento dos muitos efeitos especiais, é verdade que temos um King Kong hiper-realista (graças ao trabalho corporal de Andy Serkys) as expressões, o olhar, os gestos e o movimento dos pêlos... mas ao contrário temos por vários momentos criaturas (Dinossauros, Larvas (?) e afins) e espaços animadas com um estilo pictórico excessivamente estilizado, foi opção? A meu ver não gosto.

A nível narrativo, temos uma apresentação cuidada, mas que o desenvolvimento destroi rapidamente, «desaparece» por completo a personagem de Adrien Brody, a personagem de Jamie Bell é recuperada a espaços e esquecida noutros, embora outros detalhes existam de grande qualidade. A personagem de Jack Black é um dos grandes trunfos, desde logo a mais complexa, a que mais mudanças suporta e a mais presente ao longo do filme, assim como a relação afectiva entre King Kong e a bela Naomi Watts. Num dos mais curiosos e interessantes momentos Kong vê pela segunda vez o pôr-do-sol, com a sua «prisioneira», bate no peito... é a repetição do gesto que a bela mulher lhe fizera com o intuíto de comunicar a beleza da paisagem que viam, simples e suficientemente forte para marcar a relação entre os dois. Assim como o encontro na cidade, no meio de tanta confusão o silêncio e a calma tomam conta do espaço e os dois seres tão diferentes trocam olhares, magnífica elaboração cénica e ambiental.

Mas se é verdade que Jackson criou uma relação entre a “bela e o monstro” é verdade que se esse fosse o seu objectivo o poderia ter explorado ainda mais, perdia uns momentos frenéticos de acção, mas poderia ganhar uma das mais belas histórias do ano. Não construiu um drama, construiu um filme de aventura e nesse ponto até cumpre, embora tecnicamente muito fique aquém das espectativas.

Mas o que realmente penso que vale a pena salientar é o facto que Peter Jackson tem talento para ser um grande realizador, basta apenas recordar a sequência inicial ou a dança frente ao monstro, mas o talento é por vezes ultrapassado por uma fome pelo espectáculo e o que tão bem constroi acaba encoberto por momentos de menor qualidade.

Apesar de tudo, “King Kong” é mais uma prova de coragem por Peter Jackson, e é bom que se diga se não fosse ele, não haveria remake do gorila gigante, nem trilogia de “LOTR” e nem metade das adaptações literárias de fantasia que se adivinham, mas “LOTR” ainda é a obra de referência na carreira de Jackson e por este andar continuará.

NeTo – 5/10

_______________________

"King Kong" de Peter Jackson

Muita gente pode cair na tentação de achar que King Kong vale pelos seus efeitos especiais. Digo já de antemão, que de efeitos especiais está “O Senhor dos Anéis” muito melhor servido. Mas se há uma coisa que não se poderia descurar, como Gollum no Senhor dos anéis, era a fisionomia do gorila gigante. E neste Peter Jackson concluiu uma homenagem perfeita ao seu filme de eleição. Kong ama , odeia, inveja e entristece-se , Kong na verdade e graças a Peter Jackson sente. Há momentos absolutamente românticos, de tão raros hoje em dia onde tudo anda sempre tão gasto, Jackson consegue transformar o que inicialmente poderia ser ridículo em momentos de imensa ternura e romance: falo do por do sol, e da dança no gelo. Momentos que não necessitam de explicações onde o silêncio das personagens transborda um entendimento completo entre a bela e a besta.

Outra coisa que me faz adorar o King Kong e o Peter Jackson em si. É a utilização correcta dos efeitos que o cinema lhe dispõe. Numa altura em que o slow motion é utilizado para mostrar com mais nitidez as jóias de algum rapper decidido a ser estrela de cinema, Peter Jackson faz uma utilização correctíssima delas, lembro me agora da altura em que Ann apercebe se que não estão lá para salva-la mas sim para capturar Kong. É uma câmara lenta tão expressivo, tão completo e tão bem posicionado que é difícil não amar aquele plano e toda a sua subtileza num filme desta imensidão. Felizmente este não é caso único. Este filme sobrevive, e foi algo que muito me surpreendeu, sobretudo de grandes planos. Coisa que não surpreende assim tanto se tivermos em conta os actores que foram contratados. Naomi Watts igual a ela própria é divina, Adrien Brody de uma doçura inegável e Jack Black que tem quanto a mim a prestação mais surpreendente e poderosa do filme, arrebata todas as atenções. Mas de todas elas , e todas elas são magnificas há também a registrar os grandes planos do gorila gigante que transmitem tanta ou mais emoção que muitos actores que por ai andam.

É disto que gosto no King Kong , é a capacidade que existe no meio de uma produção gigantesca investir alma a uma historia, tantas vezes contada ( a besta que ama a bela , é no fundo a base da maior parte das historias de amor) e aqui tão magicamente única.
Tantas coisas não serão ditas sobre o King Kong, confesso que preciso de o rever, mas também para quê estragar a magia da sala de cinema …

a_ Pupila - 9/10

2005-12-30T21:13:00.000+01:00

"Odete" de Joao Pedro Rodrigues

Estreado na última semana do ano “Odete” corre o risco de cair no esquecimento do público, seja pelo encobrimento de outros títulos (“Corpses Bride” ou “King Kong”),seja pelo facto de ser um filme português.

Em boa verdade é um poema em bruto, um filme sobre um fantasma que não se vê apenas se sente, um filme de amor, de ausências, de obsessões e de morte.
Cada personagem vale o que vale, o espaço é uma personagem, o som (silêncio) é uma personagem, cada corpo cada objecto fazem parte de uma personagem. Que espaço existe? Pouco, mais visível no início, escuro e escondido no final. Sempre fotografado com detalhe cada personagem se sobrepõe a um espaço real, sendo o espaço um complemento interior de cada personagem.
Cada personagem são seres deslocados, seres alienados, destruidos alimentados por desejos e obsessões. Cada personagem alimenta-se de situações limites, praticamente inacreditaveis, que apenas acentuam o sentido poético da obra de João Pedro Rodrigues.

São os toques «sobrenaturais» que João Pedro Rodrigues dá a um mundo real (pelo menos para alguns) que tornam “Odete” uma obra tão deslumbrante, seja o vento que inrompe pela janela, ou a imensa chuva que se abate sobre o casal no momento da «despedida», ou ainda pelo brutal e cruel plano final onde temos a aceitação, ou a mera presença eterna do «amor».

Podemos concerteza afirmar que é uma obra romântica, o sentimento rege todo o filme, seja a perda ou a necessidade de ocupar um espaço vazio na própria vida ou na vida do próximo.
“Odete” é filmada de forma crua, inicialmente como um confronto, o fabuloso campo contra campo do velório, é um exemplo claro de invasão de espaços que mais tarde é nada mais que uma aproximação vital para a vida de ambos.

Muito mais poderia ser dito em relação a “Odete”, mas um segundo visionamento permitirá extrair ainda mais a elegância da câmara de João Pedro Rodrigues, assim como todos os pequenos detalhes que constroem toda a narrativa, a quente “Odete” é uma obra que nos mantem frios e fechados, mas passadas algumas horas é como se o “fantasma” nos falasse ao ouvido e nos abrisse uma nova visão sobre um amor eterno.

NeTo- 9/10

___________________________________
___________________________________

"Odete" de Joao Pedro Rodrigues

Poderemos dizer que a beleza compulsiva e as fulgurantes pulsões que percorrem toda esta segunda obra de João Pedro Rodrigues derivam do outro mundo, isto porque depois do belíssimo preludio – poucas vezes um “close up” e uma jura de amor eterno foram tão belos e terminais – todos os corpos e todos os rostos surgem assombrados pela incapacidade de fazer um luto e de ultrapassar um fim, num desespero olímpico que conduz esses corpos e esses rostos magoados a forçarem todos os limites verosímeis e credíveis em busca de um desejo e de uma obsessão, possuídas por forças inclassificáveis que não controlam e que conduzem inevitavelmente á destruição de todas as barreiras físicas e sexuais, é o enaltecimento absoluto do amor.

Tão forte e tão sublime, tão desesperadamente romântico, passa por aqui o fetichismo lúgubre de hitchcock, Vertigo claro, do melodrama de Sirk e o melhor cinema romântico do período clássico americano, bem como o distanciamento revelador de Bresson…amalgama híbrida e originalíssima de um cinéfilo compulsivo em direcção a uma catarse própria.

E depois de “O Fantasma” eis que se podem sentir vibrantemente todas as marcas autorias do realizador: a perfeição e genialidade dos movimentos de câmara e dos enquadramentos, a beleza inaudita da fotografia de Rui Poças, um som envolvente e muito bem criado e aqui uma banda sonora luxuriante e apropriadíssima…e depois o prolongamento e não a repetição dos temas do filme anterior, aliás este filme com todas as variações do antecessor podia-se chamar também “O Fantasma”.

José Miguel Oliveira - 10/10

2005-12-30T19:48:00.000+01:00

"Broken Flowers" de Jim Jarmush

Inserir "Broken Flowers" num «pacote» de comédia romântica é de uma crueldade tremenda, acima de tudo "Broken Flowers" é um filme de viagem, neste caso temporal e espacial, quase que apetece dizer que "Broken Flowers" é um filme de filme de ficção-científica.
Bem sei que a visão de Jarmush é do mais real e consequentemente caótica possível, mas ao pegar numa personagem presa ao seu mundo e obriga-la a partir em descoberta do desconhecido, para destapar um passado é o mesmo que o colocar na máquina do tempo.

Seguimos a vida de Don (uma clara referência a Don Juan), um homem agora solitário, que recebe uma carta anónima que tem um filho. Com a ajuda do seu pseudo-detective e vizinho, decide embarcar numa viajem de visita às possíveis mães do seu filho, ou seja as suas ex-namoradas.
Esta viagem leva Don a uma mudança de espaço, já não está no seu confortável sofá, leva-o também a enfrentar uma realidade aparentemente desconhecida, ou seja, as suas ex-namoradas e as consequentes mudanças ocorridas nas suas vidas.

A cada visita Don, é confrontado com o passado e com o presente, e nada parece reconhecer. Está num mundo diferente, o tempo passou e tudo mudou.
A cada minuto Don procura o seu filho, aquele que ele próprio não queria aceitar, mas que agora tem a necessidade de ter e conhecer, afinal o tempo também alterou Don.
O final, um dos mais belos finais é ambíguo e uma clara referência as ligações passadas e futuras de Don, qual o caminho a seguir? Está no meio do cruzamento que caminhos existem?

Jim Jarmush retoma o cinema clássico e mudo, marcando claramente cada sequência (uma espécie de sketch). A precisão de cada enquadramento, a contenção de recursos tecnicos e acima de tudo o ritmo e a exploração de cada personagem, feita pelo detalhe e não por uma boca falante. Para o sucesso da personagem contou sem qualquer tipo de dúvida um desempenho contido de Bill Murray, pode não ser novidade, mas haverá mais alguém capaz de fazer o que Murray faz? É o olhar triste, é a contenção, é o nervo e acima de tudo a pose.

"Broken Flowers" foi vencedor do Prémio do Juri do Festival de Cannes, justo não sei, apenas sei que Jim Jarmush nos concedeu o prazer de assistir a um dos mais belos filmes do ano.

NeTo - 9/10

http://manualdosinquisidores.blogspot.com/2005/12/free-cinema.html

2005-12-30T19:13:00.000+01:00

"O Fatalista" de João Botelho

Poderemos nós acreditar nos nossos olhos?
"O Fatalista" de João Botelho, é uma obra ambígua, onde o que vemos não é o que realmente vemos. Passo a explicar, acompanhamos a viagem de um patrão e de empregado (chamemos-lhe "road movie" (?)) mas a certo momento o patrão não parece ser o patrão e o empregado não parece ser o empregado. Ou ainda melhor o narrador constantemente remete a história desenrolada no ecran para uma interactividade com o público, sendo que no final arriscado e surpreendente a resposta para tais comportamentos é dada, ou pelo menos é dada uma pequena pista cabendo a cada um a sua interpretação.

Estamos perante uma obra filosófica com contornos burlescos e humor cruel, as interpretações são tremendas e em que a realização de João Botelho é simples, mas muito detalhada. A visão artística, teatral é nos dada desde logo seja pelas personagens seja pela iluminação, onde existe uma clara referencia clássica.

É um claro jogo de aparência sociais, e de consequente crítica. Adaptado de "Jacques le Fataliste" de Denis Diderot, o argumento mantem-se bastante actual, embora apartir do meio do filme, a narrativa seja em parte interrompida e a relação do espectador com a personagem Tiago (Rogério Samora) é quebrada com a inclusão de uma negra e cruel história que embora interessante (nem que seja pela grande Rita Blanco) aparece completamente deslocada em termos de ritmo da restante narrativa.

Assim, "O Fatalista" acaba por ser um belo e estimulante exercício de cinema, capaz de cativar a audiência, soltar um sorriso do rosto da mesma e ainda surpreender, num arrojado final que provocará por uns bons momentos uma bela conversa.
Para quem tem dúvidas que em Portugal o cinema está vivo.

NeTo - 7/10

2005-12-30T18:42:00.000+01:00

"Flightplan — Pânico a Bordo" de Robert Schwentke

Jodie Foster volta aos ecrans após "Sala de Pânico" de David Fincher, e mais uma vês a um thriller.
Desenrolado no ambiente claustofóbico e intimidador que é um avião a muitos pés de altura. Mas não fosse Jodie Foster e possivelmente este vôo de Robert Schwentke teria acabado ainda pior. A pretenção de criar um grande thiller, levou Robert Schwentke à tentativa desesperada de copiar formulas de outros realizadores e ainda mais esquecer em grande parte as personagens e a narrativa.
Muitos poderão achar que "Flightplan" tem um «twist» eu acho que não, nada levava a tal desenrolar e acaba por apanhar o espectador de surpresa (pela negativa), chegando eu mesmo a questionar-me se não haveria ali um salto na projecção.
Tanto querer mas no final um enorme vazio apenas salvos por alguns grandes planos de Jodie Foster, embora tecnicamente todo o filme seja um vazio tremendo onde o recurso à câmara lenta é contante e inadecuado.

NeTo - 2/10

2005-12-30T18:24:00.000+01:00

"In Her Shoes" de Curtis Hanson

O que primeiro salta à vista no novo filme de Curtis Hanson ("L.A. Confidential") é o fantástico trabalho do elenco, Toni Collette em particular, auxiliada por Shirley MacLaine e Cameron Diaz.
"In Her Shoes" será um filme de detalhes, sejam narrativos ou tecnicos, sejam físicos ou sentimentais. Temos personagens em constante mudança, temos espaços como espelho sentimental, e temos uma elegancia tecnica... pena é que tanta elegância provoque a espaços uma perca de ritmo e consequencia narrativas visíveis, caindo a espaços em banalidades.
"In Her Shoes" acaba por ser um objecto cinematográfico bastante interessante e a exemplo fica o realce dos momentos finais de inegável beleza.

NeTo - 7/10

2005-12-30T18:13:00.000+01:00

"Wallace & Gromit: A Maldição do Coelhomem" de Steve Box & Nick Park

É bem verdade que a nível técnico o cinema de animação tem sofrido uma enorme transformação e evolução, os estúdios praticamente apostam na animação digital em deterimento dos métodos clássicos. Assim, os estúdios Aardman, acabam por trazer uma lufada de ar fresco, com o seu novo filme, animado em stop-motion com figuras em plasticina.
É verdade que a técnica é imensamente trabalhosa e não é menos verdade que tecnicamente o filme é um regalo para o espectador, mas como muitas outras obras de animação é a narrativa o grande problema. A criatividade não vai para além da repetição de gags ou momentos de inspiração retirados de alguns clássicos.
De qualquer forma "Wallace & Gromit" é possivelmente a nível do cinema de animação a melhor proposta que chegou até nós no ano de 2005.

NeTo - 6/10

2005-12-30T15:56:00.000+01:00

"Stealth" de Rob Cohen

Alguma razão terá havido para que "Stealth" tenha sido um dos maiores fracassos comerciais e cinematográficos do ano. Razão não... mas razões.
É uma filme onde o humano (neste caso três pilotos de caças da força aérea), tentam derrotar um projecto militar (“Extreme Deep Invader – EDI”) que não é nada mais que um programa de inteligência artificial que pode provocar o início da III Guerra Mundial.
A falta de inteligência é brutal, que saudades temos nós de "2001 - Odisseia no espaço", regido pela mestria de Kubbrick.
Rob Cohen é uma aspirante a Michael Bay, e tem tudo e ainda mais para conseguir afundar os seus filmes em muitas e más sequencias de acção, onde qualquer conceito ou ideia se tornam ridiculos ou meramente secundários, transformando um filme numa rebaldaria desconexa.
Em "Stealth" foram gastos 13o milhões de dolares, e não foi gasto o mínimo de inteligência ou inspiração, resta agarrar em pequenos momentos em que as críticas à governação militar é posta em causa, mas apenas isso.

NeTo - 1/10

2005-12-30T15:49:00.000+01:00

"Uma Sogra de Fugir" de Robert Luketic

As espectativas não eram muitas, apenas o facto de assistir ao regresso de Jane Fonda ao grande ecran.
"Uma Sogra de Fugir" é igual a um enorme numero de comédias americanas que nos invadem semana a semana, sem nada de muito interessante a comunicar e apenas a espaços "roubando" um sorriso a plateia, sendo a aposta na "pequena veterana" actriz Wanda Sykes, mais que acertada.
No geral é uma obra insignificante, que apenas sobrevive pelos belos improvisos de Wanda Sykes e só mesmo isso o salva da miséria absoluta que são muitas outras comédias.

NeTo - 3/10

2005-12-30T15:44:00.000+01:00

"Star Wars: Episódio III — A Vingança dos Sith" de George Lucas

E assim termina o prelúdio que anunciava o final da saga, mas que apenas dá início à verdadeira saga. Nasceu o Herói, nasceu o Vilão. Esta "nova" saga nunca se afirmou narrativamente, existia o dark side, porque sabiamos que tinha que existir, não havia um grande heroi e muito menos um vilão. Haviam sim criaturas digitais ridículas e uma preferencia por efeitos especiais e sequencias de acção em deterimento dos diálogos e as personagens. Salva-se Ewan McGregor num enorme esforço de salvar cada uma das suas cenas, acabando a sua força e tensão, por ser destruida por mais um de mil e um artifícios. De salvar que o melhor momento só poderia ser o final, onde o herói e o vilão se "cruzam" neste mundo e em que finalmente a câmara de Lucas acalma e filma com precisão o nascer de Lord Vader e o seu respirar.
Pena que a saga "Star Wars" seja composta por mais estes três filmes, o que antes era uma obra cinematográfica, tem agora um prelúdio apenas gráfico.

NeTo - 4/10

2005-12-29T00:09:00.000+01:00

"The Woodsman" de Nicole Kassell

Uma interessante visão da pedófilia pelo lado do pedófilo. Pode parecer em tudo estranho, mas é verdade. Em tons depressivos a primeira longa-metragem de Nicole Kassell acompanha a "viagem" de redenção e inserção na sociedade de um ex-condenado, por pedófilia.
Interessante é a abordagem serena e simplista da realização, assim como a ideia e conceito ao qual se agarra o argumento original, criando uma forte e inteligente ligação com o conto infantil "O capuchinho vermelho".
Para ser visto por tudo isto, e ainda por uma fabulosa construção de personagens das quais se destacam um enorme Kevin Bacon, esquecido pela Academia.

NeTo - 7/10

2005-12-28T23:58:00.000+01:00

"A Noiva Indecisa" de Gurinder Chadha

Gurinder Chadha após "Bend it like Beckham" volta a tentar colocar o "mundo indiano" no "mundo ocidental". Se no seu primeiro filme eram apenas aspectos envolvendo personagens, nesta nova visão sobre o livro "Orgulho e Preconceito", de Jane Austen, Gurinder Chadha envolve o forma típica do cinema indiano, com uma narrativa extremamente hollywoodesca e o resultado é um objecto fraco e extremamente desiquilibrado.
Se a estática a espaços é fabulosa, a narrativa pelo seu lado é cansativa e ineficaz, devido em parte a um elenco mais preocupado em desfilar e sorrir, do que em representar.
"A Noiva Indecisa" é o que podemos chamar um "cliché" em bruto, em que as diferenças culturais, os ricos, os pobres, os bons e os maus, são meras figura bidimensionais, que nem as musicas indianas (cantadas em americano) e a côr conseguem salvar.

NeTo - 3/10

2005-12-28T23:48:00.000+01:00

"Spanglish" de James L. Brooks

Respirando do cinema clássico, James L. Brooks volta ao seu ambiente, à comédia romântica recheada de personagens movidas por convulsões sentimentais sem nunca esquecer os diversos factores sociais.
Que a América é um país multi cultural não é novidade para ninguém. Muitos foram e são os estrangeiros que procuram alcançar o «american dream», e "Spanglish" é uma visão interessante de um dos mais interessantes de comédia romântica (dramática).
Com um elenco tremendamente eficiente, no qual se destacam Adam Sandler, Téa Leoni, Paz Vega, Cloris Leachman, "Spanglish" é uma das comédias mais interessantes do ano, para além de nos apresentar um Adam Sandler bem acima da média.
Para ver e recordar os momentos altos de Brooks, em "Laços de Ternura" e "Melhor é Impossível".

NeTo - 7/10

2005-12-27T22:05:00.000+01:00

ENTRE AS IMAGENS

“Rashomon” de Akira Lurosawa (1950)

De Akira Kurosawa são sobretudo famosos pelo menos junto de um publico e dos ecos, os seus monumentais épicos, por exemplo “Os Sete Samurais”, 1954 ou “Ran”, 1985, especialmente nos últimos tempos em que se têm evocado o nome do mestre e por arrasto estes épicos para justificar e comparar as batalhas da trilogia de “O Senhor dos Anéis”.
Kurosawa sempre foi também reverenciado por muitos dos “movie-brats” dos 70´s, de Lucas que é sabido inspirou-se e muito em alguns dos elementos mais “fantásticos” dos seus filmes para construir o seu universo e a “space opera” de “A Guerra das estrelas”, Spielberg que sempre o assumiu como uma das influencias máximas, tendo inclusive ajudado na produção de uma das suas obras finais, “Dreams”, 1990, ou mesmo a sua evocação por Leone nos seus geniais “Westerns “ ou mesmo “ Os Sete Samurais” convertido em “Os Sete Magníficos” por John Sturges em 1960… enfim gerações de cinéfilos admiradores e devedores da sua obra…

Mas depois existem filmes mais pequenos em escala, nunca por nunca menores, mais íntimos se quisermos, onde o realizador desenha com um rigor impressionante a sua percepção sobre a natureza dos homens e dos seus feitos, analisemos “Rashomon” de 1950.

Tudo começa num templo, no século X, no Japão, vemos a placa e o nome deste, uma série de imagens características do templo, música tradicional, misteriosa, depois o silêncio tudo envolto em chuva…sempre a chuva, e com isto somos rapidamente introduzidos no universo lancinante e poético de Kurosawa.

Logo depois entramos no templo, dois homens, um lenhador e um bonzo, ambos discutem o mal dos tempos e dos homens, um deles começa: “Não entendo... Simplesmente não entendo”, continua: “Não entendo em absoluto” e ainda: “Simplesmente não entendo” a reacção do outro é de espanto perante a perplexidade deste, pouco depois atira sublinha: “Nunca ouvi uma história tão estranha”…e com isto está dado o mote rumo ao questionamento dos homens e das verdades.

A História contada pelo homem: Um Samurai e a sua mulher passavam tranquilamente numa floresta, são atacados por um bandido, o homem surge morto.
Uma série de questões são postas durante o processo que vemos em flashbacks: O assassino terá violado a mulher? A esposa terá consentido? O marido acobardou-se? Fugiu e Suicidou-se?

Cada um dos protagonistas vai ter uma resposta diferente, isto literalmente, pois até o homem morto vai ter oportunidade de expor o seu ponto de vista através de uma feiticeira, num momento de puro êxtase emocional.

Três pontos de vista portanto, a mulher, o homem morto e o assassino? Errado, o lenhador que está presente no templo também presenciou a tudo escondido na floresta.
Entramos então num dispositivo de avanços e recuos em direcção aquilo que mais tarde nos damos conta e nos consciencializamos: uma quimera.
Uma quimera porque depois de expostas as “verdades” de cada um dos envolvidos, temos quatro verdades possíveis, o que estilhaça qualquer noção de ordem ou de fidelidade relacional, entre o homem e a mulher, por exemplo, da parte do lenhador, supostamente integro.

No final a adopção de um bebé por parte do lenhador fica como um raio de esperança? …uma redenção? …é ambíguo, sobretudo ambíguo, e o espectador impotente perante o dilema recebe como que um choque de consciencialização.

E o filme é absolutamente magnífico, desde as cenas da floresta em que somos embalados por uma partitura em estado de graça, passando pela poesia dos rostos, dos corpos e dos espaços e pela absoluta geometria dos enquadramentos do Mestre – sente-se que poucos realizadores terão trabalhado assim maniacamente e elegantemente o culto do enquadramento – somos literalmente esmagados pela elevação superior do todo.

Quanto ao mecanismo, que aqui é tão anti mecânico sobretudo pela fluidez imprimida, remete claramente para as variações feitas por Tarantino em “Jackie Brown” ou para os célebres episódios da série de Hitchcock mas obviamente o filme é anterior e então ficamos pasmados a assistir a algo tão brutal de todos os pontos de vista, a algo tão belo e perfeito.

JOSÉ OLIVEIRA

Título em Português: "Rashomon, às portas do inferno"

2005-12-25T23:33:00.000+01:00

"O Segredo dos Punhais Voadores" de Zhang Yimou

Zhang Yimou anteriormente havia apresentado "Hero", um filme visualmente e narrativamente estimulante envolto numa ambiguidade que o tornava num dos mais belos filmes dos ultimos anos.
Em "O Segredo dos Punhais Voadores" a beleza fotográfica está presente, mas a eficácia narrativa e acima de tudo o ritmo da acção, prejudicam tão belas e poéticas imagens.
Sem ser tão eficaz como o antecessor, "O Segredo dos Punhais Voadores" é igualmente estimulante a nível visual, mas a espaços torna-se cansativo e acima de tudo uma repetição e um mero exercício de estilo.

NeTo- 6/10

2005-12-25T23:18:00.000+01:00

"Mar Adentro" de Alejandro Amenábar

A facilidade de acusar este filme sobre a eutanásia, de tendêncioso e lamechas era enorme, mas Amenabar cria um melodrama com contornos fabulescos.
Javier Bardem encarna Ramon Sanpedro, vítima de um acidente que o remete eternamente para uma cama, o seu objectivo na vida passa a ser a libertação, ou seja a morte.
É uma história de morte e amor, onde a o amor se opõe à morte e em que o amor leva a morte.
Uma visão intensa e a espaços bela e pura, que facilmente estimulará o espectador a uma atenta reflexão sobre tão delicado assunto.
Apenas de salientar a ausencia quase total do aspecto juridico, remetendo toda a acção para o conflito social, mas uma pequena incursão pelo tribunal é mesmo o destoar de toda a narrativa.
Vencedor do Oscar para melhor filme de lingua não inglesa, "Mar Adentro" é uma obra que demonstra que o cinema europeu é ainda uma fonte de pureza cinematográfica.

NeTo- 8/10

2005-12-24T17:18:00.000+01:00

"O Maquinista" de Brad Anderson

O denso ambiente e o argumento de contornos negros, integram a audiência num estranho e apelativo mundo criado para dar forma ao novo thriller psicológico de Brad Anderson.
Se a forma cativa facilmente, o seu conteúdo fica bastante longe do que era pretendido e de claramente de todas as referências que Anderson trazia para a obra.
Acaba por resistir no meio de uma imensa superficialidade e de uma inoperância narrativa, o corpo "formado" e seco de Christian Balle, nada mais que osso e pele, a encarnar um homem perturbado que deixou de durmir há um ano.
A espaços interessante, mas no final falta um pouco de coragem de levar a "máquina" mais longe.

NeTo - 4/10

2005-12-24T17:04:00.000+01:00

"House of the Dead" de Uwe Boll

Nos muitos filmes estreados nas nossas salas existem dois que se distinguem dos restantes, e ambos são assinados por Uwe Boll.
Ao abrir do ano cinematográfico estreou "House of the Dead", adaptação do videojogo com o mesmo nome.
Sem qualquer motivo de interesse, estamos perante um não filme, um enorme amontoado de imagens e fragmentos do jogo, sem nunca esquecer os efeitos sonoros desde o Game Over até ao arranhar dos Zombies.
Fraco, sem nexo e vergonhoso

NeTo - atentado ao cinema

2005-12-24T17:00:00.000+01:00

FELIZ NATAL A TODOS

Nos próximos dias e a caminho do próximo ano, farei a revisão do ano cinematográfico, e para isso fazendo pequenos comentários a alguns filmes que foram vistos mas nunca comentados.

Cumprimentos e Um Feliz Natal.

2005-12-18T23:15:00.000+01:00

PROXIMA ESTREIA

"ODETE" de João Pedro Rodrigues

Sinopse

“O filme é sobre como ultrapassar o abandono da pessoa que se ama, como viver depois da morte da pessoa que se ama, como fazer o luto, como sobreviver. A Odete é uma rapariga que quer ter um filho, o namorado não quer, abandona-a, e ela vai pedir a um fantasma que lhe faça um filho e acaba por se transformar num fantasma.” - João Pedro Rodrigues

Realizador

João Pedro Rodrigues é o cineasta formado na conservatória de Lisboa premiado em Veneza com a curta-metragem “Parabéns” em 1997 e que em 2000 com “O Fantasma” realiza aquele que pode ficar como o filme mais radical, inovador e corajoso que o cinema português pode apreciar em largos tempos, conto nocturno, quase como uma banda desenhada, em que um corpo vagueia pela noite lisboeta em busca de um desejo e de uma obsessão.
No filme, uma odisseia estonteante, em clima sufocante e irrespirável pelo meio do lixo, podia-se apreciar um saber enciclopédico do cinema e o domínio de todos os recursos e matérias do realizador, ao mesmo tempo que existia nele uma vontade de reinvenção que insuflava o filme de uma candura e de uma poética inocente, acabando este numa mistura híbrida ente Nosferatu e Batman.
“O Fantasma” competiu na competição oficial de Veneza e venceu diversos prémios internacionais, transformando o realizador numa enorme promessa do cinema europeu.
“Odete” parece ser a confirmação absoluta de um autor, história de fantasmas como na obra anterior, vencedora de um prémio em Cannes e aclamada aquando na participação no festival.

Ana Cristina Oliveira

Conhecida sobretudo como modelo, com escassas participações em cinema, contam-se entre as mais relevantes “Tudo isto é Fado”, 2004, Luís Galvão Teles ou a primeira introdução em Hollywood com “Táxi”, acabou também de fazer um pequeno papel em “Miami Vice” o novo de Michael Mann mas ficou sobretudo conhecida num celebre anuncio da Levis.
Segundo a imprensa internacional é assombrosa na figura de uma patinadora de supermercado histérica, alucinada com a sua gravidez e envolta em fantasmas.
Para o realizador o que atraiu mais nela foi: "Ela é extraordinária. Para mim, ela tem um lado Marilyn. Há um lado de fragilidade nela que se revela por uma aparente força. Tem um lado de possuída que eu gostava que a Odete tivesse. E acho que é uma pessoa muito táctil. Tem algo que eu gosto nos actores: que se possa sentir os corpos deles. A coisa que primeiro me faz olhar para um actor é o olhar, a maneira de estar física”.
Vencedora do Prémio Janine Bazin - Melhor Interpretação do festival nternacional de Cinema de Belfort - Entrevues Festival International du Film, um dos mais prestigiados de França.

Nuno Gil

De formação teatral, no conservatório, de Lisboa, do porto, e em outros territórios, diz que não consegue estar muito tempo no mesmo sítio e que quando viu pela primeira vez “O Fantasma” quis logo conhecer o realizador pois identificava-se com a sua abordagem.
Diz que foi um percurso difícil conseguir o papel em “Odete” e que o consegui depois de longos testes, habituais já no realizador.Define-se como um actor físico, que gosta de trabalhar com o corpo.

ESTREIA DIA 29 de DEZEMBRO

2005-12-11T01:42:00.000+01:00

ENTRE AS IMAGENS

"Hiroshima Mon Amour" de Alain Resnais (1959)

O mote para a «Nouvelle Vague» – movimento cinematográfico francês dos finais da década de 50 encetado ferozmente por um grupo de críticos vindos na maior parte da «Cahiers du Cinema», fartos do artificialismo barato de um certo cinema e inspirados por verdadeiros autores, dai a criação da politica dos autores, como Jean Renoir, Orson Welles, Alfred Hitchcock….e muitos outros – foi dado por Jean-Luc Godard com o libertador “O Acossado”, por François Truffaut com o nostálgico “Os Quatrocentos Golpes” e com o mais lírico, o mais desesperadamente belo, poético e um dos filmes mais urgentemente românticos alguma vez realizado: “Hiroshima Meu Amor” de Alan Resnais.

Em Hiroshima um homem e uma mulher perdem-se de amores, ela é actriz, está lá a rodar um filme e partirá para o seu pais no dia seguinte, ele habita em hiroshima e no dia seguinte nunca mais a verá.

Ela vive em Paris uma vida que não quer viver, ela conta o seu passado até ai aprisionado e insondável ao homem como forma de eternizar um amor condenado, ele não quer continuar a sua rotina de Pai de Família, ele quer largar tudo e ficar com a mulher.

A Mulher é “Nevers”, o Homem é “Hiroshima”, e o filme fica como o canto mais profundo, mais sensível, o mais louco e terminal amor que o movimento libertário francês nos ofereceu no seu período dourado...sobretudo porque a irrisão temporal, narrativa, enfim a sua total liberdade e pureza surge revestida, investida de uma sensação de apocalipse nascente da proeminente impossibilidade de um amor...os sentimentos, os gestos, os olhares, os corpos estão suspensos e assombrados pelo fantasma do fim e do consequente regresso a uma normalidade desprezível.
E o facto de este amor acontecer nesta cidade contamina o filme com uma gravidade simbólica inafastável.

E depois, claro: como nos filmes de Godard, como nos filmes de Truffaut, como nos filmes mais representativos da Nouvelle Vague, onde poderemos incluir Chabrol, Rivette ou Rohmer e outros, sente-se que o que se está a ver e a sentir é inidentificável, híbrido...com a inocência das primeiras vezes.

Hiroshima meu amor têm a beleza assustadora das coisas que não duram...têm a mais bela cena de amor alguma vez filmada, a mais arrepiante voz-off, um final enigmático...Hiroshima meu Amor é o mais belo poema “Nouvellevaguiano”...e é um dos mais apaixonantes objectos artísticos, uma das experiências mais transformadoras alguma vez executadas.

Mas é literalmente uma obra onde as palavras surgirão sempre em perca para a descrever, é um filme para habitar, para nos deixar perder nos seus labirintos na sua vibração interior…

2005-12-08T14:15:00.000+01:00

"Harry Potter e o Cálice de Fogo" de Mike Newell

«when sweet Lily Potter gave her live to save her only son, it provided him with the ultimate protection...» (Lord Voldemort)

Depois de toda a poética negra inerente à obra interior da saga Harry Potter, deixada por Alfonso Cuarón, Mike Newell ("Quatro Casamentos e um Funeral", "Donnie Brasco" e "Mona Lisa Smile"), toma as redeas do novo capítulo da saga Harry Potter, aquele que se anunciava como o mais negro e que marcava o aguardado encontro entre o herói e o vilão.

Mas infelizmente Cuarón não continuou, e Newell com todas as diferenças leva este novo capítulo a outros caminhos, o anuncio de novos e negros acontecimentos são restritos a uma imagem escura e não ao medo interior que Cuarón tão bem explorou. Na verdade Newell leva Harry Potter, para o mundo da acção e aventura sem limites, onde o ritmo frenético não permite uma total fidelidade à obra de J.K.Rowling (como já era de esperar), mas que também acaba por afectar os muitos interesses narrativos da mesma, seja a relação "amorosa" de Harry, sempre pouco evidente e confusa, seja o reencontro familiar e os próprios valores, seja com Cedric ou Harry e até o surgimento do Senhor do Mal.

Era de facto o grande atractivo... era pela primeira vez sermos confrontados com Lord Voldemort, mas o primeiro impacto não foi muito grande, devido a toda a cadeia de acontecimentos superdiciais que anteriormente nos levaram ao encontro. A necessidade não seria de uma total mudança, mas apenas de nos momentos em que as personagens se encontram sozinhas no labirinto, explorar ao máximo os seus medos, mas o ritmo do filme não o permite, e acaba por se Ralph Fiennes (Voldemort), com o seu extraordinário jogo corporal e a expressividade vocal que acaba por salvar o confronto de Harry com o seu inimigo.

Era difícil ultrapassar a qualidade narrativa de Cuarón, mas era facilmente possível cativar a audiência e é esse o mérito de Newell sempre eficaz na oferta de acção e humor e como seria de esperar de uma produção desta dimensão, uma imensa "limpeza" tecnica, sem espaço para grandes reparos.

Sem ser grandioso, é um capítulo interessante e bem acima dos dois primeiros e que deixam na espectativa, todos os fans para as novas adaptações... afinal está claro que temos um vilão à altura de um herói cada vez mais solitário.

NeTo - 6/10

2005-12-03T16:08:00.000+01:00

"Oliver Twist" de Roman Polanski
O aguardado regresso de Roman Polanski, após o galardoado "O Pianista", estava marcado por algumas reticências, ou não se tratasse da adaptação supostamente fiel de "Oliver Twist", obra literária Charles Dickens, que havia já sido adaptada por inúmeras vezes ao teatro, televisão e cinema.

O que desde logo é marcante na nova obra de Polanski é o que já tem sido habitual na sua filmografia, seja ela marcada pelo bom ("ChinaTown", "A Repulsa" ou "Rosemary's Baby") ou pelo mau ("A Nona Porta"). Em qualquer filme de Polanski é facilmente perceptível o elaborado trabalho tecnico, personagens no limiar do bem e do mal e acima de tudo uma inteligente exploração do suspense.

Em "Oliver Twist" seria de esperar uma nova visão sobre a história do orfão inglês, que tal como a sociedade onde vive inserido, vive no limiar do bem e do mal. Mas tal não acontece.
Se é verdade que a nível da fotografia e especialmente do ritmo de montagem o filme é uma verdadeira preciosidade, acaba por ser a rigidez narrativa o seu real ponto forte, acabando por nunca chegar à emotividade, sem nunca alcançar a plenitude dramática e acabando por ser excessivamente previsível.

Será o problema da "fiel" adaptação da obra literária? Não posso confirmar. Mas por vezes um dos erros é tornar as sequências excessivamente dialogadas, em especial sentimentos, assim num dos momentos que poderia ser simbólico temos os diálogos que desde logo retiram a força a tal acto, mas que no final devido ao trabalho de direcção de fotografia e aos actores, Ben Kingsley (Fagin) e Barney Clark (Oliver Twist), criam um momento suficientemente forte para levar os mais sensíveis e menos cansados a um momento de comoção. E são as personagens Fagin e Twist que realmente trazem algo de interessante ao nível da representação, pois as restantes personagens são meros esteriótipos, embora seja compreensível tal decisão de caracterização.

Sendo que se trata de um filme de Romain Polanski seria de esperar mais... mais sentimento, mais suspense, mais retrato social e mais crítica, mas a rigidez era tanta que o mérito de Polanski se resume a alguns aspectos técnicos e à contenção dos mesmos.

"Oliver Twist" não é magnífico, mas até pode ser um olhar interessante em aspectos técnicos, mas a nível narrativo é vazio de novas ideias e acaba por reduzir a nova obra de Polanski a uma das desilusões do ano.

NeTo - 4/10

2005-12-01T23:22:00.000+01:00

ENTRE AS IMAGENS

«"Entre as Imagens" é um novo espaço que surge no nosso blog, pelo intermédio de José Oliveira. É um espaço onde se propõe em divulgar títulos do passado do cinema, mas que de diversas formas se mantêm actuais, ou seja, os clássicos e muitos títulos que enchem páginas da história do cinema, desde os mais visiveis ao mais esquecidos. Assim para começar foi escolhido uma das obras esquecidas de um dos génios do Cinema, "PATHS OF GLORY" de Stanley Kubrick.
Este espaço será retomado uma vez por semana e espero que seja do vosso agrado.
Cumprimentos, NeTo.»

"Paths Of Glory" de Stanley Kubrick (1957)

Stanley Kubrick, o génio, sim, o visionário, sim, o mais totalitário, literalmente, realizador da historia do cinema…cada um dos seus filmes ficou como um compêndio ambíguo, negro e pessimista da condição humana, dos seus actos e ambições, gestos absolutos que tinham como fasquia percorrer a história do homem…

Na busca incessante houve experiências limites, houve lampejos olímpicos, movimentos intemporais, anacrónicos e inclassificáveis, pinceladas sobre o universo e os tempos…houve “2001”, “Laranja Mecânica”, houve “Barry Lindon”, “Nascido para Matar” ou esse testamento final que foi “Eyes Wide Shut”…. mas antes de tudo isto, antes do que se classifica mais imediatamente de obras primas e de filme Kubrickiano houve - antes deste ainda “Killers Kiss” e “The Killing” - um eclodir, uma premonição do que ai vinha, mas acima de tudo uma profusão de sentimentos, de amargura, um dos filmes mais azedos e mais “revoltantes” alguma vez feitos, mas primeiro que tudo uma Obra-Prima fundamental: “Paths of Glory”.

Na história de três soldados franceses, na 1º guerra mundial, condenados á morte, depois de todo um processo absurdo, Kubrick traçava precisamente o absurdo, o incompreensível, o ridículo da guerra mas também de uma certa humanidade, dos seus actos mesquinhos, da cobardia e falsidade, qual radiografia denunciadora e reveladora, ficando a figura de Kirk Douglas e o final comovente mas de uma dubiedade cortante como o modelo possível, visão fugida de um novo caminho.

Steven Spielberg referiu a propósito de “Paths of Glory” que era o filme onde mais se poderia apreciar o mecanismo Kubrickiano de a cada cena reforçar o discurso total, de aplicar pinceladas largas sobre a tela a cada nova passagem, e é de facto o ponto culminante e mais facilmente apreciável que nas obras primas posteriores terá continuidade…e por aqui se poderá especular o efeito revelador deste filme em Kubrick, no publico…

E claro existe o perfeccionismo absoluto de qualquer filme do cineasta, a inovação e a catarse!
Mas o que é mais admirável é aqui existir como já se disse os mesmos anseios cósmicos, o mesmo alcance, o mesmo desencanto e secura de todos, todos os filmes seguintes…”Paths of Glory” pode ficar como “Eyes Wide Shut” como a súmula de uma obra, de uma obra impossível de fechar.

José Oliveira

2005-11-29T23:54:00.000+01:00

O que queres ver de prenda de Natal?

E se o pai natal fosse uma bilheteira de cinema? Se pudessem não só rever grandes clássicos do cinema como filmes ainda por estrear com que roem as unhas de dia e sonham a noite com eles ? aqui fica os meus dois top 10 , um de filmes de sempre e um de filmes ainda por estrear. Desafio-vos a fazerem o mesmo!

Filmes de sempre

2001, odisseia no espaço (Stanley Kubrick)

8 ½ (Federico Fellini)

Citizen Kane (Orson Welles)

Touro Enraivecido (Martin Scorsese)

Pássaros (Alfred Hitchcok)

Full Metal Jacket ( Stanley Kubrick)

Ivan, o Terrível (Sergei Einsenstein)

Lista de Schindler ( Steven Spielberg)

Manhattan (Woddy Allen)

Sensibilidade e Bom Senso (Ang Lee)

Filmes ainda por estrear

Lady in the Water (M. Night Shyamalan)

Flag of our Fathers ( Clint Eastwood)

Marie- Antoinette (Sofia Coppola)

History of violence (David Cronenberg)

Brokeback Mountain (Ang Lee)

Munich (Steven Spielberg)

Pirates of the Caribbean : Dead Man’s Chest ( Gore Verbinski)

Superman (Bryan Singer)

Match Point (Woddy Allen)

The Chronicles of Narnia , the Lion, the Witch and the Wardrobe (Andrew Adamson)

2005-11-29T23:00:00.000+01:00

"Chicken Little" de Mark Dindal (V.P.)

Este é o "trunfo" dos solitários estúdios Disney, na primeira produção totalmente digital sem a colaboração da Pixar, colaboração que tão bem resultara em obras como "Toy Story", "Monstros e Companhia" e mais recentemente "Finding Nemo" e "Os Incriveis".

Na verdade a ausência da Pixar é de fácil percepção, pois temos Disney a mais, ou seja, lições de moral em grandes quantidades que interrompem o desenrolar normal da narrativa, música a puxar a lágrima, o que provoca uma noção dramática muito dispersa.
Mas apesar de tudo é uma obra eficaz, apostando em personagens simpáticas e em claras referências ao género do fantástico e de aventuras de Hollywood.

Chicken Little é um simpatico pinto, que vê a sua reputação e confiança, completamente destruídas no dia em que gera o pânico na sua localidade quando anunciava a queda do céu. O seu próprio pai deixa de acreditar em sí e Chicken Little tenta a todo o custo recuperar a sua reputação... e até consegue, mas realmente o céu cai.

O que realmente interessa na nova obra da Disney, e como em quase totalidade das obras dos estúdios, é mesmo a relação pai/filho, ou para ser mais preciso a relação familiar, que em boa verdade é bem construida, mas que é excessivamente fragmentada e intermitente, surgindo e desaparecendo provocando uma quebra excessiva no ritmo da narrativa.

Mas "Chicken Little" acaba por ser um bom sinal da resistência da Disney no mundo cada vez mais competitivo da animação digital, embora não seja um título para lutar pelo reconhecimento da Academia.

NeTo - 6/10

P.S.- "Indiana Jones", "A Guerra dos Mundos" ou "Sinais" são alguns dos títulos que directa ou indirectamente surgirão na cabeça da audiência.

2005-11-25T00:46:00.000+01:00

"Aonde para a Premiere??"

Quando a Premiere foi editada em Portugal pela primeira vez, foi uma lufada de ar fresco. Não só era uma das primeiras se não a primeira a admitir ser uma revista especializada na área cinematográfica, como também vinha associada a grande nome internacional de Premieres espelhadas pelo mundo, mas também porque permitiu que entrasse em Portugal opiniões novas e livres de preconceitos. Admito que esperava ansiosamente todos os meses pela Premiere e lê-la dava me prazer.

No entanto tudo isso a pouco e pouco foi mudando. A Premiere tornou-se elitista numas coisas e totalmente vendida a publicidade barata na sua maioria, senão vejamos: quantas vezes saíram capas em que :

a) fosse homem

b) fossem mulheres que tivessem estreados filmes no mês

c) que não fossem actores? Respondo – vos tristemente, muito raramente.

descubram as diferenças....

Se a Premiere é uma revista de cinema, mostra cada vez menos. A gota de agua para mim foi a capa da Jessica Alba onde se nota claramente uma posição de marketing semelhante à da Maxmen ou uma FHM… se não vejamos no interior dessa mesma revista a importância que dão ao filme que Alba estreia. Nem meia pagina! E anteriormente já tinha acontecido com Angelina Jolie e Halle Berry (já para não falar na secção “cenas quentes” que para alem de não existir em mais nenhuma Premiere contam se pelos dedos da mão as vezes em que foram lá postas fotos de homens…).

Por isso decidi drasticamente não comprar mais a Premiere portuguesa. Não só porque sou mulher e ver a condição do meu género ser em vez de aumentado ( se querem por mulheres na capa porque não puseram Sofia Coppola?) mas porque sobretudo sou uma amante do cinema e ler numa revista que se auto proclama como revista da especialidade a fazer perguntas a actores dignas de Cosmpolitans e Vogues ( “ foi difícil emagrecer depois de Bridget Jones? …) e porque para o aumento da minha cultura cinematográfica ela não contribui em nada.

Tenho a sorte em ter facilidade em ler francês e por isso encontrei refugio na Premiere francesa que por apenas mais 50 cêntimos é muito mais verdadeira, e deliciando me por vezes com uma Empire ou agora com o sempre mais cultural Cahier du cinema. Agora pergunto-me para quem tem no português o único refugio para ler sobre cinema é triste dizer que já foi melhor servido e que provavelmente isto só tem tendência a piorar.

2005-11-25T00:07:00.000+01:00

"Don Quixote de Orson Welles" de Orson Welles (?)

Orson Welles iniciou a sua visão sobre a famosa obra de Miguel de Cervantes y Saavedra (1547-1616) em 1955 e durante 14 anos, ultrapassando inúmeras dificuldades de produção, acabou por se tornar num dos projectos inacabados do Welles, assim como por exemplo "The Other Side of the Wind" (1972) que se tudo correr pelo bem, poderemos ver nas salas com a "ajuda" de Peter Bogdanovich.

Mas esta é uma obra do lendário Orson Welles? (daí o ponto de interrogação no título.)
Na verdade as imagens existentes das filmagens de Welles, foram editadas por Jesús Franco, mas apesar do esforço da produção existem excertos cruciais que não se incluem nesta montagem. Assim na minha opinião, atribuir o título de "Don Quixote de Orson Welles" a esta obra acaba por se aceitar, embora tenha o seu lado negativo.

Vejo a obra como um monte de retalhos com os quais Welles se preparava para preparar um belo tecido que cobriria na perfeição a obra de Cervantes, mas esta obra que nos chega agora é um monte de retalhos sim, mas "colados" uns aos outros sem a mão do mestre que originalmente o pretendia conceber, assim o resultado nunca seria o que originalmente seria de prever. Assim temos dobragem sonora e por actores diferentes na mesma personagem, diversas diferenças a nível fotográfico e uma imensa disconexidade narrativa, que Welles não iria permitir. Mas apesar de tudo existe na abordagem de Welles uma verdade e um respeito aliados as personagens, e uma adaptação temporal à actualidade, leia-se actualidade como data da produção.

Para quem conhece o génio de Welles será sempre agradável ver algumas belas imagens do mestre, mas quem quer descubrir Welles, então procure "Citizen Kane", "F for Fake" ou "Touch of Evil".

Sem dúvida alguma que uma obra documental que explica-se as complicações de produção ao longo da exibição da imagens seria bem mais interessante e honraria a obra inacabada de Welles.

Welles deixou o esboço do seu "quadro" e alguém pintou por cima.

NeTo - 3/10

2005-11-18T19:54:00.000+01:00

"ENTRE O SONHO E A VIGÍLIA"

por José Oliveira

"To me, only true art can be self-indulgent, and the reason why 99 percent of movies aren't works of art is because it's not one man's vision and a true piece of art or the only films that truly matter to me are auteurist visions and auteurist works"
A frase pertence a um dos mais radicais e “perigosos” cineastas do actual cinema underground americano, que apaixonado também ele por cineastas tão peculiares e singulares e já agora também “perigosos” pela tinta que fizeram correr e pelo abanão que as suas imagens e sons sempre provocaram, como Godard, Herzog ou ainda o ultimo movimento a violentar as telas e digno de figurar nos livros – leia-se Dogma 95 – transporta para os seus filmes um universo completamente pessoal e intransmissível, manipulando a seu belo prazer as imagens e os sons, as personagens, o tempo e o espaço, resultando o seu todo em experiências limites e apocalípticas que mais não fazem do que tentar exceder os próprios limites do ecrã – como godard? como herzog?, como Von Trier? – a tela que muitos teimam em deixar virgem, chegando assim perto do que se poderá definir á falta de melhor de um cinema desencantado e lírico, também profundamente cândido e incomensuravelmente híbrido, experiência lúgubre que recusa qualquer espécie de mecanismo, qualquer espécie de narrativa, qualquer espécie de formula, convenção consagrada, para que de maneira inevitavelmente virginal possa fazer a catarse e expor o seu autor.

Absolutamente inclassificável? Se quisermos fugir daqui poderemos dizer que nos seus filmes estamos em primeiro de tudo em terreno puramente cinematográfico, onde os gestos, os olhares, os movimentos e os diálogos, a sedução e o bailado dos corpos interagem com os silêncios e as musicas criando assim algo que poderemos então chamar de puro cinema, de cinema num estado primitivo que remeta para os inícios, para uma maneira de fazer cinema que privilegiava as sensações e o culto do olhar e do sentir, de experimentar e de inovar….antes de o cinema em geral se ter deixado contaminar pelo maquinismo das formulas e dos sinais científicos, dos plots e dos gráficos.

Cinema retrógrado, então? Nunca, muito pelo contrário, ao querer de certa maneira voltar aos primórdios e recuperar a candura perdida, este cinema é investido de um irremediável sentido de perda por não acreditar no estado das coisas, mas ao mesmo tempo de uma jovialidade e de um investimento do novo – do digital por exemplo, do experimentalismo visual no sujo por exemplo – que o tornam eminentemente moderno.

Em que ficamos então? Como a sua frase explicita, como se nota ao ver os seus filmes, no que já se disse, é um cinema desencantado pela falta de risco de uma actualidade cinemática predominantemente fechada a experiências novas, ao risco…um cinema de obsessão, de vertigem que pretende ao mesmo tempo que expõe o seu autor criar algo de absoluta liberdade e em estado puro…um cinema que pretende captar a absoluta beleza de uma cena, de um momento ou de um gesto sem que tudo isto encaixe necessariamente num modelo e numa formula…e mesmo que tudo isto possa ser classificado como auto-indulgência, como pretensiosismo arrogante ou qualquer outro adjectivo próximo é inegável que ao vermos os filmes somo atacados por algo de muito alarmante e inquietante e que o próprio espectador se sente em perigo por estar em frente a algo tão estranho e tão terminal, com medo que a fita se autodestrua e o espectador com ele.

Mais uma das suas frases: “…I wanted to make a different film. I wanted to make a different kind of movie, because I don't see cinema in the same – on the same kind of terms or the same way that narrative movies have been made for the past hundred years. I mean, we started with Griffith and we ended up with – I don't know what the hell is going on now but” , só vem confirmar a radicalidade dos seus gestos libertários e totalitários no sentido da profusão de investimentos puramente cinematográficos com que ornamenta os seu filmes e que por isso e pela frase anterior faz sentido quando se invoca Faulkner a propósito deste cinema de ruptura.

Ah…o nome do cineasta: Harmony Korine.
E dos seus dois filmes: “Gummo” e “Julien-Donkey Boy”.

De que falam os filmes? Querer resumi-los seria como que contradizer os próprios filmes, negar-lhe a sua essência, sim, é inexplicável…são cenas, sequências…entre o sonho e a vigília…

cinema.

====>LINKS:

www.harmony-korine.com/

www.angelfire.com/ab/harmonykorine/

2005-11-16T21:27:00.000+01:00

Cameron Crowe e os seus alter egos

Existe na filmografia de Cameron Crowe uma certa continuidade nos seus personagens centrais. Retrata o individuo confuso, falhado e que sente sempre um vazio constante. É também típico nos seus filmes ( escritos por ele ) uma certa autobiografia ( no "Quase Famosos", e no "Elizabethtown") e são essas características que tornam os seus filmes , historias de grande sensibilidade. Porque não se limita a narrar uma historia de sucesso porque a vai buscar as profundezas do falhanço do individuo.
Elizabethtown começa com a narração dum “fiasco”. Já em Jerry Maguire começa com a revelação que levará a personagem principal a ser despedido. E é a partir do nada que estas duas personagens se terão que reconstruir. E se em Jerry Maguire , o tal "rise up" centra-se no profissional tanto como no pessoal, em Elizabethtown não, leva a um caminho totalmente pessoal de uma personagem que perde o rumo e que para o reencontrar terá que avaliar o seu percurso e reescreve-lo.
Pessoalmente, acho que Elizabethtown não é o melhor filme de Cameron Crowe ( tenho que o ver outra vez ...) e embora admita que Quase Famosos é o seu melhor trabalho continuo a preferir Jerry Maguire. No entanto Elizabethtown transborda uma sensibilidade pop que de rasca não tem nada. Sente-se uma ternura entre as personagens quase palpável , embalada por canções de mitos pop, tal como Elthon John e U2 ou de mais alternativas como Bob Dylan e Ryan Adams ; e sente se sobretudo uma necessidade de demonstrar o afecto que uma família deve ter, seja ela na despedida ( Susan Sarandon a dançar sapateado, divina!) ou a iniciar-se ( na relação com o primo de Drew com o seu filho Samson) . fala-se em Elizabethtown de perdas, do que sentimos quando os que sempre achamos que estarão lá no fim de tudo, partem. Fala não so sobre o remorso como a tentativa de condignamente não nos esquecermos deles.

A primeira vista Elizabethtown é uma comedia romântica , no entanto e em como toda a filmografia de Cameron Crowe, as delicias deste filme vão para além dum romance, vão para dissecação de uma estrutura familiar inteira , celebrando não a perda mas sim o facto da presença.
Em Jerry Maguire, Cameron Crowe aborda a família dum posto de vista peculiar, em que a personagem de Tom Cruise antes de se apaixonar pela mãe ( Renee Zellweger) apaixona-se pelo filho, mostrando assim uma necessidade de afecto e inocência na sua vida,onde acaba por se rodear de aparentes falhados ( quem esquece o "show me the money?" de Cuba Gooding Jr) e no fim sai vitorioso. Em Quase Famosos assistimos a uma mãe comicamente opressora que não nos faz nem um pouco odia-la. Narra o crescimento interior de uma personagem e chega a desmistificar a áurea divina dos rockers. É na sua necessidade de contar historias comoventes com gente falhada que dá a volta por cima que Cameron Crowe marca o seu estilo. Não tem truques de efeitos especiais nem cenas de acções de ultimo gabarito mas aprende se num filme de Cameron Crowe a lidar com os sentimentos humanos tão coerentemente e simplesmente que faz com o que o seu cinema seja a marca da verdadeira geração pop que tem que lidar com a frieza e crueldade da sociedade cada vez mais distante dos problemas de cada um ( lembram-se que tanto Jerry Maguire como Drew são despedidos de uma grande empresa após cometerem um erro?) mostrando que é na simplicidade e na beleza das pequenas coisas que a vida vale a pena.

2005-11-16T20:54:00.000+01:00

Apartir de agora este blog conta com mais um colaborador... melhor colaboradora.
Por uma clara falta de sensibilidade dos homens que mantêm este blog, foi com muito agrado que recebi esta nova colaboradora que assinará os seus artigos como: a Pupila.

Desejem todos as boas vindas e boa sorte à nova companheira do ROLLCAMERA.

Cumprimentos

2005-11-16T20:48:00.000+01:00

"Doom" de Andrzej Bartkowiak

Um filme é sempre o filme, e o grau de exigência não deve ser influênciado por se tratar apenas de uma comédia romântica, de um filme independente, uma filme experimental ou uma simples adaptação de um vídeojogo, assim cada filme é aquilo que é.
Mas quando se toma a decisão de ver um filme como "Doom", claramente não se pode esperar uma obra-prima, mas pode exigir-se uma obra digna, tanto ao jogo no qual se baseia, como ao cinema em sí.

Supostamente este "Doom" de Andrzej Bartkowiak, é a adaptação do mundialmente famoso vídeojogo com o mesmo nome, em que um soldado solitário se encontra entre a terra e o inferno, tentando evitar que os demónios conquistem a terra dos vivos... mas na adaptação cinematográfica,"Doom", foi reduzido a uma história envolvendo experiências laboratoriais e alterações de DNA, que transformavam seres vivos em "zombies" (monstros?).

Um dos méritos de "Doom" enquanto jogo era a sensação de solidão e a forte carga psicológica de estar no limiar da vida e ao mesmo tempo do inferno, enquanto toda a vida humana depende do nosso desempenho. E este mérito foi de todo destruído nesta adaptação ao grande ecran, onde o pobre argumento se limita a fazer um "decor" absurdo, transformando "Doom" numa suposta experiencia de laboratório com "zombies" à mistura (já não chegava "Resident Evil"?)

Na verdade o filme de "Doom" não tem qualquer mérito, podemos mesmo dizer que não tem um argumento... tem um início pretencioso que a lado nenhum leva e um desenvolvimento e o consequente final ainda mais pretencioso e sem o mínimo sentido narrativo, que esconde a suposta personagem central da acção do vídeo-jogo, por detrás de uma “estrela”(?) da acção... ou seja «quem é o actor principal?»

“Doom” é o claro oportunismo comercial que tem sido habitual no cinema do género, utiliza-se um jogo de sucesso, promete-se que se será fiel ao mesmo, mas no final resume-se a umas armas, a um monstro e a uma visão em FPS (first person shooter) tal como o jogo, mas que na verdade é um artifício ridículo, que a nível técnico é uma verdadeira vergonha.

Estamos perante um dos piores filmes do ano, juntamente com “Alone in The Dark” (curiosamente mais uma adaptação de um vídeo-jogo), é um filme sem qualquer interesse especialmente para quem jogou e adorou “DOOM”, pois do jogo... só mesmo o nome.

Atentado ao cinema.

2005-11-12T01:51:00.000+01:00

"Elizabethtown" de Cameron Crowe

«I mean everybody's got to take a road trip, at least once in their lives. Just you and some music.»

É o regresso do realizador americano que melhor explora o melodrama. Cameron Crowe, o realizador e argumentista do fabuloso "Almost Famous" e do simples e divertido "Jerry Maguire", após a passagem por um género menos comum em "Vanilla Sky", volta ao seu estilo melodramático sem nunca esquecer a vertente popular que acompanha a sua obra.
Ao olhar para a simples sinopse, podemos pensar que estamos perante uma simples comédia romântica, mas enganem-se, estamos sim perante uma das melhores comédias românticas do ano.

Cameron Crowe convida-nos a acompanhar a viagem de Drew Baylor (Orlando Bloom), um designer de calçado, caído em desgraça tanto profissionalmente como pessoalmente, chega a pensar no suicídio, acabando por nesse preciso momento receber um telefonema que anunciara a morte do seu pai, e Drew vê-se agora na "responsabilidade" de voltar à sua terra natal, Elizabethtown, para recuperar os restos mortais do seu pai. E Elizabethtown não é nada mais que o local onde todo muda, o local de transformação da vida de Drew, local onde recupera as perspectivas de uma nova vida, local onde se transforma num homem.

Como em qualquer outra obra da sua filmografia, Cameron Crowe destroi... destroi personagens e familias, para de seguida criar os seus alicerces, para em seguida criar uma nova e melhora da vida... e claro sempre com um sorriso no rosto.
Mais uma vez estamos perante um filme simples e subtil, onde se filma sublimemente a condição humana (famíliar?), sempre com optimismo e divertimento, mas sem nunca perder a noção dramática.

Na filmografia de Cameron Crowe também facilmente se encontram dados auto-biográficos, como na viagem de “Quase Famosos” ou agora a morte do pai em “Elizabethtown”, daí que seja clara a preocupação com as relações pai/filho, sempre ternas e para que fique bem vincado na obra, eternas.

É sempre intrigante ver uma obra de Cameron Crowe, um autor cinematográfico dos poucos que explora o mais puro melodrama e que ao mesmo tempo condimenta a sua obra com um estilo muito “pop”! “Elizabethtown” é uma comédia dramática facilmente simulada num road-movie, que permite a Cameron Crowe criar a espaços verdadeiros hinos à cultura “pop” (leia-se popular, no melhor sentido da palavra), como a stand-up comedy, Elvis Presley, Martin Luther King e como não poderia faltar na música. Música essa sempre tão importante em qualquer obra de Crowe, em “Elizabethtown” assume uma nova escala, tornando-se assim no seu filme mais musical e melódico... sonoridades marcadamente americanas, actuais mas com claras influencias do que de mais popular se fazia nos Estados Unidos, como por exemplo a sonoridade alt country de Ryan Adams.

Com interpretações competentes desde os jovens, Kirsten Dunst radiante, a um depressivo mas divertido Orlando Bloom até aos veteranos, Alec Baldwin e Susan Sarandon.

“Elizabethtown” como qualquer outra obra de Cameron Crowe é um obra eficiente, simples, divertida, mas sem nunca esquecer uma complexa relação emocional entre personagens, estamos perante uma obra extremamente cativante, que apesar de ter sido mal recebida do outro lado do Atlântico, consegue surpreender a espaços e sem nunca se agarrar desesperadamente a “clichés” ou à piada fácil.

NeTo – 7/10

- A versão que é apresentada nas nossas salas, tem aproximadamente menos 18 minutos que a versão apresentada no Festival de Toronto e que foi muito mal recebida.

2005-11-10T09:43:00.000+01:00

"O Fiel Jardineiro" de Fernando Meirelles

«Some very nasty things can be found under rocks, especially in foreign gardens»

Após um retrato cruel das favelas brasileiras em "A Cidade de Deus", Fernando Meirelles assume com pulso firme uma adaptação da obra literária "The Constant Gardener" de John Le Carré, numa produção conjunta entre a Grã-Bretanha e a Alemanha, na qual é retratada uma África viva, mas completamente decaadente a poucos passos da morte.

Em pleno coração do Quénia, Tessa Quayle uma corajosa activista é encontrada morta, após ter sido violada e mutilada, assim como a equipa que a acompanhava. Este é o ponto de partida para uma viagem de (auto) descoberta por parte de Justin Quayle, representante do Alto Comissariado Britânico e marido de Tessa. Tessa e Justin, são um casal de oposto, enquanto ela é corajosa e interventiva, Justin é um pacato e recatado diplomata. A sua relação é plena de amor, mas as ultimas descobertas de Tessa levam-na a viver em segredo, e é desses segredos que Justin irá viver após a morte de Tessa. Justin procura descobrir o porquê de tanto secretismo e acaba por descobrir uma mulher que nunca conhecera.

Um dos pontos fortes do novo filme de Meirelles é a constante renovação narrativa, temática e consequentemente sociológica. É de facil percepção que nos envontramos perante um filme com duas partes distintas (ou talvez não tão destintas), embora inseparaveis, a primeira das quais retrata a relação amorosa do casal, recorrendo a analepses, pois desde o início é nos dado o desfecho de algo. Desfecho esse que não o do filme, mas sim da relação de Justin e Tessa, o que leva desde logo ao final deste assunto e ao início de algo totalmente oposto (?) ou talvez nem tanto.
A segunda parte é claramente um thriller com contornos políticos, embora seja muito redutor reduzir a segunda parte a um mero thriller, é mais uma viagem de descoberta, quer de um amor, uma mulher misteriosa que amava e não conhecia, quer seja pela descoberta de um continente Africano vivo, mas explorado e poucos passos da morte, em cores de inferno.

Mas ao contrário do que se poderia pensar, “O Fiel Jardineiro” é bem mais cruel que “A Cidade de Deus”, apesar de menos explicito, existe uma carga dramática, embora mais contido é mais preciso e directo, e acima de tudo é uma visão pura, documental em que Meirelles mantem a imparcialidade, filmando uma África que está aos olhos de todos nós, mas que por muitas razões não vemos. Daí o facto de atras ter referido que as duas partes, embora diferentes na sua forma no seu conteudo, o amor prevalece em Justin, seja o amor pela descoberta e pela realização do trabalho inacabado da sua amada, seja pela completa descoberta da abalada África e das pessoas que nela sobrevivem, que levam Justin , a modificar a sua visão e a amar cada uma daquela pessoas. E será o mais interessante a tirar da obra de Meirelles, se não se pode amar (ajudar) toda aquela gente, pelo menos uma delas.

A ansiosa e perpicaz visão de Meirelles, é completa pela dupla de interpretes, Ralph Fiennes e Rachel Weisz, cada um deles marcando as diferenças que os destinguem e que mais tarde os aproximaram... deslobrante acaba por ser a fabulosa contenção e evolução de Ralph Fiennes, assim como o secretismo e audácia de Rachel Weisz.

Em “O Fiel Jardineiro” existe uma forte carga reflectiva, mas que acaba por se conjugar na perfeição com o cinema enquanto entretenimento, o ritmo e a linguagem que parece ser uma clara marca de Fernando Meirelles, aliado a uma obra literária de Le Carré, com paisagens fotografadas de forma impressionante por César Charlone e ainda com uma Banda Sonora plena de ritmos tribais de Alberto Iglesias, transformam “O Fiel Jardineiro” numa obra cinematográfica única num género aparentemente adormecido, que poderá ser reconhecida na noite mais brilhante de Hollywood.

“O Fiel Jardineiro” é um thriller político, mas antes de mais é um apelo social... URGENTE.

NeTo – 9/10

Meirelles apresenta-se novamente com uma deconstrução narrativa e uma dinâmica visual capaz de misturar uma boa dose de entretenimento e uma visão dramática muito própria. E como já acontecia em “A Cidade de Deus” existiu uma exploração técnica, em “O Fiel Jardineiro” a mesma exploração existe, seja pela variada quantidade de suportes de captura de imagem, pelicula (35mm, 16mm), vídeo ou Web Cam.

2005-11-03T21:04:00.000+01:00

"As Bonecas Russas" de Cédric Klapisch

Após o relativo sucesso de "A Residência Espanhola", Cédric Klapisch volta agora com uma sequela em que volta a reunir os amigos que partilharam a residência a quando da experiência ERASMUS, agora já homens e separados um pouco por toda a europa.

O que levou ao sucesso (embora relativo, repito) de "A Residência Espanhola" era o facto de ser despretenciosa, simples, pura e divertida, e no risco de se voltar a repetir em "As Bonecas Russas", Klapisch limita-se a tentar desconstruir temporal e espacialmente a sua narrativa, alimentando a sua audiência de flashbacks e splitscreens, num espectáculo excessivamente pretencioso para uma narração tão simples o pura, ou afinal não se tratava apenas de uma história de um homem à procura do amor.

Se é verdade que um dos grandes problema do primeiro filme era o alargado número de personagens, agora nesta sequela, Klapisch apercebendo-se disso (ou não) acaba por as reduzir, mas por outro lado alarga as fronteiras espaciais, e agora o problema em manter uma narrativa firma acaba por ser o excesso de espaços por onde a fragmentada acção ocorre.

E tanta preocupação em artificializar a forma da sua narrativa, apenas o levaram a cair e apenas a agarrar-se aos maior numero de "clichés" possiveis. E pena é que o elenco se veja completamente perdido no meio de tanto espaço, esteja a personagem central, Xavier (Romain Duris) que no primeiro filme era sem qualquer tipo de dúvida o grande motivo de interesse.

No meio de tudo isto, Klapisch acaba mesmo por sair muito mal deste retrato de procura desesperada pelo amor que por largos momentos é tão insensível como cansador e imensamente previsível, tornando esta sua obra em algo despropositado no panorama actual do cinema europeu, e se durante todo o filme dúvidas existissem, fica tudo claramente dito pela personagem Xavier, no seu ultimo pensamente em que marca o paralelismo das bonequinhas russas e as suas relações amorosa, np mínimo ridículo.

NeTo - 3/10

2005-11-03T20:20:00.000+01:00

"A Residência Espanhola" de Cédric Klapisch (2002)

Acompanhando a viagem de um estudante francês em direcção a Barcelona, onde se prepara a habitar e a estudar ao abrigo do programa educacional "Erasmus", programa que permite a alunos de diferentes países e culturas, estudar num país diferente.
Assim, "A Residência Espanhola" de forma despretenciosa apresenta-nos o fomentar de relações entra vários jovens de diferentes nacionalidades que partilham o mesmo apartamento, numa clara referência à cada vez mais constante globalização mundial, neste caso europeia.

Se é verdade que cada uma das personagens nos transmite algo natural, também não é menos verdade que por breves momentos a coerência narrativa é esquecida e somos entretidos com meros artifícios, por exemplo a constante e insistente música dos Radiohead (e eu que sou fã) que em grande parte era escusada, ainda mais quando o silêncio era o melhor aliado da imagem.
Mas sem qualquer tipo de dúvida que é uma obra divertida e jovem, que acaba por provocar momentos hilariantes e alguns comoventes, provocados por situações de adaptação social e amorosa.

Assim, o verdadeiro interesse acaba por ser o grupo de actores que facilmente se percebe que se divertiu em caracterizar as suas personagens recorrendo ao despretencioso uso e abuso das referências culturais. De todos (e são muitos) elementos do elenco, destaca-se a fantástica interpretação de Romain Duris e a aparição da «Amélie» Audrey Tautou.

Sem ser brilhante, a espaços "A Residência Espanhola", é uma visão simples, natural, divertida, sensível e inteligente, embora Cédric Klapisch se perca no meio de tantas personagens sem nunca conseguir agarrar o ritmo narrativo e muito menos conseguir manter-se firmemente agarrado ao que pareciam ser as suas primeiras intenções.

NeTo - 6/10

2005-10-30T02:09:00.000+01:00

O Mundo (des)Encantado da Pirataria

Não se trata de um simples devaneio, trata-se sim de uma observação de um espaço real e de uma situação vivida.

Algures numa feira bem perto de onde habito é possível encontrar uma "resma" de DVDs, que nem em 5 video-clubes seriam capazes de encontrar. Possivelmente não será novidade para muitos, mas para mim naquelas quantidades e naquela variadade foi uma novidade assustadora, ainda mais quando agentes da PSP se passeia livremente a dois e três passos das bancas de venda.

Após alguns minutos em volta dos corredores a ouvir os pregões de feirantes desesperados por dinheiro, facilmente encontrariamos mais de 100 títulos de DVD, que variam desde o mais comercial até ao independente, português e alguns "clássicos". Ora vejamos, claro que não poderiam faltar os filmes do Van Damme, Steven Seagle e Jackie Chan, como acontecia a uns anos atrás, mas nunca pensei encontrar pelo meio deste lixo cinematográfico títulos como "A History of Violence" de David Cronenberg, ou "Last Days" de Gus Van Sant, que concerteza estariam reduzidos a lixo, nem que seja pela péssima resolução de imagem, quando todo o vendedor apregoar "qualidade DVD" (sim os filmes estão gravados num DVD) e som dolby digital 5.1!?!?!?!

Mas se nomes como Cronenberg ou Gus Van Sant, até se percebem, outros títulos são completamente impensaveis, ou pelos menos seriam... vejam por exemplo "AALTRA" ou "AMOR DE VERÃO", títulos 100% indie disponiveis numa banca de uma feira numa cópia pirata.

Terá muito que se lhe diga, ou a pirataria aumentou (e é verdade que sim) e também que quem vende cada vez mais se preocupa em chegar a um maior numero de pessoas aumentando a oferta (o que me parece também verdade).

Se os exemplos atrás são pouco ficam aqui alguns dos outros títulos que me pareciam impensaveis encontrar numa banca de uma feira: a colecção Bruce Lee, filmes de Bud Spencer e Terrence Hill, "O Grande Elias", "Noite Escura" de João Canijo e já disponível "Corpses Bride" de Tim Burton, só para referir alguns.

Mas numa situação destas, as situações hilariantes ou totalmente absurdas abundam, imaginem por exemplo que em algumas bancas existem alguns dos panfletos publicitários da Lusomundo ou do AMC Arrábida, onde as pessoas podem consultar quais o filme que está no cinema e que poderão levar uma cópia para casa.

Mas não poderia faltar ainda mais uma situação de brandar aos céus... imaginem uma senhora com uma idade respeitável (40 anos), com um recorte do JN da página onde é possível consultar as sessões dos cinemas e com outro recorte onde se pode ver o "quadro de estrelinhas" dos críticos de um jornal. Tal senhora fazia perguntas ao vendedor do género: "Tem o AURORA?", sim no dia em que uma banca de uma feira qualquer tiver um filme de F.W. Murnau então aí sim o mundo está num mau caminho. Mas não satisfeita a senhora ainda pergunta, "tem a ALICE?"... por amor de Deus, algum comentário a fazer?

Antes de terminar e dar uma pequena opinião sobre esta situação, resta-me ainda deixar aqui os preços a que estão a ser vendidas tais preciosidades... em alguns locais, 2 DVD são nada mais que 5 euritos, enquanto noutra banca, 3 DVD igualmente 5 euritos.

5 euros... por dois ou três filmes em condições miseraveis! É algo que dá que pensar. Mas o problema nem está no comprar, está em depois não ir a um cinema ver os filmes. É que até aceito a resposta de que para um primeiro visionamento antes da estreia nos cinema aquele DVD em péssima qualidade serve... mas não, quem os compra normalmente depois não coloca os pés numa sala de cinema, ou quanto menos procura ver o seu fime numa qualidade melhor.

Pode parecer desculpa, mas na verdade comprei uns filmes, para na verdade compreender o que realmente se ganha ou se perde perante este acto. Respondo o que já disse anteriormente, a qualidade é má, mas superior a uma VHS, dá para ver, mas não para tirar completo rendimento de uma visualização, e qualquer destes filmes irei ver numa sala do cinema, pois conas feitas 13 euros pago pelo King Kard, e posso ver os filmes que pretender numa sala de cinema, inclusivé "AURORA" de F.W. Murnau, por isso a toda a gente que gasta dinheirinho nestes DVD de 4ª categoria, deixo uma opinião, ou comprem o King Kard, ou esperem mais um bocadinho e vão a uma Blockbuster perto de vossas casas e aluguem.

A vontade era de dizer muita asneira, mas fico por aqui.

2005-10-29T13:14:00.000+01:00

M. Night Shyamalan VS. Mercado Cinematográfico de Hollywood

Durante a ShowEast (convenção anual dos exibidores dos EUA), M. Night Shyamalan, realizador de "O Sexto Sentido", proferiu polémicas mas ao mesmo tempo pertinentes críticas à constante preocupação comercial que o mercado cinematográfico atravessa.

Shyamalan mostra-se preocupado e extremamente crítico em relação a cada vez mais as editoras tentarem diminuir o tempo que distancia a exibição nas salas e a consequente venda em DVD, temendo assim que se perca a "magia" e o ritual de entrar numa sala de cinema, em deterimento da visualização de um filme numa sala.

Para continuar a ler, este badalado acontecimento deixo o link do site www.cinema2000.pt, onde poderão encontrar uma notícia desenvolvida pelo Sr. João Lopes.

http://www.cinema2000.pt/ficha.php3?id=5129&area=noticias

Resta-me concordar na totalidade com todas as afirmações e nem os "plasmas" e todos os sistemas dolby digital 5.1, conseguem de alguma forma rivalizar com uma sala de cinema.

Cinema tem que ser sempre a primeira e mais completa forma de ver um filme e são comentários como este que mostram de que é feito um homem... os génios têm destas coisas.

Obrigado Shyamalan.

2005-10-27T16:28:00.000+01:00

"Mossafer - O Viajante" de Abbas Kiarostami (1974)

"O Viajante" ou "O Passageiro", dependendo da tradução francesa ou inglesa, é a primeira grande obra de Abbas Kiarostami, realizador Iraniano já com uma longa carreira que recentemente nos apresentou "Ten".

Estamos perante uma obra de clara incidência familiar, especialmente no que toca ao comportamento infantil.
Qassem é uma criança como muitas outras, adora o futebol e detesta a escola, onde arranja frequentemente uma ou outra dores de dentes para se libertar das suas tarefas. Um dia Qassem recebe a notícia que a selecção de futebol do seu país irá jogar e alimenta dentro de si o sonho de ir ver o jogo dos seus ídolos, mas para isso precisará de dinheiro que a sua família não tem.

E é aqui que começa a "viagem" da nossa jovem criança, onde e como arranjará o dinheiro? Pertence a uma família pobre, não o pode pedir aos país, então só lhe resta recorrer aos caminhos mais sujos de conseguir o dinheiro que o leve ao jogo de futebol que tanto espera. Levanta-se então a questão se Qassem conseguirá o dinheiro a tempo de ver o jogo, e sucessivamente, Abbas Kiarostami, vai criando uma "frequência" narrativa e dramática que prende o espectador, tudo com devido ao tempo. Será que chega?
Somos levados num sonho de uma criança, que não se apercebe dos seus erros, sem que nunca tendenciosamente sejamos levados a tomar um partido claro, melhor somos levado a ver até onde e até que ponto Qassem se irá aperceber dos erros cometidos.

Na verdade, "O Viajante" de Abbas Kiarostami é mais uma obra que demonstra a importância de uma boa educação infantil, ainda mais num país como o seu. É um filme de toda a família e em especial para todas as crianças, para que vejam que por vezes as suas atitudes não compensam.
Uma obra interessante, por toda a questão moral e pela exploração narrativa aliada a um dramatismo controlado e sem exageros.

NeTo - 6.5/10

2005-10-23T00:20:00.000+01:00

“Last Days” de Gus Van Sant

Observando as ultimas obras de Gus Van Sant, é desde logo perceptível uma intensa mudança dos cânones narrativos e técnicos do cinema actual. Tanto em “Gerry”, “Elephant” e agora “Last Days”, colocam a olhos visto o lado experimental do cinema de Gus Van Sant, para além da poética e do ritmo narrativo, Gus Van Sant explora diversos factores inerentes à própria narrativa em cada um dos filmes da chamada “triologia da morte”.
Van Sant explora diversos factores, ou melhor manipula-os, de forma a servirem a sua narrativa, tenhamos em conta que qualquer sistema narrativo cinematográfico, obrigatoriamente (?) deverá conter imagem e som, como todos os signos inerentes que permitem um caracterização temporal e espacial, mas existem outros factores para além destes, que dependerão da interpretação do autor para a sua utilização. Em “Gerry”, toda a narrativa é acente na palavra, os diálogos guiam a acção, em “Elephant” é a imagem e o recurso a anacronias/sincronias (alterações temporais), que conduzem a acção, agora em “Last Days” é explorado o factor que faltava, a música/som, como complemento e suporte para todo o desenvolvimento narrativo.

Com o som ao serviço da sua narrativa, Gus Van Sant constroi um exercício de construção e complementariedade entre a imagem e o som. Num registo que falsamente será visto como minimalista, Van Sant vai explorando e estimulando a percepção de uma audiência, onde cada plano se relaciona directamente com cada som, seja por mera localização espacial ou temporal, ou como acento sentimental, recordo um sequência filmada em ligeiro traveling (in/out) em que a câmara se afasta da janela de uma sala, onde Blake (personagem inspirada em Kurt Cobain), entra e toca os seus instrumentos... inicialmente apenas temos uma melodia, um ritmo (interior?), que vai sendo ornamentado por cada acorde da guitarra de Blake, até ao momento em que o próprio se senta frente à bateria e como uma explosão sentimental, cria um dos mais fascinante e estimulante momento do cinema actual. Será apenas um conceito rectórico e inteligível? Ou será apenas uma utilização essencial dos recursos, de forma a transmitir uma mensagem de forma simbólica? Não será indeferente a qualquer um todo o trabalho de composição de cada plano, de cada som, acentuando ainda mais a visão unica de Gus Van Sant sobre um facto real.

Com uma clara invocação dos ultimos momentos de vida de Kurt Cobain, Gus Van Sant, não opta por filmar um registo meramente biográfico... ficciona e cria a sua visão, mas sempre respeitando a sua personagem, como se de uma homenagem se tratasse.
Gus Van Sant respeita os espaços do artista que filma, dignifica-o, homenageia indirectamente um símbolo de uma geração, que sabia que caminhava para uma morte solitária. Basta relembrar como são filmados os ultimos 10 minutos de “Last Days” e certamente estarão perante uma homenagem mais que merecida ao vocalista dos Nirvana... seria mais apelativo ao público ver, mas Van Sant não cede ao comercialismo e enaltece o seu artista até ao ultimo momento, sem nunca o rebaixar, e até pelo contrário, torna-o imortal, seja pela música, ou apenas pela geração que “criou”.

Michael Pitt foi o actor escolhido para dar corpo a mais um “poema” e na verdade Pitt é suberbo, decadente e terno, por momentos é impressionante a inoperância da sua personagem, enquanto noutros momentos liberta uma aura plena de consciência, especialmente quando refugiado na música.

Em boa verdade, “Last Days” não é a obra-prima que é “Elephant”, mas não deixa de ser uma obra obrigatória, onde o minimalismo aparente não é nada menos que uma das mais extraordinárias visões de um autor pleno de sensibilidade... Gus Van Sant apresenta-nos os sons da morte.

NeTo – 8/10

2005-10-19T21:07:00.000+01:00

Proposta de Regulamentação da Lei das Artes Cinematográficas e do Audiovisual

Foi apresentada para discussão pública uma proposta de Regulamentação da Lei das Artes Cinematográficas e do Audiovisual. As propostas de Decreto Regulamentar e de Decreto Lei podem ser lidas aqui:

Decreto Lei
Decreto Regulamentar

Está igualmente disponível a apresentação realizada pelo grupo de trabalho designado pela Ministra da Cultura e pelo Ministro dos Assuntos Parlamentares:
Implementação da Lei de Arte Cinematográfica e do Audiovisual

in " www.icam.pt "

2005-10-19T11:05:00.000+01:00

"The Brothers Grimm" de Terry Gilliam

Nova incursão do ex-Monty Python pelo mundo fantástico e surreal, embora desta vez e ao contrário das anteriores, mais mainstream e por consequência menos visceral e criativo que as suas anteirores obras.

Terry Gilliam tem sem qualquer tipo de dúvida ao seu serviço uma narrativa descabida e desigual, que por momentos cai de forma tão abrupta, que torna "irmãos Grimm" não num conto fabuleso, mas num mero conto provinciano.
Que fique claro que não estamos perante uma adaptação de qualquer conto criado pelos incriveis irmãos Grimm, estamos antes inseridos numa incursão dos irmãos Grimm pelo seu imaginário, algo que Gilliam tanto gosta, explorar o "imaginário" das suas personagens.

A encarnar, ou talvez melhor, a parodiar os irmãos Grimm (pois é para a paródia que nos leva o argumento escrito por Ehren Kruger), temos Matt Damon e Heather Ledger, vistos como dois aventureiros que salvam pequenas aldeias de bruxas e feitiços criados e inventados por eles mesmos e que um dia se vêm obrigados a enfrentar uma bruxa, mas desta vez, não criada por eles.
É durante esta aventura que somos deparados com imensas ligações a todo o imaginário criado pelos Grimm, "Rapunzel", "Hansel e Grethel", "Cinderela", "O Capuchinho Vermelho" e que segundo Gilliam, foi a inspiração para todos os contos.
Se é verdade que todo o visual, desde cenarios a efeitos especiais, são suficientemente credíveis, sombrios e surreais, não deixa de ser também verdade que são eles que sustentam a nova obra de Gilliam, que em vários momentos perde a magia e se rege apenas por uma imensa vontade de um estúdio mainstream.

Sem ser brilhante como já o foi em "Brazil", Terry Gilliam e o seu "Irmãos Grimm" irá sofrer e acabará por perder a quando a comparação com outras obras fabulescas e surreais, como as de Tim Burton, especialmente o ultimo "Charlie e a Fábrica de Chocolate".

NeTo - 4/10

2005-10-19T10:48:00.000+01:00

6ª Festa do Cinema Francês

"Caché" de Michael Haneke

Vencedor do Prémio de Melhor Relização e Prémio da Crítica no último Festival de Cannes, "Caché" era um filme sobre o qual despertava algum interesse.
O sempre contorverso Michael Haneke, oferece-nos agora uma obra que viaja do Thriller ao Drama familiar, num exercício estilístico com claras marcas de autor.

Assim somos colocados perante um apresentador de Televisão, que pelo meio dos seus fantasmas interiores e o seu trabalho, recebe em casa cassetes com filmes que se limitam a observar o seu quotidiano. Tal facto o obrigará a viajar ao seu interior e à sua infância, na tentativa de procurar uma solução para a sua "falsa" vida.

Após um início muito interessante, com um excelente trabalho de espaço tempo, em que todas as tomadas de vista criam um certo mistério, após o seu desvendar, tudo se torna num mero exercício autoral, excssivamente estilizado, provocando por momentos um certo mau estar na plateia.

Em espaços bastante interessante graças a uma fantática Juliette Binoche, "Caché" tem o seu grande problema no seu argumento, excessivamente vago e sem um paralelismo directo com as vivências de uma plateia, que permitam a esta mesma desvendar, todo aquele trabalho de tomadas de vista de Michael Haneke.

Excessivamente desiquilibrado, tem pelo menos o interesse de ver um realizador que filme não apenas com os olhos, e que em espaços constroi altos momentos de tensão, sem recurso a câmaras trémulas e a 5 cortes por frame.
"Caché" até é interessante e misterioso, mas está muito longe de ser uma obra cativante.

NeTo - 4/10

2005-10-17T20:58:00.000+01:00

6ª Festa do Cinema Francês

"Arsène Lupin" de Jean-Paul Salomé

Baseado na obra literária de Maurice LeBlanc, criador da personagem Arsène Lupin, esta adaptação é uma das muitas já feitas para cinema e televisão sendo a data da primeira já de 1908, na curta-metragem "The Gentleman Burglar".
Esta nova adaptação tinha a seu favor um enorme orçamento a rondar os 21 milhões de dolares , proveniente de uma produção europeia conjunta (França, Inglaterra, Espanha e Itália), um elenco de luxo contando com Romain Duris ("A Residência Espanhola") e Kirstin Scott Thomas ("Gosford Park"), e contando com uma personagem conhecida um pouco por todo o mundo e em particular em França, onde tem uma fama igualável a Sherlock Holmes na Grã-Bretanha.

Aquele filme que teria tudo para ser um Blockbuster Europeu, não é nada menos que um dos grandes "flop" em França, e adivinha-se o mesmo resultado um pouco por todo o lado, Portugal inclusive.

Arsène Lupin, é um ladrão que rouba a elite social e um verdadeiro mestre no disfarce, possui um imenso charme, capaz de seduzir qualquer dama a ponto de facilmente se apoderar das suas riquezas... mas nesta adaptação cinematográfica, existem coisas a mais e o que realmente interessa acaba por ser esquecido, o que provoca com que a narrativa esteja repleta de sequências desiguais e sem uma linha definida.
Tem um início lento, excessivamente lento, onde é contada a história infantil de Arsène e lançada a intriga sobre a qual irá girar a acção, mas após os 30 minutos o ritmo mantem-se calmo, mas em ligeira subida e com o aparecimento constante de novas personagens e um numero infindaveis de sub-plots (intigas secundárias), que mais para o final se vão atropelando mutuamente, tornando o seu final num verdadeiro "encontro" de voltas e reviravoltas por frame.

Claro que existem os efeitos especiais, sem ser em exagero, mas também sem deslumbrar e sem nunca servirem a narrativa e apenas serem utilizados como puro "show off".
A nível de cenários tudo é muito belo, assim como um fabuloso e "glamouroso" guarda-roupa, que acaba por ser completamente esquecido por uma mera realização tarefeira de Jean-Paul Salomé, que não aproveita tudo o que de bom tinha em suas mãos, acomodando-se a clichés básicos e a uma construção de personagens mediocre, mas acima de tudo a um ridículo jogo de flashbacks que acaba por tornar o seu filme num aglomerado de episódios.

Romain Duris e Kirstin Scott Thomas, ainda tentam agarrar as suas personagens e salva-las da mediocridade do filme, e em boa verdade tanto Duris, charmoso e camaleónico, irónico e cómico, e Thomas sempre misteriosa e terrivelmente sedutora, por momentos criam alguns momentos de interesse.

"Arsène Lupin" será possivelmente a prova de que a Europa deve deixar os "blockbusters" para Hollywood e manter-se fiel à sua linhagem cultural e artística.

NeTo - 2/10

Estreia prevista no nosso país a 17 de Novembro.

2005-10-14T14:18:00.000+01:00

6ª Festa do Cinema Francês

"La Marche de l'empereur" de Luc Jacquet

Classificar "La Marche de l'empereur" como um banal documentário é algo cruel e injusto, mas onde incluir a obra de Luc Jacquet?
"La Marche de l'empereur" é na verdade um documentário, mas um documentário diferente, quase ficcional e fabulesco, pode parecer estranho o facto de referir-me a um documentário sobre um animal (os pinguins imperadores), como algo ficcional, quando apenas é filmado o seu habitat e o seu comportamento. É que em boa verdade toda a abordagem de Luc Jacquet transforma um simples pinguin, numa personagem de uma fábula, onde existe um lado humano e afectivo, onde o amor, a morte e o instinto selvagens, são sentidos e referidos por narradores na 1ª pessoa, como se aquela voz fosse a voz dos pinguins que acompanhamos.

Sujeito a condições de trabalho desumanas, Jacquet e toda a sua equipa, especialmente os directores de fotografia, realizaram um trabalho soberbo a nível fotográfico, dramático e narrativo.

Nesta visita guiada ao coração do Antártico, acompanhamos o ritual de sobrevivência da mais calma e desajeitada ave do nosso planeta, o pinguim.
Somos levados numa viagem, não ao lado animal, mas sim a um lado quase humano, se assim podemos chamar, que existe em cada animal, afinal o ritual que nos é oferecido, é feito de sacrifícios, de "amor" e de instinto de sobrevivência, que afinal de contas é o que governa todo o mundo.

Com belos momentos de humor, tensão e algum drama, "La Marche de l'empereur" torna-se assim um dos mais originais e agradaveis filmes deste ano e do seu género, refrescante em todos os sentido e sempre com um lado sensível e infantil que nos permite assistir ao filme em completo estado de extase.

NeTo - 8/10

P.S. - O filme estreará a 3 de Novembro de 2005, nas nossas salas com o título "A Marcha dos Pinguins". E se não estou errado, acabou por ser o filme Francês mais visto em território Americano.

2005-10-14T13:47:00.000+01:00

6ª Festa do Cinema Francês

"Les Mots Bleus" de Alain Corneau

Foi com "Les Mots Bleus", que abriu a 6ª edição da Festa do Cinema Francês na cidade do Porto, não foi a abertura perfeita, mas também não foi uma abertura horrível.

Alain Corneau apresenta-nos um filme simples, pesado e a roçar o telefilme.
Acompanha os fantasmas interiores de uma mãe e da sua filha, cada uma com conflitos interiores provocados por um passado "assombrado" e que se manifestam no seu dia a dia. Clara (Sylvie Testud), a mãe devido a um trauma de infância teme a leitura, a sua filha teme as palavras, não fala (não por qualquer tipo de defeciência) e comunicam as duas apenas por desenhos.
Esta relação é apresentada de forma lenta mas nem sempre eficaz, narrativamente muitos são os momentos do filme que se tornam inteligiveis aos olhos do espectador, momentos demasiadamente adornados que apenas complicam o que aparentava ser simples.

Apresentação familiar completa, não podia faltar o aparecimento de um elemento masculino, que desde o seu primeiro plano, e grande parte da culpa da câmara de Corneau, oferece-nos o desfecho do filme, num dos mais usados clichés.

Facilmente previsível, em espaços maçador e cansativo, sem qualquer tipo de emoção ou sensibilidade e com grandes deficiencias narrativas, "Les Mots Bleu" acaba por ser um simples filme que se vê e esquece passados alguns momentos.

NeTo - 4/10